ARTE CULTURA

Segnalazione delle grafiche e dei multipli di CATTELAN per l'inserimento nel catalogo in preparazione - Signaling of CATTELAN graphics and multiples

2012-02-14T00:50:00.000-08:00

Vittorio Peruzzi e la Collezione Peruzzi stanno preparando la pubblicazione di un Catalogo della Grafica e dei Multipli di Maurizio Cattelan.

Si invitano i possessori di opere di Cattelan a contattarci ( vittorio.peruzzi@collezioneperuzzi.it ) per il loro inserimento gratuito nel catalogo.

Vittorio Peruzzi and the Peruzzi Collection are preparing the publication of a catalog of Maurizio Cattelan Graphic and Multiple Works.

We invite the owners of works by Cattelan to contact us ( vittorio.peruzzi@collezioneperuzzi.it ) for their inclusion in the catalog at no charge.

http://www.collezioneperuzzi.it/

La paura dell’altro. Installazione di Sergio Ragalzi e Paolo Grassino

2012-02-14T00:38:00.002-08:00

10 febbraio 2012 - 1 marzo 2012
Arti contemporanee del XX e XXI sec.

Il progetto, ideato appositamente per gli spazi della Sala Santa Rita, mette a confronto due generazioni diverse di artisti, entrambi torinesi, l'uno in passato allievo dell'altro. Punto di partenza del progetto è il concetto di paura intesa come meccanismo di innesco del confronto, e quindi come inesorabile premessa del processo di creazione e di conseguente dialogo dell'artista col mondo esterno. In due maniere differenti, ma dialetticamente in sintonia, i due artisti mettono in scena la loro personale rappresentazione della paura.
Sergio Ragalzi propone tre tele verticali di grandi dimensioni appartenenti al ciclo pittorico delle "Scimmie" realizzate appositamente per la Sala Santa Rita.

Il ciclo delle "Scimmie", presentato per la prima volta alla storica galleria l'Attico di Fabio Sargentini nel 2004, rappresenta la paura come momento di passaggio. Ragalzi individua, infatti, nel terrore che si dipinge nel volto dell'animale il momento di passaggio dallo stato bestiale alla coscienza, prerogativa esclusiva dell'uomo.
Paolo Grassino presenta una scultura-installazione in cemento in cui una figura umana, attraversata da lampadine che illuminano in maniera prepotente lo spazio antistante all'opera, rivela la paura e l'incertezza del futuro, l'ineluttabile necessità di mettere in luce ciò che si para di fronte al proprio cammino.
Sergio Ragalzi nasce a Torino nel 1948. Protagonista fin dalla metà degli anni '80 del ritorno alla pittura dopo le esperienze concettuali degli anni '70, partecipa a esposizioni in musei e istituzioni internazionali. Le sue opere fanno parte delle collezioni di varie istituzioni pubbliche tra cui il MACRO di Roma, la Galleria d'Arte Moderna di Bologna, la GAM di Torino e la collezione Camera dei Deputati.

Paolo Grassino (Torino 1967) esordisce sulla scena dell'arte nei primi anni '90, facendosi interprete della generazione di fine millennio con un'iconografia cruda e spiazzante.
Reduce da mostre in musei internazionali come il Frost Art Museum di Miami (2011) e Loft Project Etagi di San Pietroburgo (2011), di recente ha rappresentato l'Italia alla Biennale di Mosca e una sua grande installazione è stata acquisita per la collezione permanente del MACRO di Roma.

INAUGURAZIONE 9 Febbraio 2012
ORARIO DI APERTURA Dal martedì al sabato dalle ore 11 alle ore 19
GIORNI DI CHIUSURA SETTIMANALI Domenica e lunedì
GIORNI DI CHIUSURA PER FESTIVITA' 1/1, 6/1, Lunedì di Pasqua, 25/4, 1/5, 2/6, 29/6, 1-31/8, 1/11, 8/12, 25/12, 26/12

Fonte: http://www.romaexhibit.it

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Amalia Di Lanno

Mijn Schatje, New works

2012-02-14T00:19:00.000-08:00

MIJN SCHATJE New works 14 febbraio 2012 – 6 marzo 2012

Un’opening il giorno di San Valentino per la personale della romantica e inquietante artista francese Mijn Schatje è il nome d’arte che la giovane artista francese Marie Blanco Hendrickx (padre spagnolo, madre olandese) si è data agli albori della sua dirompente carriera.
Non ancora trentenne è già infatti una delle indiscusse produttrici di iconicità della nostra epoca, nonché una delle rare, rarissime donne ad utilizzare programmi di illustrazione digitale come principale strumento della propria creatività. Le sue bambine, piccoli capolavori di ingenuità e malizia, popolano un mondo per certi versi fatato, e per altri misterioso se non addirittura inquietante. Questo viaggiare sul bordo tra il rassicurante calore delle camerette delle adolescenti e il mare oscuro dell’età adulta ha reso Mijn Schatje famosa e popolare sia nel campo dell’illustrazione che in quello della moda che nell’arte ipercontemporanea.
È stata citata e pubblicata tra gli altri da Taschen, Dazed & Confused e Rizzoli, ha creato una linea per Fornarina e le cover per diverse band della scena elettronica francese. Ha esposto in gallerie in Francia e negli Stati Uniti oltre che in mostre collettiva presso il Madre di Napoli e il Museo Carandente di Spoleto. Vive e lavora a Parigi nei pressi della Ile-de-la-Cité. Il suo lavoro è stato definito «romantico e surreale».

Titolo della mostra: MIJN SCHATJE – New Works
A cura di: Dario Morgante

Inaugurazione: martedì 14 febbraio 2012, ore 18.30
Periodo: 14 febbraio 2012 – 6 marzo 2012
Orari: dal lunedì al sabato 12.00 – 20.00
domenica 16.00-20.00
Sede: Mondo Bizzarro Gallery, via Reggio Emilia 32 c/d
Tel. 06-44247451

info@mondobizzarrogallery.com
www.about.me/mondobizzarrogallery
www.mondobizzarrogallery.com

Fonte: http://www.artapartofculture.net

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Amalia Di Lanno

Mostra di Krystyna Piotrowska

2012-02-14T00:03:00.004-08:00

Palazzo Blumenstihl
Fino al 29 febbraio 2012

Istituto Polacco di Roma,
via Vittoria Colonna 1 – Roma

Ingresso libero

La mostra Riflessi di Krystyna Piotrowska, come tutta la sua ricerca artistica, si aggira attorno al problema dell’identità. Piotrowska provoca delle situazioni nelle quali realtà e illusione si incrociano. La mostra, organizzata nell’ambito delle “Giornate della memoria” è dedicata alle relazioni ebraico-polacche. Relazioni che, come mostra il video “Sono partito, sono partita dalla Polonia perché…“, vissero un periodo difficile nel 1968, quando i leader del partito comunista, per liberarsi di avversari politici, promossero lo slogan “lotta contro il sionismo”. L'Antisemitismo è diventato una parte ufficiale del programma politico. La maggior parte degli ebrei polacchi perse il posto di lavoro, venne rimossa dalle cariche o espulsa dall’università a causa delle loro origini. Contemporaneamente, gli Ebrei venivano invitati a lasciare la Polonia definitivamente. Nella mostra saranno esposti alcuni dei cicli fotografici in cui l’artista gioca con la sottile linea tra immagine reale e immagine riflessa.

La mostra rimarrà aperta fino al 29 febbraio 2012 lunedì - giovedì 10 - 17 e su appuntamento tel.: 06 36 00 46 41

fot. Krystyna Piotrowska, My left, right side

Info: http://www.istitutopolacco.it

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Amalia Di Lanno

Mirò! Poesia e luce

2012-02-13T23:48:00.002-08:00

Joan Miró in mostra a Roma: il Chiostro del Bramante dedica un'esposizione al celebre artista spagnolo. Il delicato e poetico surrealismo delle sue opere in mostra in primavera nella splendida cornice rinascimentale del Chiostro del Bramante. Era da molti anni che Roma non ospitava una rassegna esaustiva dell’opera di Joan Miró. E non solo. Perché al Chiostro del Bramante si potranno ammirare oltre 80 lavori, del genio catalano, mai giunti prima nel nostro Paese, tra cui 50 olii di sorprendente bellezza e di grande formato, ma anche terrecotte, bronzi e acquerelli. E questo grazie alla Fundació Pilar i Joan Miró di Palma di Mallorca, che detiene gran parte del patrimonio dell’artista e che ha concesso in via del tutto straordinaria le sue opere per un’anteprima italiana.

La mostra Miró! Poesia e luce, sarà ospitata a Roma al Chiostro del Bramante dal 16 marzo al 10 giugno 2012, ed è prodotta e organizzata da Arthemisia Group e 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, con DART Chiostro del Bramante.

La curatrice dell’esposizione è María Luisa Lax Cacho è ritenuta la massima esperta internazionalmente dell’opera di Miró. La mostra darà conto dell’intera produzione artistica di Miró, nato nel 1893, tra gli anni 1908-1981. Un particolare approfondimento sarà rivolto alle opere create nei trent’anni anni in cui Miró visse a Mallorca e cioè dal 1956 fino alla morte avvenuta nel 1983. Un periodo particolarmente felice per l’artista, che finalmente aveva a sua disposizione un grande atelier e un laboratorio, a contatto con la natura sua musa ispiratrice, che dà vita a nuove idee e che gli fa iniziare contemporaneamente più opere.

Joan Miró i Ferrà (Barcellona, 20 aprile 1893 – Palma di Maiorca, 25 dicembre 1983) è stato un pittore, scultore e ceramista spagnolo, esponente del surrealismo.

ORARI

Tutti i giorni dalle 10,00 alle 20,00 – Sabato e Domenica dalle 10,00 alle 21,00

Chiuso lunedì

16 marzo - 10 giugno 2012 / 16 March - 10 June 2012

Chiostro del Bramante, Arco della Pace 5, Roma

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Amalia Di Lanno

L’arte delle avanguardie russe_Malevič, Tatlin, Kandinskij, Lentulov, Chagall, Falk, Rodčenko

2012-02-13T23:42:00.002-08:00

Arti contemporanee del XX e XXI sec.
La mostra presenta al pubblico italiano 60 dipinti e modelli architettonici dell'arte russa degli inizi del XX secolo, provenienti dalla Galleria statale Tretyakov e dai musei regionali russidi città quali Kazan, Kirov, Krasnodar, Nizhny, Novgorod, Pskov, Samara, Saratov. Si tratta di una serie di opere che documentano la nascita e lo sviluppo dell'arte d'avanguardia in Russia che, partendo dagli evidenti influssi di artisti come Cezanne, Gauguin e Picasso e assimilando le ricerche cubo-futuriste proprie dell'arte francese giungerà, alle originali creazioni dell'arte non-oggettiva tipica del Suprematismo e alla disciplina formale del Costruttivismo. Nell'esposizione si possono ammirare, tra le altre, opere di Kazimir Malevich e Vladimir Tatlin, Vasily Kandinsky e Aristarkh Lentulov, Marc Chagall e Robert Falk, Aleksandr Rodchenko e Mikhail Larionov. Molto significativa anche la presenza delle donne: Natalia Goncharova, Olga Rozanova, Lubov Popova, Nadezhda Udaltsova, Aleksandra Ekster.

Orario
Martedì-domenica 9.00-19.00 (la biglietteria chiude un'ora prima).

Chiuso il lunedì ed il 1° maggio

Fonte: http://www.arapacis.it

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Amalia Di Lanno

Rivelazioni della forma_Pino MUSI

2012-02-13T23:32:00.000-08:00

11 - 26 Febbraio 2012
Rivelazioni della forma
L'Italia delle origini nelle fotografie di Pino Musi per FMR

Cinquanta opere fotografiche per rappresentare le radici profonde della bellezza del patrimonio artistico italiano.
La mostra è tratta dalle immagini di due volumi recentemente realizzati dalla Casa Editrice FMR Italia. Bellezza Eterna e Italia. Bellezza e Fede con fotografie di Pino Musi.

I due volumi fanno parte di un progetto artistico, culturale ed editoriale, nato per celebrare l’Italia attraverso una rilettura dei luoghi che ne hanno fatto grande la storia.

La mostra di 50 opere fotografiche di Pino Musi, tutte in bianco/nero ed in grande formato, si sviluppa intorno all'idea di proporre una lettura originale dei paesaggi e dei monumenti dell'Italia greco-romana e di quella paleo-cristiana.

Il percorso espositivo si suddivide in due momenti.

Da un lato, lo sguardo dell’autore indaga il lontano passato dell’Italia: la civiltà greca con Agrigento, Siracusa e Paestum, la civiltà etrusca con Cerveteri e la civiltà romana con il Colosseo, i Fori Imperiali, il Pantheon, Pompei, la Via Appia Antica e Villa Adriana a Tivoli.Dall'altro scopre le architetture dei primi luoghi dedicati al culto cristiano: dalla Basilica di Aquileia a Sant’Ambrogio a Milano; da San Vitale e Sant’Apollinare in Classe a Ravenna alla Basilica di Santo Stefano a Bologna; da Santa Maria e Santa Fosca a Torcello alla Cattedrale di Trani; da Santa Maria in Cosmedin a Roma alla Cappella Palatina a Palermo fino ad arrivare al Duomo di Monreale.
Un itinerario di immagini capace di testimoniare il ruolo che il Cristianesimo e la Fede hanno avuto nel modellare la cultura e l’arte occidentale e in special modo quella italiana, diventando parte fondamentale della coscienza identitaria di ognuno. Il contrappunto fra natura e reperto, luce e materia e la ridefinizione attraverso inquadrature essenziali ed eleganti degli spazi architettonici, suggerisce una sfida interessante: la proposizione di una nuova idea di bellezza fuori dallo stereotipo, di quei luoghi che appartengono alla memoria collettiva.

Orario
Martedì-domenica 9.00-19.00 (la biglietteria chiude un'ora prima).Chiuso il lunedì

Informazioni
060608 tutti i giorni dalle 9.00 alle 21.00

Fonte: http://www.arapacis.it

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Amalia Di Lanno

A#6_Carni Arrostite

2012-02-13T23:03:00.002-08:00

Lenz Rifrazioni a Bologna

Domenica 19 febbraio 2012 ore 21

AENEIS #6_Carni Arrostite

Liber Sextus da Virgilio

creazione Francesco Pititto Maria Federica Maestri

imagoturgia Francesco Pititto

installazione Maria Federica Maestri

music performance live Andrea Azzali - Monophon

performer Valentina Barbarini Giuseppe Barigazzi Giancarlo Ilari Barbara Voghera

coproduzione Lenz Rifrazioni Festival Natura Dèi Teatri

Come per la Sibilla il futuro è adesso, ancora donna stranieraancora nozze straniere, l’origine è sempre la stessa.

Da patria a patria, già tutto partitogià tutto è nel cuore, ogni male è provato. Il peggio è stato previsto.Sesto capitolo di un ampio progetto performativo composto di dodici episodi ispirati all’Eneide, "Carni Arrostite" prende le mosse dal sesto canto virgiliano, uno tra i più celebri, quello in cui Enea, guidato nel regno dei morti dalla Sibilla, vede il suo passato e il futuro di Roma. Nell’epos scheletrico di Lenz il viaggio nell’aldilà è una sorta di transito neurolettico, un sonno chimico alla ricerca del padre. Il mondo evocato da questa Eneide contemporanea è una realtà dominata da una vecchiaia che sopravvive a se stessa in una circolarità viziosa e asfissiante che fonda il senso stesso dell’opera. Il fondatore di Roma è un Enea già vecchio, ossessionato da un padre ancora più vecchio. In questa visione cruda della senilità i vecchi non solo sopravvivono induriti dalla propria sofferenza, ma rimangono detentori assoluti del potere psico-politico che condiziona il presente dei propri figli. Figura isolata in questo quadro di decrepitezza maschile è Dido, preda sacrificale insieme figlia-moglie-amante, unica portatrice insieme alla piccola Sibilla.La scena, che riproduce esattamente le dimensioni reali dell’Ara Pacis, diviene qui emblema della rovina del presente: costruita negli anni del clamore imperiale per la glorificazione del potere, è un monumento di pace eretto in un luogo di conflitto, uno spazio sacrificale in un opaco innesto architettonico contemporaneo."Aeneis" è il nuovo progetto performativo e visuale ispirato al grande poema epico di Virgilio, massimo interprete della classicità latina, i cui primi sei episodi sono stati presentati alla sedicesima edizione di Natura Dèi Teatri. Installando la propria poetica visionaria sull’opera virgiliana, Lenz Rifrazioni intende rielaborare artisticamente le retoriche che accompagnano Enea nel suo viaggio di rifondazione della patria in un’interpretazione critica dell’iconologia del potentato e della dominanza. In questo grande progetto performativo le visioni di Lenz si fondono con le sonorità di quattro musicisti della scena elettronica internazionale: Lillevan, Paul Wirkus, gli Ovo e Andrea Azzali - Monophon, impegnati nelle performance live dei singoli episodi.

Domenica 19 febbraio 2012

EXILIUM_installazioneinstallazione Maria Federica Maestrivisual Francesco Pititto

EXILIUM è un progetto di visual art, ispirato ai "Tristia" e le "Epistulae ex Ponto", opere dell’esilio di Ovidio, realizzato per la parte filmica in Romania e “diffuso” nello scenario urbano di Bucarest. È racchiuso in queste opere del poeta latino Ovidio Publio Nasone, l’exilium che Lenz Rifrazioni assume a pretesto creativo per delineare una mappa di rappresentazione umana ed artistica. L’esilio, nell’accezione latina, è una forma di punizione, molto praticata nel mondo antico e medievale, che consiste nell’allontanamento forzato e obbligatorio di un condannato dalla sua terra d’origine. L’alternativa per chi non osservava quest’obbligo era la pena di morte. Nel mondo moderno all’esilio imposto si è aggiunto l’esilio volontario come negli anni del fascismo o durante la persecuzione degli ebrei mentre nell’oggi la forma più diffusa di esilio volontario è praticata per motivi di sostentamento, di fuga da situazioni di guerra e persecuzione etnica, di difesa della propria vita e di quella dei familiari: con tutto quel che comporta l’allontanamento forzato dal proprio habitat sia in termini di relazioni affettive sia di rapporto con il luogo vero e proprio.

L’installazione è composta da un habitat domestico metallico e raggelante - con un anomalo attraversamento nell’art design più innovativo (alcuni pezzi dell’installazione sono entrati in produzione) - e immagini balcaniche realizzate in Romania a Bucarest e a Costanza, luogo dell’esilio del poeta.

Teatri di Vita_info biglietti 051.566330 (lun-ven ore 15-18)

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Amalia Di Lanno

"I AM HERE" Mostra di Elaine Bennett a Giovinazzo.

2012-02-13T23:01:00.000-08:00

Lo "Studio K2" sarà chiusa per ferie: si riapre Venerdì 24 Feb alle 18:30 - 22;30

per la mostra della personale dell'artista Elaine Bennett di Indianapolis, USA, adesso vive a Torre a Mare.
I orari invernale: aperta venerdi e sabato 18:30 - 22;30, domenica mattina dal 10:30- 13:00
Li mostra concluderà il 4 marzo.
Nell'"angolo inverno" saranno in mostra anche opere di Loredana Albanese, Liliana de Tomasa, Katherine L Wright
Speciale display: le maschere di carnevale.
Presso lo "Studio K2", Via Cattedrale 14, Giovinazzo (Bari).
..

Luigi Guarino. Reflex Identity

2012-02-13T22:56:00.000-08:00

La personale di Luigi Guarino riflette, nel profondo del collettivo umano, nei sentimenti, nelle pulsioni, nei differenti strati oscuri e di luce della personalità, l'esigenza di imporre e di relazionarsi per quello che veramente noi siamo.

Potere del giudizio, della presunzione dell'essere, è solo un epilogo della degradazione inflitta a se stessi, riemergono eterne sconfitte cosi visibili e nitide da renderci consapevoli ma mai pronti definitivamente al cambiamento. Dipinti e sculture sono in armonia nello spazio con la sola missione compositiva di dare luce all'individuo rappresentato, mettendolo a nudo da ogni forma di falsa propensione allesteriorità e cercando di evidenziare la verità custodita nei silenzi della nostra intimità.

Luigi Guarino. Reflex Identity

Inaugurazione: domenica 19 febbraio ore 19.00

Periodo: 19/02/12 - 20/03/12

MIVHS GALLERY

Via Aniello Falcone, 40

Casavatore (NA)

Tel. 081 7386250

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Amalia Di Lanno

"ABOUT LEIGH BOWERY" : FERGUS GREEER – JOHNNY ROZSA

2012-02-13T06:26:00.001-08:00

Fergus Greer – Johnny RozsaAbout Leigh Bowery

a cura di Carlo Madesani

10 febbraio – 31 marzo 2012

Camera16, Via Pisacane 16, Milano

orari: martedì - sabato / 15.00 - 19.00

Camera16 contemporary art è lieta di presentare una doppia personale di due fotografi di fama internazionale, Fergus Greer e Johnny Rozsa, che attraverso i loro scatti raccontano la leggenda di Leigh Bowery (1961-1994), senza dubbio uno dei più controversi e avanguardistici personaggi che abbiano mai calcato le scene degli anni ‘80.

La mostra “About Leigh Bowery” vuole essere uno spaccato fotografico sulle gesta di un artista, performer, fashion designer, aspirante pop star e oggetto d’arte quale è stato Bowery. Semisconosciuto in Italia, ha di fatto cambiato il linguaggio visivo influenzando personaggi nel mondo dell’arte, della moda, della musica. Lucian Freud, Boy George, Antony and the Johnsons e David LaChapelle solo per citarne alcuni hanno condiviso e diffuso le sue idee d'avanguardia.

Leigh Bowery, per la sua abilità nel cambiare identità, può essere visto come un autentico testimone della protesta contro l'omologazione e il conservatorismo. Rappresenta l'unicità di ogni vita che non accetta regole estetiche e comportamentali. Nel puro stile new romantic che esalta l’individuo nella libertà espressiva del genio. Bowery si offre in un’immagine che, in un’ottica transgender, supera la divisione maschile/femminile mostrando i codici della seduzione e della comunicazione attraverso il corpo e i vestiti e dando origine a nuovi concetti di glamour e bellezza.

Leigh Bowery è tra gli interpreti più estremi del contesto storico in cui vive, quello dell’abolizione di qualsiasi restrizione a favore della creatività più libera e della totale sperimentazione e contaminazione tra i linguaggi della musica, dell’arte, della moda e del design. E’ il decennio di Margaret Thatcher (1979-1990), della nascita di MTV (1981), della caduta del muro di Berlino (1989), dell’uscita di Like a Virgin (1984) e di altri epigoni musicali come Thriller (1982). Inoltre, con l'avvento della TV, e in particolare con l'utilizzo promozionale del video musicale, l'impatto visivo diventa essenziale per ogni artista che vuole entrare nel circuito commerciale.Fergus Greer e Johnny Rozsa conoscono e collaborano con Bowery tra il 1986 e il ’94, anno della sua scomparsa a causa del virus dell’Hiv. Entrambi i fotografi, attraverso una serie di ritratti, restituiscono a chi non ha potuto conoscerlo una vera a propria guida visiva di ciò che ha prodotto attraverso l’immagine di se stesso.Johnny Rozsa collabora con Bowery in occasione del servizio fotografico per la realizzazione di Christmas Card. Attraverso una visione, singolarmente emotiva per un fashion photographer, Rozsa, rappresenta in tutta la sua autenticità il trasformismo boweryano in cui la vestibilità dell’abito è sacrificata alfine dello show.

Fergus Greer, oltre a collaborare attivamente con Bowery, ne è un caro amico. La conoscenza più intima tra i due emerge nel suo libro con scatti inediti “Leigh Bowery Looks”: un racconto per immagini che svela tutto il profondo e duro lavoro che Leigh Bowery sviluppa attorno al proprio corpo.

"Cerco di avere l'immagine migliore possibile grazie alla mia individualità ed espressività".

(Leigh Bowery)

Camera16

La galleria Camera16 contemporary art viene aperta da Carlo Madesani, fondatore della galleria Onepieceart di Roma, nel 2010 a Milano, sua città natale, alfine di aprire nuove finestre sul mondo dell’arte contemporanea. Così Madesani focalizza l’attenzione sulla ricerca di artisti, fotografi e non solo, storici e contemporanei, scelti perché svelano da diverse angolature i molteplici aspetti di una vita vissuta appieno, nella quale lo spazio e il tempo non sempre sono legati ad un luogo e ad un istante, ma mutano davanti agli occhi dello spettatore. Da Irina Ionesco a Nigel Coates, Massimo Listri, le giovani Gayle Chong Kwan e Indre Serpytyte, al fotogiornalismo dei grandi maestri italiani del ‘900 e di fotoreporter contemporanei e ancora Edgar Martins, Jason Oddy, due up and coming photography talents come Sandy Kim e Anthony Maule, fino alla scoperta di Wendy Bevan e all’ultima esposizione ancora in corso Alamar di Mauro D’Agati.

Info: http://www.camera16.it

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Amalia Di Lanno

"ABOUT LEIGH BOWERY"FERGUS GREEER – JOHNNY ROZSA

2012-02-13T06:22:00.000-08:00

Fergus Greer – Johnny RozsaAbout Leigh Bowery
a cura di Carlo Madesani
10 febbraio – 31 marzo 2012
Camera16, Via Pisacane 16, Milano
orari: martedì - sabato / 15.00 - 19.00

Camera16 contemporary art è lieta di presentare una doppia personale di due fotografi di fama internazionale, Fergus Greer e Johnny Rozsa, che attraverso i loro scatti raccontano la leggenda di Leigh Bowery (1961-1994), senza dubbio uno dei più controversi e avanguardistici personaggi che abbiano mai calcato le scene degli anni ‘80.

La mostra “About Leigh Bowery” vuole essere uno spaccato fotografico sulle gesta di un artista, performer, fashion designer, aspirante pop star e oggetto d’arte quale è stato Bowery. Semisconosciuto in Italia, ha di fatto cambiato il linguaggio visivo influenzando personaggi nel mondo dell’arte, della moda, della musica. Lucian Freud, Boy George, Antony and the Johnsons e David LaChapelle solo per citarne alcuni hanno condiviso e diffuso le sue idee d'avanguardia.
Leigh Bowery, per la sua abilità nel cambiare identità, può essere visto come un autentico testimone della protesta contro l'omologazione e il conservatorismo. Rappresenta l'unicità di ogni vita che non accetta regole estetiche e comportamentali. Nel puro stile new romantic che esalta l’individuo nella libertà espressiva del genio. Bowery si offre in un’immagine che, in un’ottica transgender, supera la divisione maschile/femminile mostrando i codici della seduzione e della comunicazione attraverso il corpo e i vestiti e dando origine a nuovi concetti di glamour e bellezza.
Leigh Bowery è tra gli interpreti più estremi del contesto storico in cui vive, quello dell’abolizione di qualsiasi restrizione a favore della creatività più libera e della totale sperimentazione e contaminazione tra i linguaggi della musica, dell’arte, della moda e del design. E’ il decennio di Margaret Thatcher (1979-1990), della nascita di MTV (1981), della caduta del muro di Berlino (1989), dell’uscita di Like a Virgin (1984) e di altri epigoni musicali come Thriller (1982). Inoltre, con l'avvento della TV, e in particolare con l'utilizzo promozionale del video musicale, l'impatto visivo diventa essenziale per ogni artista che vuole entrare nel circuito commerciale.Fergus Greer e Johnny Rozsa conoscono e collaborano con Bowery tra il 1986 e il ’94, anno della sua scomparsa a causa del virus dell’Hiv. Entrambi i fotografi, attraverso una serie di ritratti, restituiscono a chi non ha potuto conoscerlo una vera a propria guida visiva di ciò che ha prodotto attraverso l’immagine di se stesso.Johnny Rozsa collabora con Bowery in occasione del servizio fotografico per la realizzazione di Christmas Card. Attraverso una visione, singolarmente emotiva per un fashion photographer, Rozsa, rappresenta in tutta la sua autenticità il trasformismo boweryano in cui la vestibilità dell’abito è sacrificata alfine dello show.Fergus Greer, oltre a collaborare attivamente con Bowery, ne è un caro amico. La conoscenza più intima tra i due emerge nel suo libro con scatti inediti “Leigh Bowery Looks”: un racconto per immagini che svela tutto il profondo e duro lavoro che Leigh Bowery sviluppa attorno al proprio corpo."Cerco di avere l'immagine migliore possibile grazie alla mia individualità ed espressività". (Leigh Bowery)Camera16
La galleria Camera16 contemporary art viene aperta da Carlo Madesani, fondatore della galleria Onepieceart di Roma, nel 2010 a Milano, sua città natale, alfine di aprire nuove finestre sul mondo dell’arte contemporanea. Così Madesani focalizza l’attenzione sulla ricerca di artisti, fotografi e non solo, storici e contemporanei, scelti perché svelano da diverse angolature i molteplici aspetti di una vita vissuta appieno, nella quale lo spazio e il tempo non sempre sono legati ad un luogo e ad un istante, ma mutano davanti agli occhi dello spettatore. Da Irina Ionesco a Nigel Coates, Massimo Listri, le giovani Gayle Chong Kwan e Indre Serpytyte, al fotogiornalismo dei grandi maestri italiani del ‘900 e di fotoreporter contemporanei e ancora Edgar Martins, Jason Oddy, due up and coming photography talents come Sandy Kim e Anthony Maule, fino alla scoperta di Wendy Bevan e all’ultima esposizione ancora in corso Alamar di Mauro D’Agati.

'In tra Jazz & Cinema' a Milano

2012-02-13T00:39:00.001-08:00

Dal 12 febbraio, una kermesse che omaggia il genere caro a Miles Davis, tra musica live, video di concerti d'epoca e film d'autore. Partecipa Enrico Intra.

In tra Jazz & Cinema si svolge dal 12 febbraio al 25 marzo all'Anteo Spazio Cinema (via Milazzo 9) e abbina estratti di film, rari video storici provenienti dall'archivio di Civica Jazz Band a musica dal vivo.Organizzata da AnteoSpazio Cinema e Associazione Culturale Musica Oggi – Civici Corsi di Jazz, la kermesse, che si svolge la domenica mattina, unisce grandi nomi del jazz che sono passati da Milano e capolavori del cinema. Non manca un coté fotografico grazie allo mostra di immagini scattate da Roberto Polillo, che ha immortalato diversi concerti jazz della scena milanese anni Sessanta.La manifestazione vede al timone Enrico Intra, pianista e compositore milanese che, in tre appuntamenti, proporrà improvvisazioni su inserti di capolavori del cinema d'epoca. Domenica 12 febbraio sarà la volta di Ascensore per il patibolo: Intra accompagnato da Alex Stangoni improvviseranno in diretta sulle immagini, dialogando con la musica di Miles Davis, autore della colonna sonora originale del film di Malle.Il 19 toccherà di Metropolis, evergreen di Fritz Lang. Al piano, insieme ad Intra, Stangoni e Giulia Molteni.

In calendario anche filmati vintage di esecuzioni della Civica Jazz Band arricchite da prestigiosi ospiti come Kenny Barron e David Murray o con repertori originali, come quello dedicato alle pagine sinfoniche di Duke Ellington. Spazio anche ai documentari sui concerti milanesi di Davis, Coltrane, Hampton. A raccontare le immagini ci saranno gli interventi di esperti e critici musicali quali Franco Fayenz, Maurizio Franco e Pino Maffei.

Per uno sguardo sul presente, gli studenti dei Civici Corsi di Jazz si esibiranno con brevi concerti su musiche di Thelonious Monk, Franco Cerri, Miles Davis e Giulio Visibelli.

Ingresso unico: 7-4.50 EuAbbonamento 7 spettacoli 24.50 Eu

Aperijazz (1 bicchiere di vino + 1 piatto di specialità all'Osteria del cinema) 10 Eu

Info: spaziocinema.info

IL PROGRAMMA

DOMENICA 12 FEBBRAIO ore 11

Tribute To Miles Davis

Estratto da Ascensore per il patibolo (di L.Malle, 1957) a cura di Marco Mariani

Enrico Intra e Alex Stangoni improvvisano in diretta sulle immagini e sulla musica dialogando con la colonna sonora originale di Miles Davis. Introduce Maurizio Franco.Marco Vaggi e gli studenti dei Civici Corsi di Jazz eseguono musiche di Miles Davis

DOMENICA 19 FEBBRAIO ore 11.30 Sound Movie II parte
Enrico Intra e Alex Stangoni improvvisano su un estratto di Metropolis (di Fritz Lang, 1927)Piani Diversi: Enrico Intra e Giulia Molteni.

DOMENICA 26 FEBBRAIO ore 11.30 Thelonious Monk trent'anni dopo

Estratto dal film-documentario Straight No Chaser (di C.Zwerin, 1988)Introduce Claudio Sessa.

Franco D’Andrea e gli studenti dei Civici Corsi di Jazz eseguono le Musiche di Thelonious Monk.

DOMENICA 4 MARZO ore 11.30 Sound Movie I parteEnrico Intra e Gianluigi Trovesi improvvisano su un estratto del documentario Koyaanisqatsi (di G. Reggio, 1983).

Incontro con Luca Conti e Gianluca Barbaro trio.

DOMENICA 11 MARZO ore 11.30 Il Jazz Milano I parte
Filmati storici sui grandi del jazz in concerto a Milano.

Incontro con Franco Fayenz. In più, Le chitarre di Franco Cerri, concerto degli studenti dei Civici Corsi di Jazz.

DOMENICA 18 MARZO ore 11.30 25 anni dei Civici Corsi di Jazz Filmati storici dei concerti milanesi della Civica Jazz BandIntroduce Maurizio Franco. In più, concerto della Civica Jazz Band diretta da Enrico Intra

DOMENICA 25 MARZO ore 11.30

Il Jazz a Milano II parteFilmati storici sui grandi del jazz in concerto a Milano

Incontro con Pino Maffei e Roberto Polillo.

A seguire, I sassofoni di Giulio Visibelli, concerto degli studenti dei Civici Corsi di Jazz.

Fonte: http://milano.mentelocale.it

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Amalia Di Lanno

TOKYO IMPRESSIONS - Personale di PIETRO IORI

2012-02-13T00:14:00.000-08:00

Tokyo impressions

Sabato 18 febbraio dalle ore 18.00 alle 21.00 si inaugura alla galleria ZAION la mostra personale di Pietro Iori che sarà presente all'evento.

La mostra intitolata "Tokyo impressions" presenta una serie di lavori fotografici e scultorei che perfettamente si completano, essendo paesaggio e tridimensionalizzazione del particolare.
L'artista narra le vicende del viaggiatore assente che non si muove; che viaggia pur rimanendo immobile.

"Ed è proprio da questo suo immobilismo che ricava la sua forma di personale deriva. È da questo suo essere sostanzialmente stanziale che produce il suo viaggio. Ed è il suo lavoro – questo suo viaggiare senza muoversi - che diviene una sorta di fantasmagoria dell'esistere, che gli permette di immaginare luoghi e spazi.Nella serie Souvenir Pietro Iori, viaggiatore assente, si è servito di un viaggiatore commerciale come strumento-sonda per studiare la megalopoli per eccellenza, Tokyo, per catturare visivamente la vita frenetica di una città in continuo sviluppo, che si costruisce su se stessa, all'avanguardia e ricca di paradossi estetici e sociologici, e riportarne determinate icone. Con un accurato screening ha selezionato da più di 200 fotografie, sette particolari per farli diventare un singolo scatto e ricreare la sensazione del luogo dato. L'artista ha trovato in ciò una modalità per ritornare in maniera fisica sul posto ed interpretarne l'idea, la sua soggettività è diventata arbitraria in base alla comunicazione e il viaggio virtuale è rimasto così un pretesto per mostrare dicotomie strutturali legate alla città e per intraprendere una sorta d'indagine socio– antropologica. L'elemento scultoreo di terracotta, che affianca lo scatto fotografico, materiale duttile e plastico, facilmente plasmabile e malleabile, va a richiamare la fisicità e la realtà propria dell'immagine ripresa, che come un souvenir crea il rimando alla sensazione. Il paradosso di un oggetto sostanzialmente banale che richiama la fisicità di uno spazio esperito, è appunto il costrutto attorno al quale si costruiscono i sette pezzi in mostra, che catturano le nevrosi quotidiane di una società ormai in balìa dell'alienazione e di un ritmo frenetico."

Zaion Gallery Biella
Salita di Riva, 3, 13900 Biella, Italy

Maggiori info: www.zaiongallery.com

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Amalia Di Lanno

"NEXT" - Bando di selezione di Arte Contemporanea

2012-02-12T23:48:00.000-08:00

Dopo il successo dei bandi e delle mostre d’arte contemporanea THE (UN)REAL LIFE, LIE TO ME, WE LOVE POLAROID, IL RUMORE DEL MONDO, I MOTI DELL'ANIMA, l’Associazione Culturale A2 di Verona si rivolge agli artisti italiani e stranieri con il Bando di Selezione d’arte contemporanea dal titolo

“NEXT”

Lo scopo del Bando è quello di organizzare una mostra collettiva di pittura, scultura e fotografia/video che sarà allestita dal 21 APRILE al 5 MAGGIO 2012 presso lo Spazio Espositivo CARGO20, via Venti Settembre a Verona.

Il tema del Bando di Selezione è evocato dal titolo stesso, NEXT; la ricerca di ciò che è prossimo, avanguardia, sperimentazione artistica, nuovi linguaggi. Selezioniamo artisti la cui ricerca apra uno squarcio sulle correnti contemporanee che tendono al futuro prossimo venturo per tentare di segnalare gli orientamenti più interessanti nel panorama dell’arte contemporanea. Non poniamo limiti di età, di tecnica o di stile.

I lavori inviati verranno scelti dopo un’accurata selezione per garantire un livello qualitativamente elevato dell’esposizione.Le richieste di partecipazione dovranno pervenire entro le ore 24:00 di domenica 1 APRILE 2012 compilando la scheda di partecipazione visibile a questo link:
http://www.a2associazioneculturale.com/scheda-di-partecipazione-next.html

Sezioni ammesse: Pittura, Scultura, Fotografia e Video
Maggiori informazioni nel sito dell’associazione: www.a2associazioneculturale.com

Fonte: http://www.concorsifotografici.com

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Amalia Di Lanno

TRANSPORT_Marco Dapino

2012-02-12T23:39:00.000-08:00

RBcontemporary presenta dal 1 marzo al 6 aprile 2012 in Foro Buonaparte 46 a Milano,

TRANSPORT, la personale del fotografo Marco Dapino.

La mostra è il risultato di un’ampia ricerca sul mondo dei trasporti, analizzando i luoghi di scambio e comunicazione di Milano: l'aeroporto di Malpensa, le stazioni ferroviarie e le strade a scorrimento veloce.
Il lavoro si sviluppa in tre parti: Airport Signs ritrae la zona aeroportuale di Malpensa, Suburban Streets i raccordi periferici stradali e Light on Rails gli scali ferroviari milanesi.La fotografia del giovane autore milanese, va però oltre alla mera indagine urbanistica del territorio antropizzato. Esplora il paesaggio urbano con molta esattezza, facendo uso del colore e della luce per disegnare spazio e movimento, creandone un racconto personale.

Le immagini sono fortemente caratterizzate anche dalla scelta dell'orario di ripresa, una variabile nella percezione del luogo non indifferente, capace di trasformare zone anonime in paesaggi astratti e surreali.Airport Signs rappresenta l'iconografia che caratterizza l'area delle piste aeroportuali, microcosmo fondato su un proprio linguaggio di tracciati e segnaletiche perfettamente standardizzato, rigoroso ma al contempo, oscuro al comune viaggiatore.E’ un paesaggio grafico quello che ne esce, in cui la staticità regola il movimento, con i suoi codici.In Suburban Streets l’indagine è concentrata sulle aree di raccordo perimetrali del capoluogo lombardo raccontate in orari di punta serali. La luce evoca ma non solo, disegna linee di fuga vive, segna un movimento che fuoriesce dalla staticità della foto e crea una temporalità istantanea molto forte.Light on Rails, infine, offre un ritratto delle stazioni come luoghi deserti, privati della loro essenza umana, quasi sospesi nel tempo, la cui unica traccia visibile è rappresentata dalle scie luminose, lasciate dai treni in movimento. Ed è proprio la luce a raccontare quello che non c’è, quello che non si vede: il passare quotidiano e continuo di persone.Emerge una sensibilità per il paesaggio metropolitano non solo vissuto in senso spaziale ma anche temporale, dove della presenza umana si percepiscono solo tracce,scie luminose, movimenti, ricordi.Per maggiori informazioni o immagini in alta risoluzione: info@rbfineart.itSito internet dedicato: http://contemporary.rbfineart.it/

Marco Dapino (1981), laureato in Disegno industriale e diplomato in Tecnica e Linguaggio Fotografico al cfp Bauer, da diverso tempo porta avanti numerose ricerche fotografiche sul territorio. I suoi lavori sono stati esposti alla Triennale di Milano, al Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello, al CISA Palladio di Vicenza, alla Fabbrica del Vapore di Milano ed in diverse gallerie. Premiato al Premio Pezza e al concorso Carlo Scarpa: uno sguardo contemporaneo, alcune sue opere sono entrate a far parte di collezioni e musei quali il Museo di Fotografia di Cinisello e il CISA Palladio di Vicenza. Attualmente lavora come free lance a Milano.
Link: http://contemporary.rbfineart.it/

Fonte: http://www.comunicati-stampa.net

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Amalia Di Lanno

Scatto per un Cavallo_Concorso

2012-02-12T23:27:00.001-08:00

L'Associazione Ippica Sedilese con la collaborazione del Comune di Sedilo (OR) bandisce il concorso fotografico, in due sezioni, per foto a colori o in bianco e nero, dal titolo “Scatto per un Cavallo” con l´intento raccogliere immagini di questo splendido animale, che provengono da tutto il territorio nazionale e di fotografare e valorizzare le manifestazioni organizzate dall´Associazione Ippica Sedilese nell´anno 2012.

Scadenza 30 Settembre 2012.

Regolamento e scheda di partecipazione http://www.comune.sedilo.or.it/

Informazioni:

ippicasedilese@gmail.com

ippicasedilese@groups.facebook.com

Fonte: http://www.reflexlist.com/

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Amalia Di Lanno

Andrea Frank SYSTEMS e David Rickard DISPLACEMENTS

2012-02-12T23:17:00.001-08:00

Galleria Michela Rizzo, Palazzo Palumbo Fossati di Venezia:
aperte fino al 17 marzo 2012, due mostre personali a cura di Martina Cavallarin:

Andrea Frank - Systems / David Rickard - Displacements.

Due artisti differenti per poetica, collocazione geografica, pratica linguistica, ma che indagano entrambi i sistemi di relazioni, gli accadimenti, gli effetti e un’inesorabile indagine del processo. Andrea Frank esplora il tema del crollo dell’ecosistema attraverso la lente di System Dynamics (SD, un metodo sviluppato a MIT, Instituto di Tecnologia del Massachusetts nel 1960). David Rickard, giovane artista neozelandese, lavora con vari materiali dei quali indaga il punto di collasso, lo stato di massima tensione.

Scrive Martina Cavallarin:

Andrea Frank – Systems

I sistemi dinamici di Andrea Frank riguardano lavori fondati sullo stato di crisi: la trasformazione industriale e ambientale di vaste aree del pianeta e l’aumento di induzione di CO2 che ha vertiginosamente aumentato la temperatura della terra, hanno indotto della cause concatenate devastanti ed irrimediabili. Queste riguardano il collasso dell’ecosistema, l’estinzione di alcune specie di animali tra i quali famiglie di uccelli o generi di forme vegetali. Frank esplora questo tema complesso attraverso la lente di System Dynamics (SD, un metodo sviluppato a MIT, Instituto di Tecnologia del Massachusetts nel 1960) nel tentativo di capire come questo sistema scientifico dei diagrammi dei cicli casuali può essere applicato come solida base per la ricerca artistica e la sua produzione. Nella sala centrale si trovano un’installazione a quadrato di minuscole api, un’altra di ingrandimenti di vetrini Blaschka del Museo di Storia Naturale del Harvard Museum che riproducono fedelmente gli organi riproduttivi di differenti tipi di piante e una serie di uccelli a grandezza naturale immortalati in stato di tassidermia. Tutte queste specie naturali sono compresse tra lastre di plexiglas ritagliate da Frank con un cutter laser. Successivamente vengono assemblate a parete e qui gli uccelli formano una sorta di stormo nuovamente in volo, restituito a nuova vita. Altre serie di lavori sono fotografie di aule vuote del MIT e navi commerciali della serie Ports and Ships. I luoghi di educazione secondo Frank sono rappresentazioni interrogative e simboliche dello smarrimento sociale in cui ci ritroviamo, e i giganti commerciali di molti mari, sono la personificazione di un processo di globalizzazione incessante e inarrestabile.
Gli studi condotti da Andrea Frank vanno in una direzione artistica rivolta all’ecosostenibilità come metodo per massaggiare concettualmente il muscolo atrofizzato della coscienza collettiva.

David Rickard – Displacements

Il giovane artista neozelandese David Rickard lavora con differenti materiali dei quali indaga il punto di collasso, lo stato di massima tensione, l’esasperazione ed un tentativo sempre frustrato, ma mai fallimentare, di ordinare il caos. Per questa sua seconda personale alla Galleria Michela Rizzo Rickard crea delle installazione site specific essendo il suo lavoro strettamente correlato con lo spazio e con il campo d’azione in cui si svolge la battaglia concettuale della sua pratica artistica. Dai raffinati disegni a matita e inchiostro che con tecnica maniacale raccontano il percorso di Testa, spalle ginocchia e dita dei piedi in puntini uniti in grafici in bianco e nero, lo svolgimento della mostra passa a bombole perforate da Rickard ad attestare il passaggio dalla forte fisicità originaria dell’oggetto ad una forma fantasma che di quell’utilizzo conserva solo una lontana memoria. L’opera Capacity si riferisce alle inversioni di forza che rendono impossibili delle azioni: le scaffalature e la sedia, successivamente dorati dall’artista, cedono sotto la forza di gravità impressa dal piombo, metafora della trasformazione e trasmutazione come quella del processo alchemico del cambiamento del piombo in oro mentre nel lavoro London Stock - titolo mutuato dal nome dei mattoni standard utilizzati in gran parte dell’architettura di Londra, ma anche delle borse e dei sistemi economici attualmente presenti nella maggior parte dei telegiornali – il vetro infranto dai mattoni ne testimonia la presenza anche nella loro totale assenza. Nella stanza centrale un impianto complesso di cavi di acciaio sistemati a pavimento, soffitto e pareti e posizionati con precise coordinate matematiche, si raccordano in tensione estrema al centro della stanza. In un altro spazio l’opera Everyday Antimatter è un perimetro quadrato di muro trapanato dall’artista a formare una texture simile ad un alveare il cui materiale estratto si raccoglie in una uguale porzione sistemata a pavimento; un dialogo che emerge tra solido e vuoto, formale e informale e forse anche materia e antimateria, quell’inframince di duchampiana memoria che è costituito dalla zona liminale, inclassificabile e incontrollabile. Ciascuno di questi progetti ha un solo comune denominatore che risiede nella sfida di comprendere quella zona infinitesimale in cui si passa dalla resistenza alla resa attraverso uno stress provocato ed esasperato dalla pratica ossessiva dell’arte.

ANDREA FRANK SYSTEMS21.01.2012 – 17.03.2012a cura di/curated by Martina Cavallarin
DAVID RICKARD DISPLACEMENTS21.01.2012 – 17.03.2012 a cura di/curated by Martina Cavallarin
Galleria Michela Rizzo Palazzo Palumbo FossatiSan Marco 2597, Venezia
Indirizzo/address:Palazzo Palumbo Fossati Fondamenta della Malvasia VecchiaS. Marco, 2597, 30124 Venezia, Italia[Fermata vaporetto più vicina/closest vaporetto stop: Santa Maria del Giglio] www.galleriamichelarizzo.net info@galleriamichelarizzo.net

mar-sab/Tue-Sat 10.00-13.00/15.00-18.00tel +39 041 2413006 – +39 335 5443326

Fonte: http://milanoartexpogallerie.wordpress.com

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Amalia Di Lanno

Kaarina Kaikkonen_Are We Still Going On?

2012-02-12T23:06:00.000-08:00

26 febbraio - 15 aprile 2012

Pensata per la ex fabbrica di abbigliamento Max Mara, ora sede della Collezione Maramotti, la grande installazione Are We Still Going On? di Kaarina Kaikkonen segue e accompagna la struttura compositiva dell’edificio, esempio peculiare di architettura brutalista e organicista degli anni Cinquanta. Il vecchio ingresso alla fabbrica − in cui è stata realizzata l’opera − è idealmente diviso in due aree; le catene orizzontali in cemento armato che collegano i pilastri non solo conferiscono un ritmo architettonico allo spazio, ma divengono parte del lavoro dell’artista.L’installazione si compone di due strutture simmetriche che evocano lo scheletro di una grande barca. La semplice carena è sezionata in due parti che si sviluppano dal soffitto fino a tangere il pavimento, con un medesimo ritmo compositivo semicircolare realizzato con abiti annodati tra loro. Per la scelta dei colori che delineano le due strutture complementari, gli abiti suggeriscono un dialogo simbolico tra il maschile e il femminile: chiari da un lato, dai toni più freddi dall’altro. Dal tutto emana una combinazione coloristica di armonica bellezza.Entrando nella grande sala si percepisce, al di là dalle vetrate, il verde del paesaggio esterno, ma girando lo sguardo a destra così come a sinistra si è immediatamente immersi nell’opera come se si entrasse in un territorio da esplorare, in un altro paesaggio. Aggirando l’opera lungo il suo perimetro si perde il confine preciso tra spazio esterno e interno: le profonde anse dei volumi circolari dialogano in modo diverso col paesaggio che agisce da sfondo. Gli abiti, che paiono stringersi mano nella mano, ci parlano inoltre della storia di un luogo importante di produzione, non solo di abiti, ma di idee, in cui tutti i lavoratori hanno contribuito a creare e a far crescere questa realtà come progetto collettivo. In questo senso l’icona della barca accoglie in sé questa tensione verso la scoperta e il progresso. Nelle opere di Kaikkonen gli oggetti si animano e ci parlano di storie, di persone. Ci parlano anche e soprattutto di lei. Evocano fragilità, ma anche speranza e rigenerazione. Tendono a suscitare in chi guarda una personale esperienza emotiva e, al contempo, un rispecchiamento, un’identificazione nella collettività. Le grandi installazioni rappresentano una coralità di voci in transito, in dialogo con la natura e con gli spazi sociali e sono storia di ognuno e di tutti; una storia che veicola in modo aperto un sentimento universale nel quale ognuno si può identificare e raccogliere ciò che vive più fortemente.Con l’aspetto monumentale delle sue opere − sempre legate fortemente agli elementi ambientali e architettonici in cui si inscrivono − convive un’anima legata all’impermanenza e alla fragilità dei materiali che ci riporta in qualche modo alla fragilità del genere umano.Il movimento “verso e da” qualcosa è un elemento formale ricorrente nel suo lavoro così come nei titoli e contribuisce a creare un ponte temporale tra le memorie passate e la loro tensione verso il futuro.

Durante l’installazione del lavoro, una lecture dell’artista sull’opera e sul suo lavoro in generale dal titolo Memories sarà oggetto di riflessione per un gruppo di studio di educatori e formatori italiani e stranieri. L’incontro è organizzato in collaborazione con Reggio Children.Il progetto mette in campo la collaborazione dell’Ambasciata finlandese in Italia e di quella italiana ad Helsinki con l’obiettivo di uno scambio culturale tra Italia e Finlandia.L’opera realizzata per la Collezione Maramotti è la prima tappa di un progetto che prevede la realizzazione di una seconda installazione Towards Tomorrow, concepita per la piazza del MAXXI-Museo nazionale delle arti del XXI secolo, che inaugurerà il 14 aprile 2012. Come una grande vela, l’opera si muoverà con il vento, connettendo uno dei vuoti che caratterizzano il profilo esterno del museo e rimodellando l’edificio di Zaha Hadid. Il 24 febbraio 2012, inoltre, inaugurerà la sua mostra personale Having Hope alla Galleria Z2O di Roma.Private view ad invito: 25 febbraio 2012 ore 18.00, alla presenza dell’artista26 febbraio − 15 aprile 2012

La mostra, ad ingresso libero, è visitabile negli orari di apertura della collezione permanente. Giovedì e venerdì 14.30 − 18.30 Sabato e domenica 10.30 − 18.30

Visita il sito dell'Ambasciata di Finlandia a Roma
Visita il sito del MAXXI-Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo

Fonte: http://www.collezionemaramotti.org

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Amalia Di Lanno

AGHDES BAGHIRZADE. The other side of me

2012-02-12T22:54:00.000-08:00

AGDES BAGHIRZADE - The Other Side of Me

Mostra fotografica personale

Inaugurazione sabato 25 febbraio ore 18,00

La mostra rimarrà aperta dal 22 febbraio al 11 marzo e sarà visitabile da mercoledì a domenica dalle 15 alle 19

Galleria Zamenhof, via Zamenhof 11 - Milano

dalla Nota critica di Alessandro Baito

La tipica foto di reportage viene dalla Baghirzade contaminata da una pressante esigenza estetica, che la spinge sempre alla ricerca di un referente altro; la sua è una esplicita fuga dal primo livello di percezione della realtà. Il suo occhio tende a riordinare i soggetti secondo una dinamica quasi architettonica, amante delle linee, del loro incontro, del loro dialogo, della loro danza a formare un disegno che rimanda a qualcosa di più grande, ad un edificio mistico in cui ogni cosa e ogni persona sono i singoli elementi formativi.Questo afflato religioso riconosce però il suo stesso limite, e infatti le linee che la Baghirzade preferisce sono quelle oblique, come se la foto stessa tendesse a rimandare lo spettatore oltre, quasi come se di fronte ai suoi lavori significasse trovarsi in riva al Mar Caspio, nella sua terra natale, a Baku, teso lo sguardo e l'intelletto a scrutare l'Oriente da dove viene il Sole.

Nota biograficaDopo aver completato i suoi studi economici in patria, a Baku, Agdes Baghirzade si è perfezionata fino al 2006 negli Stati Uniti come Art Manager e Fotografa.Dal 2005 comincia già a raccogliere i primi riconoscimenti, cominciando dal Primo Premio nella categoria “Nuove opportunità, nuovi orizzonti” del ‘Muslim Eldarov’ International photo contest a Baku. Nello stesso anno il Ministro per il Turismo, lo Sport e il Tempo Libero della Repubblica dell'Azerbaijan le consegna il diploma di “Miglior fotografo del 2005”.Diverse le mostre dal 2006 sia in Azerbaijan che a Londra e negli Stati Uniti (Kansas City, Università del Wisconsin, del Montana e della California). Le sue serie più conosciute sono “Jazz party” e “Salam, Azerbaijan!”.Ha partecipato a diversi Festival internazionali: in Slovenia al “Photonic Moments III”; in Russia al “Musenergo”, in Polonia a Varsavia al “Trans- Caucasus-2009”, in Ucraina al “Pokrova Photo-vernisage”, in Turchia al V festival “International Days of Photo”.Ha raccolto premi in Russia nella sezione “Paesaggi” del VIII International Photo Contest, il primo premio del concorso “HPA-2009” organizzato dall'UNESCO in Cina. Nel 2010 ha vinto la Medaglia d'Oro al V International Photo Biennale “Tashkentale-2010” in Uzbekistan.

Info: http://www.galleriazamenhof.com

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Amalia Di Lanno

Memorie sovvertite - Upside down memories

2012-02-12T01:56:00.000-08:00

Fino al 9 Aprile 2012

Memorie sovvertite - Upside down memories
di Romano Cagnoni

La personale del fotografo Romano Cagnoni al Palazzo Mediceo di Seravezza ci mostrerà una serie di gigantesche fotografie che mostrano aspetti molto mutati della Versilia dove è nato e ritornato a vivere dopo molti anni passati nella sua base di Londra dalla quale partiva per documentare conflitti internazionali per le più grandi riviste del mondo. Le gigantografie dei paesaggi Versiliesi di Cagnoni hanno lo spessore dell’arte contemporanea , fotografie che ricordano I quadri espressionisti, ma hanno uno spessore veramente fotografico, riprese in banco ottico; ricordate i fotografi di una volta i quali dovevano coprirsi la testa con un telo nero? E nemmeno è stata usata la tecnica del photoshop. Le riprese versiliesi vogliono essere un commento critico, come quando con un sorriso si fa una critica ad una persona cara. La versilia è anche una base di lavoro da dove Cagnoni è partito assieme a sua moglie Patti per riprendere i Guerrieri Ceceni nel 1995. Ritratti di guerrieri mentre combattevano contro la potente armata Russa. Ritratti realizzati in uno studio mobile con vari flash e sfondi illuminati come se fosse stato uno studio di holywood, tanté che gurdando le fotografie, molte persone non capiscono se si tratta di attori o veri guerrieri, quando, per di più ,uno dei guerrieri somiglia straordinariamente a Alain Delon. La prima volta che un fotografo monta uno studio in prima linea.Una sezione della mostra sarà dedicata al Nord Vietnam. Durante la guerra Cagnoni fu il primo fotografo non comunista as essere ammesso nel comunista Nord Vietnam. Rivedendo quelle sue fotografie scattate nel lontano 1965, con il senno di poi, Cagnoni è rimasto commosso di osservare la grande umanità, grazia e dolcezza di un popolo che subiva micidiali bombardamenti americani, che aveva subito una feroce guerra di liberazione coi francesi e l’invasione giapponese dell’ultima guerra mondiale.Romano, scampato alla strage di S. Anna di Stazzema non poteva da adulto fotografo che fotografare le guerre nel mondo, qualche volta bombardato dagli alleati come quando era bambino e nel Nord Vietnam. Le guerre fotografate da Cagnoni sono tante: Nel 1962 In Nuova Guinea Australasia la guarra di liberazione contro gli Olandesi, Vietnam nel 1965, Guerra civile del Biafra in Africa in una permaneza di sei mesi in vari viaggi dal 1967 al 70; La guerra di attrito in Egitto anni 70 e Palestina in Jordan; la Yom Kippur in Israele del 1973; poi Bangla Desh, Cambogia, Fakland in Argentina, Romania, Iugoslavia, Cecenia, Kossovo.Un lavoro piuttosto inaspettato per un fototografo italiano fu la campagna fotografica per il partito Laburista in Inghilterra, quando il P remier del partito Harold Wilson divenne primo ministro. Una notevole numero di fotografie mostrano aspetti di vita in giro per il mondo nelle quali a Cagnoni piace pensare che ci si possa vedere “L’andamento dell’esistenza”.Una personale di Cagnoni a Palazzo Braschi a Roma si intitolava “Geometria del dolore”.A Milano a Palazzo Arengario in un'altra personale. Romano scrive sul catalogo:” il titolo della mostra “Chiaroscuro” , vuole evidenziare l’essenza del mio lavoro: l’alternarsi di vicende liete e tristi. Ci ho sempre tenuto a guardare il mondo anche con un occhio divertito e divertente, quasi a voler compensare tanti anni passati a documentare il dolore. Se non piangi non ridi.

Palazzo Mediceo
28 gennaio - 9 aprile 2012
orario:dal martedì al sabato h. 15.00/19.30domenica h. 10.30/12.30 - 15.00/19.30
Biglietto: euro 5.00 intero - euro 3.00 ridotto

Luogo: Seravezza - Palazzo Mediceo

Fonte: http://www.terremedicee.it

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Amalia Di Lanno

Written on the Hays

2012-02-11T00:34:00.000-08:00

Premio Italian Factory 2010 presenta

ESTER GROSSI/GIULIO ZANET

"Written on the Hays"a cura di Chiara Canali

Inaugurazione giovedì 23 febbraio dalle ore 18.30

Roma, First Gallery24 febbraio – 24 marzo 2012

Nell’ottica di promozione dei giovani talenti italiani, First Gallery presenta la doppia personale degli artisti ESTER GROSSI e GIULIO ZANET vincitori della IV Edizione del Premio Italian Factory per la giovane pittura italiana 2010.A distanza di un anno dalla premiazione, i due giovani artisti hanno maturato assieme un progetto intitolato Written on the Hays che intende mostrare un’originale interpretazione del tema della censura nel genere del melodramma a partire dal personale confronto con la tecnica espressiva della pittura e del video.Production Code o Hays è infatti un codice adottato dal cinema americano dal 1930 al 1967 che consisteva in una serie di linee guida per determinare cosa fosse o non fosse “moralmente accettabile” nella produzione di film. Il codice fu dunque una forma di auto-regolamentazione contente una lista degli argomenti che potevano provocare i tagli dei censori locali o proibizioni del pubblico perbenista.I due artisti, a partire dalla riflessione sulla produzione del melodramma nel cinema negli anni Cinquanta, prototipo di quella moderna e punto di riferimento delle attuali soap televisive, hanno ripercorso alcune pellicole cinematografiche come nel caso di Ester Grossi Written on the Wind, film del 1956 di Douglas Sirk.L’idea che sta alla base di questa operazione artistica è quella di “rivedere” alcune scene di pellicole cult sottolineando i momenti, le sequenze, i frame nei quali i registi descrivono, comunicano, suggeriscono allo spettatore valori, stili di vita ritenuti all’epoca “indecorosi” e quindi al limite con il codice Hays. L’analisi pittorica del linguaggio cinematografico, in un contesto “falsificatorio” come quello della comunicazione di massa degli anni’50, porta inevitabilmente ad un raffronto con la rappresentazione cinematografica contemporanea, lontana dai dettami di un codice o di una morale eppure sempre animata dal dibattito sui limiti della rappresentazione nell’arte e nei mezzi audio-visivi.

La grammatica pittorica di ESTER GROSSI (nata nel 1981 ad Avezzano, AQ, vive e lavora a Bologna) si sposa con la cultura pop del cinema holliwoodiano in Tecnicolor attraverso la messa in scena di tableaux sequenziali animati dalle ampie campiture piatte e caratterizzati dall’intenso cromatismo acrilico delle tonalità complementari. Questa sua abilità coloristica è stata messa in risalto oltre che dalla vittoria nel Premio Italian Factory per la giovane pittura italiana 2010 anche nella collaborazione con il Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto A. Belli per l’illustrazione dei poster di spettacolo; inoltre ha recentemente disegnato la locandina del MIAMI 2011 e la copertina dell'album d'esordio della band pop A Classic Education.Nelle tele espressioniste di

GIULIO ZANET (nato nel 1984 a Colleretto Castelnuovo, TO, vive e lavora a Milano) si scontrano e collassano in un vivace collage visivo immagini iperrealiste ritagliate da riviste di bassa cultura ed immagini sfocate prelevate dallo zapping televisivo mettendo in cortocircuito, all’interno di piattaforme liquide e schermi sovrapposti, suggestioni e rimandi provenienti dal sottobosco più torbido ed enigmatico dell’attuale società dei consumi. L’artista ha da poco trascorso un programma di residenza di due mesi presso il centro culturale GlogauAIR a Berlino quale borsa di studio assegnata dal Premio Italian Factory per la giovane pittura italiana 2010.

via Margutta 14 Roma

+39.06.3230673

info@firstgallery.it www.firstgallery.it

da martedì a sabato ore 11 - 19

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Amalia Di Lanno

LA POESIA PRIMA DI TUTTO_Arturo Schwarz, una vita nell’arte

2012-02-11T00:17:00.000-08:00

LA POESIA PRIMA DI TUTTO
Arturo Schwarz, una vita nell’arte.
Progetto di Gigi Rigamonti
A cura di Alan Jones
artandgallery, via Arese 5, Milano
9 febbraio 2012 ore 19.00
dal 10 febbraio al 9 marzo 2011, dalle 15 alle 19, escluso lunedì

Un milanese cosmopolita che ha fatto grande Milano
Mitico gallerista e studioso di fama mondiale del Surrealismo e del Dadaismo, Arturo Schwarz ha scoperto e rilanciato un patrimonio vivente di artisti, oggi inimmaginabile - da Man Ray a Joan Mirò, da Hans Richter ad Arman e Picabia -diffondendo la fama di Marcel Duchamp e dei suoi ‘readymade’, la maggior fonte di ispirazione dell’arte e del design odierni.
Libraio e poi editore impegnato, collezionista , poeta e scrittore eclettico, viaggiatore alla ricerca delle radici della Kabbalah e dell’Alchimia, saggista e studioso delle filosofie orientali, ha contribuito con altri grandi milanesi come Gillo Dorfles e Giorgio Strehler a fare di Milano il crocevia di un’arte cosmopolita che - con Parigi, Berlino e New York -guarda all’altrove del passato e getta ponti sul futuro.
Un guerriero della cultura che ha intuito la forza dirompente di quella poesia quotidiana della materia di cui è impregnata l’arte contemporanea, e che nel 1998 è stato insignito dal Presidente della Repubblica Italiana della Medaglia d'Oro “Benemeriti della Cultura e dell'Arte".

LA MOSTRA
Un percorso multimediale e interattivo che attraverso libri, cataloghi, fotografie e video segue la cronologia della grande epoca milanese, oggi alla base della post-avanguardia.
Il materiale, consultabile mediante monitor touch-screen, segue la trama della cultura del Novecento di cui Schwarz ha tessuto, a fianco dei suoi interpreti, i numerosi fili - la politica, la psicoanalisi, la storia, la poesia, la pittura - nel loro intreccio con l’immaginario surrealista.

OLTRE LA MOSTRA
Tre serate a tema, con Arturo Schwarz
Duchamp e il Surrealismo. L’opera come febbre dell’idea.
16 febbraio dalle ore 19.30
Surrealismo, amore e politica. Scandalo della bellezza e rivolta del Nuovo Mondo.
23 febbraio dalle ore 19.30
Poesia totale e Surrealismo. Reading dell’autore.
1 marzo dalle ore 19.30

Ufficio Stampa
Carlotta Cassani carlotta.cassani@larosaitaly.com

tel.02 99044222

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Amalia Di Lanno

The Artist – L’immaginifico fascino del silenzio

2012-02-10T12:54:00.000-08:00

Uscito nelle sale italiane lo scorso dicembre, The Artist riesce ancora ad attrarre gli spettatori per quell’intramontabile e tradizionale fascino del film d’altri tempi e senza tempo.

Scritto e girato dal regista francese Michel Hazanavicius, The Artist è un film ambientato a Hollywood tra il 1927 e il 1932, privo di sonoro (ma accompagnato da musiche al pianoforte).

Realizzato in 4:3 come si faceva nella cosiddetta silent era (così chiamata dagli studiosi della settima arte, il periodo precedente l'avvento del sonoro nel cinema) The Artist riesce attraverso la gestualità, la mimica, gli sguardi e le posture stesse degli attori a esasperare la scena fino ad arrivare al limite di un accattivante parodia.

Un Film muto The Artist a cui è facile l'accezione NON moderno o, direi, NON contemporaneo. Ebbene, The Artist contrariamente riesce anche a dimostrare che la contemporaneità non vive soltanto nelle sonorità, nei colori e in un ‘dovere’, forse costante, di sorprendere ad ogni costo, ma vive in una solidità semplicemente classica e senza tempo.

Una classica contemporaneità/una contemporaneità classica questo è The Artist.

Un film che riesce a trascinarti oltre, a rompere gli schemi puntando sulla forza attoriale dei protagonisti a cui il regista affianca notissimi interpreti del calibro di John Goodman e James Cromwell così da attrarre fiduciosamente e con forza lo spettatore.

Un bel cast ma anche la dimostrazione che in un film la vera arte è Pura Interpretazione.

Bravi entrambi gli attori protagonisti, Jean Dujardin (George Valentin) e Bérénice Bejo (Peppy Miller), sullo schermo risultano molto incisivi e di grande impatto visivo. Del primo è innegabile l’evidente simpatia trasmessa dal suo volto; della seconda non possiamo che apprezzare la freschezza e spontaneità del bellissimo viso gioioso e vivace in ogni scena; entrambi ci riportano negli anni del glamour, dell’incanto dei costumi e delle acconciature disegnate sul volto, dell’eleganza tout court. Ed infine, ma non per minore importanza, mi preme citare un altro protagonista fondamentale alla buona resa cinematografica di The Artist… Un elogio, senza dubbio, va fatto al vero artista, The Artist è lui… il piccolo e simpaticissimo jack russell, Uggie, amico e spalla del protagonista … Le scene tra George Valentin e Uggie inteneriscono e, al contempo, divertono lo spettatore. Sullo schermo vere e proprie simpatiche gag alla Buster Keaton.

The Artist è un immediato teletrasporto nei ruggenti anni venti, ci si dimentica che sullo schermo si sta guardando una storia senza parole e senza colori. La nostra immaginazione prende il sopravvento, colora la scena e gli animi dei personaggi … siamo oltre il tempo e lo spazio. Quel tempo e quello spazio emozionale che una sala cinematografica riesce piacevolmente ancora a dare quando i film diventano magia.

di Amalia Di Lanno

In tutte le librerie Feltrinelli e su feltrinelli.it : "La grafica e i multipli dell' Arte Povera" di Vittorio Peruzzi -

2012-02-10T07:23:00.000-08:00

L'unico catalogo esistente sulle opere seriali dell' Arte Povera

www.collezioneperuzzi.it

NOZZE DI ALESSIO PULIANI - GIOVANE SCRITTORE - ALLA MOGLIE UN INSOLITO MAZZOLINO: IL SUO LIBRO "50 MILES" ED. MEDEA

2012-02-10T07:15:00.000-08:00

Alessio Puliani è nato a Tivoli nel 1972 e dal 2009 vive tra gli Stati Uniti e l’Italia. Ex imprenditore nel settore delle compravendite immobiliari, dal 2010 si dedica alla scrittura e alla letteratura e per una parte dell’anno risiede nel Maine da dove trae l’ispirazione. E’ sposato, e ha due bambini. Il matrimonio avvenuto in una Roma innevata lo vede sorridente accanto alla bella moglie, Rita Grippo. Per mazzolino? Niente di meglio che il libro del neo-marito,
" 50 MILES" ED. MEDEA. Doppi Auguri a questa splendida coppia!

Alessio Puliani - 50 Miles – Medea
“Mi chiamo Jason Hawk, amo l’odore del deserto, il vento fresco sul viso, il rumore del silenzio, il desiderio di libertà. Mi sono trasferito negli USA dove ho acquistato una piccola casa, ho tre cavalli e un amico su cui contare. Una notte accade qualcosa che cambierà la mia vita: sarò tradito, catturato in un complotto ordito alle mie spalle, che coinvolgerà la donna che amo: Jennifer. Sono pronto, e voi?”

Press-office Daniela Lombardi
3394590927-057432853
http://www.danielalombardi.com/

PHOTOSHOW 2012

2012-02-10T05:06:00.001-08:00

PHOTOSHOW 2012
“80.000 mega people”
A Roma dal 30 marzo al 2 aprile il principale appuntamento fieristico in Italia dedicato alla Fotografia e all’immagine Digitale.

Photoshow si prepara a consolidare il ruolo di primo piano per il mondo dell’Imaging. Confermata la presenza dei più importanti marchi internazionali. Attenzione rivolta alle ultime novità tecnologiche e al grande pubblico.

Milano, 12 gennaio 2012 – La 13a edizione di Photoshow - la rassegna annuale promossa da AIF (Associazione Italiana Foto-Digital Imaging) - si prepara a tornare a Roma per aggiornare operatori e appassionati sulle ultime novità nel campo della Fotografia.
Presso i padiglioni 11 e 13 della Fiera di Roma i visitatori avranno a disposizione la più grande vetrina di prodotti presentati dai maggiori player del comparto, ma anche un calendario denso di appuntamenti, tra workshop, laboratori, seminari, live-set, mostre, contest, premi e occasioni di svago.
Nonostante la congiuntura economica e il perpetrarsi delle difficoltà economiche su scala internazionale, i numeri della scorsa edizione milanese (65.000 visitatori, +2% rispetto alla precedente edizione milanese del 2009) ben fotografano il gradimento del pubblico di operatori e visitatori, che ritengono Photoshow un’occasione imprescindibile di incontro e confronto.
La storica alternanza di sede tra Milano e Roma è in questo senso positiva, in quanto consente ai visitatori provenienti da diverse aree geografiche di essere presenti a questo appuntamento.
In un settore in cui la tecnologia dedicata alla creazione e alla condivisione delle immagini è sempre più raffinata e alla portata di tutti, i dati confermano che la passione per la fotografia è in crescita. Nei primi nove mesi del 2011 il mercato della fotografia digitale ha registrato un fatturato di circa 330 milioni di euro, con un aumento del 6,2% rispetto allo stesso periodo del 2010. Sono state vendute 2.351.356 fotocamere, tra cui quelle a ottica intercambiabile sono aumentate del 26,8% (fonte AIF).
L’immagine che caratterizza Photoshow 2012 sintetizza il concept della manifestazione e ne riassume in un solo “flash” le peculiarità: il nuovo visual è infatti una macchina fotografica di pixel in 3D, realizzata con le foto inviate dai fan della Fiera. Tridimensionalità e condivisione sono messe in rilievo come caratteristiche della fotografia moderna, non più statica e solitaria, ma dinamica e coinvolgente, terreno di incontro e di scambio grazie al web e ai social network.
http://www.photoshow.it/

Anche l’headline “80.000” megapeople” gioca con i termini tecnici, trasformandoli: i mega pixel diventano persone, i partecipanti alla Fiera, vero cuore pulsante di una manifestazione in continua crescita che auspica 80.000 visitatori per questa edizione.
Photoshow si svolgerà per la seconda volta in concomitanza con FrameArt Expo - European Fine Arte & Frame Exhibition (http://www.frameartexpo.com/), l’esposizione dedicata al mercato delle cornici e delle attrezzature per l’arte grafica, settore complementare e sinergico alla fotografia, che lo scorso anno a Milano ha contribuito alla riuscita di Photoshow favorendo l’afflusso di nuovi operatori professionali.
Da segnalare la possibilità di preregistrazione sul sito www.photoshow.it, che permette
a tutti di partecipare alla Fiera al costo di 1 Euro.

PHOTOSHOW 2012
30 marzo-2 aprile 2012
FIERA DI ROMA
Via Portuense 1645/1647 - Roma
Padiglioni 11-13 - Ingresso Porta Sud
Orari di apertura: venerdì/sabato/domenica 10:00-19:00; lunedì 10:00-16:00
Prezzo d’ingresso: Preregistrati €1,00 - Intero € 8,00
http://www.photoshow.it/
http://www.facebook.com/photoshowitalia

Ufficio Stampa:
Cristina Comelli
ufficiostampa@publifiere.it
C +39 348 5150210

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Amalia Di Lanno

Tranifilmfestival 2012_Bando&Concorso

2012-02-10T04:52:00.000-08:00

Tranifilmfestival 2012
parte il concorso con la pubblicazione del bando
XIII edizione - Iscrizione gratuita

Evento promosso dall'Associazione Culturale Nirvana
fino al 27 luglio 2012

TRANI (Bt)

Si mette ufficialmente in moto la macchina organizzativa del Tranifilmfestival 2012. Giunto alla tredicesima edizione, l’evento cinematografico promosso ed organizzato dall’associazione culturale Nirvana offre una vetrina importante ai talenti della macchina da presa, attraverso un concorso riservato alle produzioni indipendenti che ormai rappresenta un punto di riferimento a livello internazionale. Le sezioni in concorso saranno “Clipping”, “Short Size”, “Medium Size”, “Long Size” e “Opera Prima”.
Previste, inoltre, le due sezioni fuori concorso “Showcase” e “Doc Exposure”, la prima per prodotti di fiction la seconda per documentari o film-documentario. Tornano gli appuntamenti proverbiali come “Ardeo”, una mostra del videoarte indipendente.
“Al festival del cinema di Trani c’è spazio per tutti”, spiega il direttore artistico Beppe Sbrocchi. “Abbiamo creato un contenitore apposito per ogni tipologia di film senza trascurare anche i prodotti audiovisivi più estremi. Anche quest’anno ci aspettiamo una grandissima partecipazione dall’estero: qualche opera ci è arrivata a neanche 72 ore dalla pubblicazione del bando sul nostro sito internet. Questo naturalmente ci fa grande piacere, significa che c’è attesa per questo appuntamento che negli anni è riuscito a ritagliarsi una nicchia importante”.Sulla prossima edizione del festival le carte sono ancora coperte. “Come sempre in questi 13 anni cercheremo di apportare qualche elemento di novità”, aggiunge Sbrocchi, “probabilmente anche nelle location. Resta l’obiettivo di istituire una settimana festivaliera: ci stiamo lavorando, lo scorso anno abbiamo fatto un’importante sperimentazione, quest’anno continueremo su quella strada, sperando di raggiungere l’obiettivo più in fretta possibile”.
Tornado al concorso, l’iscrizione è gratuita. A giudicare le opere saranno dei professionisti del settore.

La scadenza per l’invio delle opere è il 27 luglio 2012. Per il bando completo e qualsiasi ulteriore informazione è possibile visitare il rinnovato sito internet della kermesse, www.tranifilmfestival.it

Fonte: http://www.sagreinpuglia.it

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Amalia Di Lanno

ANITA DUBE in mostra a Bologna

2012-02-10T01:33:00.000-08:00

ANITA DUBE
Dal Friday 27 January 2012 al Friday 16 March 2012

La Galleria Marabini ha il piacere di annunciare la prima personale in Italia dellʼartista indiana Anita Dube.

Anita Dube crea i suoi lavori attraverso un linguaggio concettuale che valorizza opere prevalentemente scultoree incentrate su tematiche quali la memoria sociale e personale, la storia, la mitologia e le esperienze fenomenologiche. La Dube è giunta alla pratica scultorea attraverso il suo coinvolgimento con lʼAssociazione dei Pittori e Scultori Radicali Indiani, un gruppo formatosi negli anni Ottanta a Baroda il cui stile caratterizzato da unaforte consapevolezza di critica politica e sociale contrastava con il genere più narrativo della scuola tradizionale. Questa sorta di provocazione al contesto culturale e la tematica socio-politica rimarranno delle costanti nel lavoro della Dube spesso concentrato sullʼansia del genere umano nei confronti dei processi di perdita e rigenerazione sia personali sia della società. Anita utilizza spesso nei suoi lavori una grande varietà di oggetti tratti dal settore dellʼindustria (gommapiuma,plastica, cavi), della manifattura (velluto, fili, perle), biologici (denti ed ossa) e readymade (famosissimi gli occhi diceramica tipici delle statue Hindu). Spesso contrappone materiali organici ed inorganici con oggetti fatti a mano edartigianali per creare un senso di contrasto tra familiare ed estraneo, invitante ed inquietante. Ad esempio nelleopere esposte in questa mostra riprende più volte il concetto di “pelle” ricoprendo e rivestendo oggetti come radicidi alberi su cui è applicato un rivestimento di velluto scuro come Void ( Coitus), 2008. Con stoffe e ricami riprendequelli che sono stati per secoli i gesti ed i mestieri domestici tradizionalmente assegnati alla donna. Alla donna è dedicata anche la candela Woman, 2007 di grandi dimensioni che compone le lettere della parola “woman” che dà alla figura femminile un senso di sacralità e la rende quasi un concetto universale.

In altri lavori come Chanche Piece A-B, 2008 lʼartista utilizza un tessuto zebrato che ricopre unʼipotetica tela ecornice di legno in cui sono intagliate frasi e parole illuminate a loro volta dal retro. Lʼutilizzo della parola èfondamentale nel lavoro della Dube che per la mostra alla Galleria Marabini riprende inoltre nelle sue opere dellecitazioni di Pasolini rendendo omaggio allʼItalia.

Di incredibile impatto infine il lavoro Ah (a Sigh), 2008 in cui da una fotografia in bianco e nero stampata su unalarga tela fuoriescono rami rivestiti in velluto come prolungamenti delle mani delle persone raffigurate affamate dicibo e speranze. La forza e la durezza dei contenuti delle opere vengono stemperate e rese meno aggressive da una purezzaformale ed estetica che fanno di ogni opera un pezzo di estrema eleganza e di raffinata bellezza.Anita Dube è nata a Lucknow (India) nel 1969, Vive e lavora a New Delhi. Inizia la sua carriera come critica dʼarte per poi dedicarsi sempre più alla professione dʼartista.Artista internazionale ha avuto mostre personali a New York, in India e a Parigi: ”Illegal” , Nature Morte, New Delhi and Bose Pacia, New York (2005), “Phantomos of Liberty” Gallerie Almine Rech, Parigi (2007). Tra le partecipazioni collettive piùimportanti:"Seventh Havana Biennial"- Havana, Cuba (2000), “Resonance: Anita Dube and Subodh Gupta”, Vancouver Internetional Center for Contemporary Asian Art, Vancouver (2004), “Urban Manners: 15 Contemporary Artists from India”,Hangar Bicocca, Milano (2007), Parigi-Delhi-Bombay”, Cente Pompidou, Parigi (2011).

Bologna Vicolo della Neve 5

Dal 28 Gennaio al 16 Marzo 2012

Galleria Marabini Vicolo della Neve 5

Bologna 40123

Tel +39 051 6447482 info@galleriamarabini.it http://www.galleriamarabini.it/

Fonte: http://www.teknemedia.net/

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Amalia Di Lanno

Transforming Minds: Buddhism in Art

2012-02-10T01:21:00.000-08:00

10 February 2012 - 20 May 2012

Hong Kong Centre

Transforming Minds: Buddhism in Art showcases Buddhist works from the world-renowned Mr. and Mrs. John D. Rockefeller 3rd Collection of Asian Art along with contemporary works by leading Asian and Asian American artists that draw inspiration from one of the world’s great religions. The exhibition, which will be on view for over three months, will inaugurate the new Asia Society Gallery (Former Magazine A), at the newly restored 19th century Explosives Magazine site.

Transforming Minds presents sublimely beautiful and deeply spiritual works of art, encompassing traditional and contemporary masterpieces from a mix of Asian cultures. The show asks the diverse local and international audiences visiting new Asia Society Gallery (Former Magazine A) at The Hong Kong Jockey 妥Club Former Explosives Magazine to consider the ways in which Buddhist art has changed over time and space. Although originating in India, Buddhism traveled across Asia and was transformed by local cultures. In recent times, a combination of individualism and an interest in Buddhist beliefs has had an impact on the artistic production of contemporary artists such as Montien Boonma, Zhang Huan, Mariko Mori and Michael Joo. Each of these four artists has a different approach to the theme of Buddhism, from conceptual and scientific to ritualistic and communal. Their works provide the audience with an opportunity to question preconceived ideas about Buddhism and to reconsider religious art and the artistic exploration of religion in contemporary contexts.

This exhibition is a rare opportunity to see examples of cultural adaptations and collective responses to Buddhism in pre-modern times, as well as individualized responses to Buddhism in contemporary artistic practice—a fitting subject as the shared futures of Asia and the United States continue to evolve.

Dr. Melissa Chiu is Asia Society's Vice President, Global Art Programs and Museum Director and is the Lead Curator of Transforming Minds: Buddhism in Art. Dr. Adriana Proser, John H. Foster Curator of Traditional Asian Art, Asia Society Museum, New York, and Dr. Miwako Tezuka, Associate Curator of Contemporary Art, Asia Society Museum, New York are co-curators of the exhibition.

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Transforming Minds: Buddhism in Art, in mostra opere del famoso Mr. and Mrs. John D. Rockefeller Collection 3 di Arte Asiatica insieme ad opere contemporanee di grandi artisti americani e asiatici, che traggono ispirazione da una delle grandi religioni del mondo. La mostra, che sarà in mostra per oltre tre mesi, inaugurerà la nuova Asia Society Gallery (Magazine Ex A), al XIX secolo recentemente restaurato Magazine sito esplosivi.Trasformare Minds presenta opere sublime belle e profondamente spirituale di arte, che comprende capolavori tradizionali e contemporanei da un mix di culture asiatiche. Lo spettacolo invita il pubblico diversi locali e internazionali in visita a New Asia Society Gallery (Magazine ex A) presso l'Hong Kong Jockey Club Magazine 妥 ex esplosivi a considerare i modi in cui l'arte buddhista è cambiato nel tempo e nello spazio. Anche se originario dell'India, il Buddismo viaggiato in tutta l'Asia ed è stato trasformato da culture locali. In tempi recenti, una combinazione di individualismo e l'interesse per le credenze buddhiste ha avuto un impatto sulla produzione artistica di artisti contemporanei come Montien Boonma, Zhang Huan, Mariko Mori e Michael Joo. Ciascuno di questi quattro artisti ha un approccio diverso al tema del buddismo, dal concettuale e scientifica rituale e comunitaria. Le loro opere offrono al pubblico l'opportunità di mettere in discussione idee preconcette sul buddismo e di riconsiderare l'arte religiosa e l'esplorazione artistica della religione in contesti contemporanei.Questa mostra è una rara opportunità di vedere alcuni esempi di adattamenti culturali e le risposte collettive al buddismo in epoca pre-moderna, così come le risposte individualizzate al buddismo artistica contemporanea in pratica un soggetto montaggio come il futuro condivisi di Asia e Stati Uniti continuano a si evolvono.

Dr. Melissa Chiu è Vice Presidente Asia Society, i programmi d'arte globale e Direttore del Museo ed è il curatore di trasformare il piombo Minds: buddismo di cui all'art. Dr. Adriana Proser, John H. Foster Curatore di arte tradizionale asiatico, Asia Society Museum, New York, e il dottor Miwako Tezuka, Curatore Associato di Arte Contemporanea, Asia Society Museum, New York sono co-curatori della mostra.

Fonte: http://asiasociety.org

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Amalia Di Lanno

Da Hopper a Warhol a San Marino

2012-02-10T00:55:00.000-08:00

La pittura americana del XX secolo a San Marino

Dal 21 gennaio al 3 giugno 2012 a San Marino la grande mostra sulla pittura americana del XX secolo.

Hopper, Benton, de Kooning, Wyeth sono solo alcuni dei nomi di grandi artisti le cui opere saranno esposte nelle sale di Palazzo SUMS.

Il progetto della mostra è quello di costruire un percorso nell'arte americana contemporanea attraverso 25 dipinti provenienti dai più prestigiosi musei statunitensi: il Museum of Fine Arts di Boston, il Wadsworth Atheneum di Hartford, la Terra Foundation for American Art di Chicago, la Broad Art Foundation di Santa Monica e l'Adelson Gallery di New York. Il viaggio si apre con una sezione dedicata al realismo di Edward Hopper e Thomas Hart Benton fino all'esperienza di Giorgia O'Keeffe. La seconda sezione è dedicata alla grande astrazione americana e raccoglie le opere di Jackson Pollock, Franz Kline, Willem de Kooning, Arsile Gorky, Mark Rothko, Sam Francis e Morris Louis. La mostra dedica particolare attenzione ai due maggiori esponenti della Pop Art, Roy Lichtenstein ed Andy Warhol, di cui compare una celebre versione di Jacqueline Kennedy del 1964. L'ultima sezione della mostra è dedicata ad Andrew Wyeth e Keith Haring, due tra i maggiori esponenti dell'arte americana del Novecento. "Da Hopper a Warhol" è una mostra organizzata da Linea d'Ombra, in contemporanea con la mostra riminese di Castel Sismondo "Da Vermeer a Kandinsky. Capolavori dai Musei del mondo a Rimini".

La mostra è visitabile a Palazzo SUMS (via G. B. Blluzzi 1, San Marino) nei seguenti orari:-

Da lunedì a venerdì dalle 10.00 alle 18.00- Sabato e domenica dalle 10.00 alle 19.00

Biglietti- Intero: € 5,00- Ridotto: € 3,00 (scuole e gruppi già prenotati per la mostra di Rimini "Da Vermeer a Kandinsky" che si svolge in contemporanea a Castel Sismondo)

Gratis: bambini fino a 5 anni, giornalisti col tesserino, accompagnatore di portatore di handicap

Per informazioni contattate il call center di Linea d'Ombra: Tel. +39 0422 429999Fax +39 0422 308272

biglietto@lineadombra.it

Per maggiori info visita anche :
http://www.lineadombra.it

Fonte: http://www.sanmarinosite.com/

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Amalia Di Lanno

Costruire di Qualità_Tra opportunità e criticità

2012-02-10T00:37:00.001-08:00

Venerdì 10 febbraio 2012 alle ore 16.00 a Lecce, presso la Sala D’Enghien del Castello Carlo V, l’ANCE di Lecce presenta il primo intervento di edilizia residenziale di iniziativa privata realizzato secondo il Protocollo ITACA Puglia.

L’intervento “case a ballatoio”, progettato dal gruppoforesta studio di architettura (architetti: Alfredo Foresta, Ester Annunziata, Tiziana Panareo, ingegneri Michele Martina, Attilio Faggiano e P.i. Francesco Imbò) verrà premiato come primo edificio realizzato a Lecce seguendo le norme per l’abitale sostenibile e come primo edificio che ha usufruito dell’incentivo di aumento della cubatura del 10%.

Alle ore 20.00, nella stessa sala, sarà aperta la mostra fotografica “ case a ballatoio 10+1 ” di Roberto Galasso (fotografo presso la Direzione generale per il paesaggio, le belle arti, l’architettura e l’arte contemporanea del Ministro per i beni e le attività culturali), il quale sostiene l’idea della simbiosi tra fotografia e architettura.

Fonte: http://occhisullacultura.wordpress.com

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Amalia Di Lanno

INCANTATION

2012-02-09T23:16:00.000-08:00

ResExtensa Teatri Abitati

per la Stagione ConFine Corpo 2012

presentano

INCANTATION

NUOVA PRODUZIONE

Teatro Traetta Teatri Abitati Coproduzione Martinů Performing Arts Project

In INCANTATION, ResExtensa esplora il profondo potere evocativo della musica del grande compositore Bohuslav Martinů, musicista poco conosciuto ma di eccelso valore. Un viaggio attraverso stati ed emozioni. Una serie di quadri che partono dalla musica. Il riverbero che essa crea nel corpo, nei piani emotivi e intellettuali determina la qualità del lavoro, il colore del movimento, il sapore della luce. Una ricerca su come il suono possa diventare corpo e luce, il movimento e la visione possano risuonare nella musica di Bohuslav Martinů, che evoca mondi e vibrazioni, antichi misteri e moderne interpretazioni.

Ideazione e Direzione: ResExtensa: Elisa Barucchieri, Franz Catacchio, Anna Moscatelli con Elisa Barucchieri, Anna Moscatelli, Claudia Cavalli, Vito Cassano, Nicola Eboli Luci

Scene Franz Catacchio

Progetto musicale Davide Saccosabato

11 febbraio ore 21:00

domenica 12 febbraio ore 18:00

Info e prenotazioni:Botteghino Teatro Traetta : 080.3742636

ResExtensa : +39.3934128363

prenotazioni@resextensa.it

Info costi spettacoli:biglietto intero €10 ridotto €7 riduzioni

per prenotazioni on line e di gruppo opzione “stasera pago io” : bambino più genitore o nonno pagano €14Con il sostegno di Attività Teatri Abitati, una rete del contemporaneo, finanziato dal FESR (Fondo Europeo di Sviluppo Regionale) Asse IV azione 4.3.2. ResExtensa, compagnia di danza riconosciuta dal MIBAC e dalla Regione Puglia, capofila di ConFineCorpo, progetto di residenza teatrale presso il Teatro Traetta di BitontoExplorer Progetto Polartis - Vincitore Principi Attivi 2010 - Giovani idee per una Puglia migliore

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Amalia Di Lanno

Anni Leppälä

2012-02-09T14:51:00.000-08:00

In mostra da Photology fino al 5 aprile 2012 il nuovo lavoro fotografico dell'artista finlandese Anni Leppälä, realizzato in Sicilia nel corso di una residenza d'artista promossa dalla galleria.

Il paesaggio mediterraneo ritratto in stile nordico e visionario è al centro di She Resembles, la personale di Anni Leppälä allestita negli spazi di Photology.

La giovane e talentuosa artista finlandese realizza scatti misteriosi e ambigui, con figure femminili dal viso coperto e interni silenziosi, quasi in rovina.

Per informazioni

Tel. (+39) 02 6595285

Email: shows@photology.com

Photology, via della Moscova 25, 20121 Milano

Da Lunedì a Venerdì - Ore 11.00 - 19.00

Segnala:
Amalia Di Lanno

“Sandro Cabrini. Archetipi del sogno”

2012-02-09T03:02:00.000-08:00

Nel Lu.C.C.A. Lounge e Underground la pacifica invasione
delle figure-simbolo dell’artista milanese
4 febbraio / 18 marzo 2012

Riportare l’individuo al centro dell’esistenza attraverso l’uso ripetuto di una figura-archetipo inserita in contesti spazio-temporali areali. È questo che l’artista milanese Sandro Cabrini propone nelle sue opere che dal 4 febbraio al 18 marzo 2012 sono in esposizione nel Lu.C.C.A. Lounge e Underground, in una personale curata da Maurizio Vanni.

Ventisei lavori, tra cui i collage “total white” che utilizzano come supporto la carta cotone indiana e le sculture in ferro e legno, per far riprendere coscienza all’uomo della sua identità e della sua libertà di scelta. Un sogno ad occhi aperti che può tornare a diventare realtà se solo decidessimo di rimetterci in gioco completamente. “I contesti delle opere di Cabrini – scrive il curatore Maurizio Vanni – sono sempre privi di riferimenti spazio-temporali, scollegati da contesti precisi e ogni persona può caratterizzarli e completarli attraverso un’interazione cerebrale. Le istallazioni sono vere e proprie occupazioni di spazi, contaminazioni architettoniche che corrispondono alla precisa volontà di stimolare le persone a riappropriarsi del proprio libero arbitrio tornando ad essere artefici del proprio destino, consapevoli che i lucidi sogni, se supportati dalla determinazione di colui che li esprime, possono essere rincorsi e afferrati”.

Le sue figure-archetipo, che tanto assomigliano a quelle stilizzate dai bambini, sono al centro del suo racconto, protagoniste indiscusse del palinsesto in cui sono inserite per ricordarci qual è il nostro percorso di vita. “Sandro Cabrini – prosegue Vanni – ha un rapporto ironico-esistenziale con l’arte, è consapevole del significato del non sense della vita intesa come semplice sopravvivenza, ma è convinto che la superficialità, il pressappochismo, l’illogicità e le diverse incongruenze possano essere mutate in poesia artistica. Ne consegue una favola per grandi redatta con lo spirito, l’intraprendenza, l’inconsapevole lungimiranza e la genuinità di quel bambino che potrebbe offrire una vera e propria lezione di vita all’adulto che ha deciso di accontentarsi, di ritirarsi dalla gara della vita”.

Tutti questi temi saranno poi approfonditi insieme all’artista e al curatore venerdì 24 febbraio 2012, alle ore 18, in un talk show sugli Archetipi del Sogno che si terrà nella hall del Lu.C.C.A. Dal 20 febbraio fino alla chiusura della mostra, Cabrini terrà anche un workshop a Lucca nella Scuola Primaria “Giovanni Pascoli”, che coinvolgerà 250 allievi sul tema delle identità.

Note biografiche
Architetto e graphic designer per clienti internazionali, Sandro Cabrini (Milano, 1948) coniuga da sempre l’attività pittorica con esperienze professionali nel settore della comunicazione, investigando le diverse forme di espressione simbolica. Incontra giovanissimo le opere di Klee, Kandinsky, Matisse, Mondrian e Picasso, dai quali apprende la passione per i colori forti, primari, che ripropone nei suoi soggetti astratti e figurati. Dagli anni Ottanta, ha esposto le sue opere a Milano, Orvieto, Torino, Ginevra, New York, Chicago, Houston, Miami e San Pietroburgo. Oggi, i bordi di carta bianca strappati, così come la materia arrugginita delle vecchie travi e putrelle, rappresentano un nuovo mezzo espressivo per le sue figure-prototipo: in equilibrio su un piede solo, instabili eppure sempre in movimento, alla conquista di affermazione e crescita personali.

SANDRO CABRINI. ARCHETIPI DEL SOGNO
A CURA DI MAURIZIO VANNI
dal 4 febbraio al 18 marzo 2012
Lu.C.C.A. Lounge e Underground

Orario mostra:
dal martedì alla domenica 10 – 19
lunedì chiuso
Ingresso libero

Per info:
Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art
Via della Fratta, 36 – 55100 Lucca tel. +39 0583 571712 Fax +39 0583 950499
http://www.luccamuseum.com/ info@luccamuseum.com

Addetta Stampa Lu.C.C.A.
Michela Cicchinè 0583.492180 / 339.2006519 m.cicchine@luccamuseum.com

Addetta Stampa dell’artista
Claudia Ceroni 347.4641674 cceroni@gmail.com http://www.sandrocabrini.com/

Paolo e Paola Staccioli alla Galleria Arianna Sartori di Mantova

2012-02-09T02:48:00.000-08:00

Paolo Staccioli

Paola Staccioli

Galleria "Arianna Sartori"
Indirizzo: Mantova - via Cappello, 17 - tel. 0376.324260
Titolo della mostra: Paolo e Paola Staccioli
Date: dall’ 11 al 23 febbraio 2012
Inaugurazione: Sabato 11 febbraio, ore 17.00. Saranno presenti gli artisti
Orario di apertura: 10.00-12.30 / 16.00-19.30. Chiuso festivi

Una nuova mostra a Mantova dello scultore ceramista Paolo Staccioli, questa volta insieme alla figlia Paola, alla Galleria “Arinna Sartori - Arte” nella Sala di Via Cappello 17, si inaugurerà alla presenza degli artisti, Sabato 11 febbraio alle ore 17.00 e resterà aperta al pubblico fino al prossimo 23 febbraio.

Paolo Staccioli: una nota biografica
Nato a Scandicci nel 1943, Paolo Staccioli inizia la sua esperienza di artista negli anni Settanta del Novecento, esordendo come pittore e facendosi presto notare in ambito locale. Al principio degli anni Novanta la necessità di sperimentare nuovi linguaggi espressivi lo spinge a Faenza, nella bottega di un ceramista locale, Umberto Santandrea, dove apprende le tecniche di quest’arte. È qui che Staccioli realizza i suoi primi vasi, dapprima con la tecnica della ceramica invetriata, poi sperimentando la cottura a “riduzione”, che gli consente di ottenere straordinari effetti di iridescenza e lucentezza.
Ottenuta assoluta padronanza del mestiere, Staccioli allestisce nel suo studio di Scandicci, nei pressi di Firenze, un laboratorio dove continua autonomamente e quotidianamente a misurarsi con l’uso del fuoco e degli ossidi di rame, dando vita a una miriade di vasi che riveste con fantastici racconti pittorici, fissati definitivamente dalla smaltatura a lustro. È con queste opere che ottiene i primi successi, facendosi notare in mostre personali e collettive, nonché in occasione di importanti manifestazioni culturali: le sue ceramiche, dal forte effetto metallizzato e dallo smalto scintillante si impongono presto, per eleganza e originalità, nel panorama artistico non più solamente fiorentino, ma nazionale.
I personaggi che in questa fase popolano la superficie delle sue ceramiche (giostre di cavalli giocattolo sospesi nell’aria e accompagnati da putti alati, suonatori di trombe, bambole e Pulcinella) presto si guadagnano la terza dimensione, divenendo sculture che tuttavia non perdono l’accento di accadimento fiabesco, estranee come sono ad ogni nozione di tempo e luogo: forme idealizzate memori della statuaria preromana, etrusca in particolare, sulle quali interviene la policromia della ceramica, a rendere
un vigoroso effetto di masse in contrasto. Guerrieri, viaggiatori, cardinali e cavalli si aggiungono ben presto alla folla già nutrita dei fantastici personaggi ed iniziano, dalla seconda metà degli anni Novanta, ad animare importanti collezioni pubbliche e private, italiane ed estere. Nei primi anni del Duemila, nella volontà di sperimentare nuovi materiali e, con questi, altre dimensioni espressive, Staccioli inizia a trasferire – senza comunque mai abbandonare l’amore per la lavorazione delle terre – le sue forme nel più duraturo bronzo, passando dalle ricerche con gli ossidi di rame a quelle con le patine metalliche. È in questa più recente fase che le sue figure acquistano una monumentalità prima ignota, che ancor più tende a fissare in una dimensione al di fuori del tempo i suoi cavalli e i suoi guerrieri.
Molti i riconoscimenti tributati all’artista, in particolare nell’ultimo decennio, da pubblico e critica, e molte le partecipazioni a premi ed esposizioni che hanno consentito a Paolo Staccioli di conquistare un
posto di assoluto prestigio nell’attuale panorama artistico. Tra queste ultime ricordiamo la mostra Le gioiose ceramiche di Paolo Staccioli, organizzata da Ornella Casazza al Museo delle Porcellane di Palazzo Pitti di Firenze (29 ottobre 2005 – 25 giugno 2006), e l’esposizione personale
I segni della Terra, inaugurata al Museo Archeologico di Fiesole il 2 giugno 2007.
Nell’aprile del 2006 una sua opera è stata scelta come dono ufficiale della Regione Toscana al Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi; alla fine dello stesso anno, nel novembre, un’altra opera è stata acquisita nella collezione permanente del Museo Internazionale delle Ceramiche di Faenza. E ancora: nella primavera del 2008, su invito del direttore dell’International Ceramic Art Museum di Fuping, l’artista si è recato in Cina per avviare una collaborazione con questa istituzione,
realizzando sul posto opere che sono entrate a far parte della collezione permanente del museo. Altre creazioni ceramiche sono state selezionate come premio di riconoscimento alla carriera di due illustri protagonisti del Festival Estate Fiesolana: il regista statunitense Spike Lee e l’attore Dario Fo. Il 4 giugno 2008 si è aperta al pubblico una sua mostra personale all’Istituto Italiano di Cultura di New York e, contestualmente all’evento, due guerrieri in bronzo sono stati scelti dal magnate e collezionista
americano Jack Larsen per il suo parco di sculture, la Riserva di Longhouse, ad East Hampton. Nell’ottobre del 2008, in occasione del ventennale della Scuola Superiore di Sant’Anna di Pisa, una sua opera è stata donata al Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano. Tra le esperienze più recenti sono da annoverare la partecipazione alla mostra Memorie dell’Antico nell’arte del Novecento tenutasi nel 2009 al Museo degli Argenti di Palazzo Pitti di Firenze e le esposizioni personali a Washington presso l’Ambasciata Italiana (aprile 2009), a Parigi presso la Galleria Selective Art (settembre 2009), a New York presso lo Spazio 522 e alla Kens’ Art Gallery di Firenze (entrambe nella primavera del 2010). Nel settembre 2010 una sua personale si è tenuta a Pomarance, dove un guerriero in bronzo è stato collocato davanti al palazzo comunale.
Il 2011 si è aperto con due mostre, Vagare nel mito, presso la Sala delle Colonne del Comune di Pontassieve (nel mese di gennaio) e Paolo Staccioli. Opere / Sculptures 1991-2011 al Museo Horne di Firenze (da marzo a maggio) mentre durante l’estate suoi bronzi sono stati esposti a Pietrasanta, in piazza del Duomo (lato campanile) e presso la Galleria Paoli.

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“Paola Staccioli si distingue per lo stile personale e intuitivo grazie al quale si svincola dalla priorità della funzione degli oggetti, trasformandoli in opere d’arte: crea pezzi unici, modellando le forme per adattarle ai soggetti, che spaziano dall’astratto (cerchi e linee che emergono dal fondo) al figurativo (fiori, animali e persone tratti dal nostro quotidiano). Ne sono esempio le teiere atteggiate in movenze umane che talvolta si trasformano in eleganti signore. Questo gusto per il fantastico è trasferito anche su altri elementi del quotidiano, di norma non pertinenti alla ceramica, come le sottili tovaglie che trattengono la forma di un invisibile piano sottostante o i interi tavolini da tè, completamente realizzati in argilla. I disegni si aprono sulla superficie di queste forme libere, talvolta conquistando le tre dimensioni grazie a aggettanti plasticismi, e attraggono per l’uso deciso e delicato dei colori, su cui scintilla il lustro”.

Paola Staccioli nasce a Firenze nel 1972. Negli anni dell’università si avvicina alle arti decorative frequentando corsi di arti applicate (batik e vetro). Dopo la laurea, conseguita nel 1999 in Lingue e letterature straniere presso la Facoltà di Lettere e Filosofia di Firenze, continua a praticare le sue passioni in parallelo al lavoro di insegnamento della lingua inglese. E’ nel 2001 che il padre Paolo, raffinato artista della ceramica, la introduce a questa tecnica portandola a collaborare al suo laboratorio: l’attrazione per la ceramica è immediata ed in breve tempo diviene la sua arte di elezione; nascono pezzi unici per forma e decorazione, opere che coniugano dimensioni ridotte con una presenza potente, magnetica ed una pulsante fisicità.
Dal 2001 partecipa a numerose manifestazioni e mostre sia in Italia che all’estero. Nel 2010 realizza una mostra personale presso il Museo delle Porcellane di Palazzo Pitti, Firenze, intitolata “Paola Staccioli . Ceramiche Animate”.
A proposito della mostra scrive lo storico d’arte Elisa Gradi: Una raccolta di oltre cinquanta opere, selezionate dal ricco repertorio di forme dalla cangiante ricercatezza, plasmate con intensa e femminile sensibilità, con il carattere di delicatezza e vaporosità proprie della produzione di Paola Staccioli. Confortata da una solida preparazione tecnica, e da uno spirito giovane ed intuitivo, l’artista ci regala una panoramica completa della sua sperimentazione creativa, un percorso unico fra tonalità iridescenti e modelli originali, studiati e curati fin nel particolare, che divertono e rallegrano per la grazia e la tenera umanità che trasmettono. “All’aria di festa”, scrive la curatrice della mostra, Ornella Casazza “contribuisce la vivacità di un percorso inventivo dove la qualità dell’invetriatura policroma variamente si illumina alla luce e la materia resa ancora più fragile e delicata quasi ad annullare la consueta plasticità, per l’utilizzo di un particolare impasto composto da terraglia bianca unita a carta, si lascia plasmare in pareti sottili, con un effetto pari alla porcellana”. Un percorso, quello di Paola Staccioli, che afferma dunque il valore dell’arte manuale e della sua preziosità, l’elevazione della decorazione in creatività, sorretto da un sentimento estetico raffinato eppur giocoso, estraneo all’artificio e alle stravaganti leziosaggini alla moda, tanto da parer subito familiare, quotidiano. Opera di un’artista dalla quale “continueremo ad avere”, come afferma a conclusione del suo saggio in catalogo Cristina Acidini, Soprintendente per il Polo Museale della città di Firenze, “sorprendenti interpretazioni di una tecnica tanto antica quanto attualissima, nella ricerca di una bellezza lieve come l’inclinarsi di una corolla, sonora come il fruscio d’un canneto, soffusa come la luce dietro una pergamena ma insieme tenace e duratura, a sfidare il tempo e le mode”.

PAOLA STACCIOLI: ESPOSIZIONI ED EVENTI: Settembre 2011 - XII Fiera Internazionale della Ceramica, Firenze. Agosto 2011 - Oldenburg International Ceramics Market, Germania. Gmunden International Ceramics Market, Austria. Marzo 2011 - “Terre Luminose”, mostra personale, presso “Tonhaus”, Bolzano, Italia. Giugno 2010 - “Il gioco”, mostra collettiva, Museo Contemporaneo di Montelupo Fiorentino, Palazzo Pretorio. Aprile - settembre 2010 - “Ceramiche Animate”, mostra personale, Museo delle Porcellane di Palazzo Pitti, Firenze. Gennaio 2010 - “Segni di Donna” mostra collettiva, Fornace Pasquinucci, Capraia Fiorentina, Firenze. Dicembre 2009 - "I frutti del mese di Dicembre dell'albero di Arcanami", personale presso “Arcanami”, Pistoia. "Arte e Solidarietà per la Ricerca", asta di beneficenza organizzata dalla Fondazione di Farmacogenomica "Fiorgen", Museo Archeologico Nazionale di Firenze. Ottobre 2009 - X Fiera Internazionale della Ceramica, Firenze. Giugno 2009 - "Passeggiate Fiorentine", mostra collettiva, Libreria Babele, Firenze. Aprile e maggio 2009 - "Contenitori della memoria. Quando il testo ispira l'opera ceramica”, mostra espositiva a cura di Arte della Ceramica Associazione Ceramisti Fondazione Baldini di Pelago, Firenze. "Visioni" e "Galleria dell'artigianato", mostra internazionale dell'artigianato. Fortezza da Basso, Firenze. "Artigianato e Palazzo", Palazzo Corsini, Firenze. Gennaio 2009 - Progetto "Keramos", ceramica di innovazione, Salone parigino Maison&Objet, Parigi. 2008 - "La Forma e il Colore", mostra personale con Paolo Staccioli, Galleria “M'Arte”, Pistoia. "Wonder's Room", manifestazione "Mebel", Mosca. "Galleria dell'Artigianato", sezione ricerca, Fortezza da Basso, Firenze. "Galleria dell'Artigianato", sezione ricerca “Viaduc des Art. L'Ateliers d'Art de France”, Paris. "Le forme dell'Acqua", mostra collettiva Montelupo Fiorentino, Firenze. "La Forma delle Terre", mostra collettiva, Chiesa S. Alessandro, Fiesole. 2007 - "Fiera Internazionale della Ceramica", Firenze. 2006 - "Mostra dell'Artigianato", sezione ricerca, Fortezza da Basso, Firenze. 2005 - Mostra personale presso "Bottega dei Cristalli", Firenze. "Fiera Internazionale della Ceramica", Firenze. 2002 - Personale presso "Bottega dei Cristalli”, Firenze.

ARIANNA SARTORI
ARTE & OBJECT DESIGN
Via Cappello, 17 - 46100 MANTOVA - Tel. 0376.324260 -

info@sartoriarianna.191.it

Nature's Revenge | Ludo Solo Show@Wunderkammern

2012-02-09T02:32:00.000-08:00

NATURE’S REVENGE the first Ludo Solo show in Italy

Wunderkammern presenta per la prima volta in Italia il giovane urban artist Ludo: una natura bellissima e minacciosa sfida l'uomo dai muri della città.In mostra a Roma dal 21 Gennaio a Wunderkammern e per la prima volta in Italia, Ludo è un giovane artista francese tra i protagonisti più innovativi e promettenti nel panorama dell’urban art. Interviene nelle più grandi città del mondo (Parigi, Londra, Zurigo, Oslo, New York, Los Angeles, Chicago) con opere surreali e spiazzanti perfettamente integrate nel contesto in cui le posiziona.Le creature di Ludo nascono da rassicuranti scale di grigi unite al verde acido colato sulla carta e lanciano un messaggio di umiltà per la società contemporanea. Eleganti e vendicative, le creazioni dell'artista appartengono alle serie Nature's Revenge e Bugs: piante e insetti disegnati con precisione botanica che si sono evoluti in ibridi meccanici, chimici e tecnologici al fine di difendersi dalle aggressioni umane. Con la sua ultima serie, intitolata Co-Branding, grandi marchi come Chanel, Dior, Calvin Klein, H&M e Benetton sono trasformati in immagini aggressive ed inappropriate ma all'apparenza perfettamente in linea con i canoni estetici della pubblicità contemporanea, contrastando l'assuefazione dei consumatori al bombardamento dei brand multinazionali del lusso e non solo.In occasione della mostra a Wunderkammern Ludo presenta una serie di opere su carta e su tela della serie Nature’s Revenge e Co-Branding, oltre alle sculture realizzate in esclusiva per la galleria. Visioni di una natura fiera ed ammaliante, dove i canoni estetici pubblicitari vengono filtrati dallo sguardo ironico e dissacrante dell’artista.

-----------------------PRESS RELEASE -------------

Wunderkammern presents the young urban artist Ludo for his first solo show in Italy,: nature, both magnificent and menacing, challenges humankind from the walls of the city. On show in Rome from 21st January at Wunderkammern, where he is making his first appearance in Italy, the young French artist Ludo is one of the most innovative and promising on the urban art scene. He has left his mark in major cities throughout the world (Paris, London, Zurich, Oslo, New York, Los Angeles and Chicago), with surreal and bewildering works that are perfectly integrated with the context in which he places them. Ludo’s creatures emerge from reassuring greyscale images blended with acid green that is poured onto paper, sending out a message of humility for contemporary society. Elegant and vindictive, the artist’s creations belong in fact to the series Nature's Revenge and Bugs: plants and insects drawn with botanic precision, which have evolved into mechanical, chemical and technological hybrids as a way of defending themselves against people’s aggression. With his latest series, entitled Co-Branding, major brands like Chanel, Dior, Calvin Klein, H&M and Benetton are transformed into aggressive and inappropriate images that nonetheless seem perfectly in line with the aesthetic canons of contemporary publicity, thus contrasting consumers’ inurement to bombardment by multinational brands promoting luxury and much more. On the occasion of his exhibition at Wunderkammern, Ludo will present a series of works on paper and canvas from the series Nature’s Revenge and Co-Branding, as well as sculptures created specifically for the gallery. Images of a proud and haunting nature, where the aesthetic canons of advertising are filtered by the artist’s ironic and mocking eye.

WUNDERKAMMERN via Gabrio Serbelloni 124, Romaweb: www.wunderkammern.net

email: wunderkammern@wunderkammern.net

Tel: +390645435662ingresso gratuito

Ludo Nature's Revenge

dal 21 Gennaio 2012 al 18 Febbraio 2012 - orari apertura: dal mercoledì al sabato dalle 17.00 alle 20.00.

Per appuntamento: +39-3498112973

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Amalia Di Lanno

De Rerum Natura - Lucamaleonte Solo Show

2012-02-09T02:21:00.000-08:00

De Rerum Natura - Lucamaleonte Solo Show
Curata da Marta Gargiulo

11/02/2012-25/02/2012 – GarageZero – via Treviri, Roma

Con De Rerum Natura Lucamaleonte apre un viaggio all’interno di icone che celebrano l’estetica e la scienza. Come il pensiero di Lucrezio riconduce l’origine all’aggregazione degli atomi nello spazio infinito, così l’artista attraverso l’unione di campiture differenti crea un archivio di bestie che vivono solamente se in relazione. Una natura che si alimenta con il mortifero e l’esoterico, concepita intorno al simbolo, che ancora prima di essere rappresentazione rubata alla tradizione, incarna le esperienze personali dell’artista. La produzione delle opere nasce dallo studio delle architetture urbane scelte da Lucamaleonte per valorizzare la città e realizzate su poster di diversi formati ospitati da GarageZero per l’occasione.

Lucamaleonte
Nato a Roma nel 1983, dove attualmente vive e lavora. La sua attività prende forma sui muri delle vie cittadine e nella seconda metà degli anni novanta varca il circuito galleristico e museale.
Maestro dello stencil, Lucamaleonte è tra i fondatori dell’International Poster Art. Presenza costante nei principali eventi nazionali e internazionali dedicati al genere, nel 2008 è tra gli street artist invitati da Banksy al Cans festival di Londra.

Lucamaleonte coniuga arte di strada e immaginario medioevale, in una ricerca espressiva che affonda le sue radici negli antichissimi bestiari trecenteschi, che reinterpreta attraverso la tecnica dello stencil, creando un ponte immaginario tra tradizione e ultracontemporaneità. L’artista parla di sentimenti che non terminano con un’esplosione, la sua realtà è caratterizzata da una melodia che suona all’infinito.

Info: garagezero2011@gmail.com

www.garagezero.eu

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Amalia Di Lanno

100 anni di Jamaica e mostra fotografica di Fabrizio Garghetti

2012-02-09T00:15:00.000-08:00

100 ANNI DI JAMAICA E MOSTRA FOTOGRAFICA DI FABRIZIO GARGHETTI

Jamaica e 100 anni. 4 grandissimi fotografi di fama internazionale nel 2011 e uno, l’ultimo non di certo per importanza, nel 2012. Un grande compleanno, una carrellata di immagini che ci hanno raccontato la storia, le passioni, gli amori e la vita di questo storico locale milanese.L’anno nuovo si apre con la personale di Fabrizio Garghetti, classe 1939, il più giovane dei cinque scelti per festeggiare il centenario, colui che con la sua allegria e irruenza ci mostrerà il Jamaica da un altro punto di vista. Il suo Jamaica. Nato a Salsomaggiore nel 1939, vive e lavora da sempre a Milano; ha iniziato la sua carriera nel 1966 lavorando per riviste di Jazz come Musica Jazz e Jazz Magazine, si è interessato ai gruppi di avanguardia musicale, teatrale e artistica. Molto importanti sono le sue fotografie dedicate alle prime esibizioni di danzatori e coreografi come Pina Bausch, Carolyn Carson, dei Philobolus, di Linke, di Merci Cunningham, partecipando a Venezia Danza di Bejart nel 1982. Ha collaborato e collabora anche nel campo della pubblicità e della moda, ma soprattutto è famoso il suo lavoro di documentazione degli eventi artistici legati a manifestazioni ormai storiche come "Milano Poesia" (dì cui possiede l'intero archivio), di spazi come la Fondazione Mudima, le rassegne internazionali come la Biennale di Venezia e il movimento Fluxus.Attualmente la sua esperienza fotografica si è orientata verso l'archeologia industriale, l'architettura, il design, la ricerca sui materiali, la natura e il territorio.Ha partecipato, come da 15 anni a questa parte, alla Biennale delle Arti e delle Scienze del Mediterraneo: “Dalle vie d’acqua di Leonardo alla montagna”; presentando un lavoro straordinario su questo tema e nel 2011 ha organizzato la prima Biennale internazionale di scultura di salgemma: “sale…la voglia d’arte” tenutasi presso le miniere di salgemma Italkali nelle Madonie.Note a tutti anche le sue collaborazioni con le più importanti riviste del settore come Vogue, Gran Bazar, Decoration, La Gola oltre che Panorama, Epoca e La Repubblica.Accanto a questo eclettico e geniale artista lo sponsor di questa magnifica serata sarà Angoris. Con i suoi 364 anni di cantina e di vigna (che ne fanno una delle aziende storiche nel panorama friulano),nascono i vini che raccontano di quella terra aspra e feconda, che parlano di grande lavoro e di passione, di esperienza: vini che colgono le sfumature di un territorio nei suoi profumi e nei suoi sapori.

Il Jamaica e Angoris, rinomata azienda vinicola, si uniscono quindi per premiare l’eccellenza. Da una parte la fotografia, dall’altra un percorso di successi fatto di qualità e dedizione, che trae le sue profonde radici dalla storia e dalla passione di Angoris.

Info: http://www.jamaicabar.it

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Amalia Di Lanno

INDEPENSENSE di Giuseppe Mastromatteo

2012-02-09T00:01:00.001-08:00

Milano – Dopo il successo registrato due anni fa con la mostra alla galleria Fabbrica Eos, Giuseppe Mastromatteo ha voluto rimettere insieme la squadra vincente con il gallerista Giancarlo Pedrazzini e il curatore Denis Curti, al lavoro per definire i dettagli di una mostra sorprendente e di un catalogo destinato a restare nella memoria di tutti gli appassionati d’immagine, manipolazione, ma anche di poesia ed estetica.
Inizia così il nuovo corso di Indepensense, originale serie di fotografie che nasce mentre Mastromatteo è in trasferta a New York, per il suo lavoro di creativo per l’advertising.“…a differenza della prima volta, quest’ anno ho cominciato il progetto realizzando schizzi su carta abbozzati qua e là, appunti digitali, fotografie con il telefonino. Ho anche noleggiato uno studio fotografico a Brooklyn, il set è stato più volte costruito e spesso abbandonato. Avevo in mente una diversa estetica rispetto a Indepensense, quasi dovessi negare ciò che avevo fatto in precedenza. Ma non era l’estetica che doveva cambiare o evolvere, era, piuttosto, un sentimento che ronzava in testa e che dovevo mettere a punto: l’idea di un lavoro fotografico che sapesse coniugare la sincerità con una più consapevole forma di autenticità, senza smettere di stupire, prima di tutto, me stesso”.

Indepensense questa volta è qualcosa di più della semplice, anche se sempre affascinante, sovrapposizione dei sensi come è successo con le prime opere del 2009, ora a prevalere è un’idea tutta nuova del corpo. Un corpo che diventa occasione per raccontare lo sconfinamento tra culture, popolazioni, religioni, genere.La macchina da presa diventa un chiaro punto di vista: l’inquadratura si allarga al corpo intero e i sensi si mischiano. La pelle diventa occasione di senso, volontà di comprensione, soprattutto paesaggio. Paesaggio umano esteso e diffuso intorno e dentro all’uomo.L’obiettivo finale è suggerire la possibilità di creare nuove identità, ragionare quindi sul tema dell’autenticità, sapendo che le cose del mondo non stanno mai ferme, ma risultano per lo più imprendibili.Indepensense diventa così connessione, sconfinamento, appartenenza umana.

INFORMAZIONI:
GIUSEPPE MASTROMATTEO“INDEPENSENSE”a cura di Denis Curti – Milano, dal 9 Febbraio al 18 Marzo 2012

FABBRICA EOS

Piazzale Baiamonti, 2 Milano Tel. 02 6596532

www.fabbricaeos.it – email: info@fabbricaeos.it

orari: da martedì a sabato 10.00-13.00; 16.00-19.00

Ingresso libero

Inaugurazione: Giovedì 9 Febbraio 2012– dalle ore 18.30

Fonte: http://www.artevista.eu/

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Amalia Di Lanno

"BUCURESTI" di Alessio Paduano e Sergio Antonuccio

2012-02-08T23:38:00.000-08:00

Galleria del Giardino - Accademia di Belle Arti di Napoli - Via Costantinopoli 107 - Napoli Bucarest 2011.

A più di vent'anni dalla dittatura di Ceaucescu. Bucarest rincorre l'Europa e l'Europa rincorre Bucarest. La frenesia di una nazione che vuole andare a passo con i tempi, ma che purtroppo deve fare i conti ancora con realtà drammatiche, come i ragazzi che vivono nelle fogne, spesso piccolissimi, o i bambini che nascono e crescono tra la spzzatura e le malattie a Ferentari. problemi seri, gravissimi, trascurati dai media e dalla politica locale.Il progetto fotografico intende denunciare la condizione di abbandono vissuta da olti giovani nella Bucarest che vuole emergere.storie umane drammatiche,troppo spesso avvolte da un silenzio tombale.

I curatori dell' evento sono Valerio Rivosecchi e Marco Di Capua.

Orari di apertura:
Vernissage 01.03.2012 ore 12.00
Lunedi-Venerdi' 10.30-13.30 / 15.00-18.00
Chiuso Sabato e Domenica.

Ingresso libero

Segnala:

Amalia Di Lanno

Le “Retiniche Visioni” di Paolo Gualdi

2012-02-08T23:28:00.000-08:00

GALLERIA MIES MODENA

Paolo Gualdi RetinicheVisioni
Fuori dagli occhi, una contro-cultura istintiva
a cura di Marco Nardini

La Galleria MiES di Modena inaugura la stagione 2012 con l’obbiettivo di coinvolgere un pubblico eterogeneo e giovane, con l’impegno di valorizzare sia artisti emergenti che di caratura internazionale presenti sul territorio.
L’occasione si presenta ospitando dal prossimo 21 gennaio e fino al 10 marzo 2012: Paolo Gualdi, fotografo, scenografo e art director; dopo quasi vent’anni (1989-2007) in cui nel suo lavoro vi era come una sorta di separazione fra opere temporanee poste all’aperto, ed istallazioni legate alla sua attività di tour musicali, teatrali, convention, spettacoli di piazza ed eventi.
Le sue immagini sono servite come scenografie, proiezioni scenografiche per centinaia di spettacoli come: “Il Cavaliere dell’Intelletto”, opera teatrale di Franco Battiato, Cattedrale di Palermo, Settembre 1994, “Enzo Re”, spettacolo teatrale per la regia di Arnaldo Picchi, con testo di R. Roversi, rappresentato in Piazza S. Stefano a Bologna in occasione di: Bologna Capitale della Cultura del 1998. Oppure “La Boheme”, al 49° Festival Pucciniano di Torre del Lago nel 2003, con le scenografie di Jean Michel Folon e il Tour mondiale del maggio 2005 di “Luciano Pavarotti”. Ora il lavoro di Gualdi si cala in una dimensione destinata a musei e gallerie, una interfaccia tra lo spettatore/ visitatore e l’artista quale produttore di significati. In questi anni la fotografia ritorna ad essere una dei principali interessi della sua professione e vita.
Retiniche Visioni, armoniche e speculari, sottendono una capacità di avanzare oltre il reale. Disposte in sequenze progressive, riordinate, rivelano il movimento dei personaggi nelle stratificazioni come deposito di immagini memoriali; qui si scansiona soprattutto materia, non certo il lato visivo del visibile. Questa nuova opera prima, generata dal lungo corso di Paolo Gualdi, è per lui come una introspezione, un nuovo incontro con la visione, un girar pagina e ritrovare una strada, un percorso che per molti anni è stato celato. Una impressione retinica capovolta, si ricompone, misteriosa come una visione ancora partizionata, nella sua dimensione concettuale, neurologica, anticipativa di frammenti ed istanti: totale.
Una nuova geografia, una mappatura del reale mutuato dal linguaggio del fotosensibile, esprime l’umano; svela l’anima come rilievo di corteccia, un interrotto “flusso” frenetico mentale che è lo smembramento come base e riduzione alla base di un processo di costruzione d’ordine complessivamente risolto. Una idealità insolita: [Po’littico Femminile] composto oltre il reale per il reale da queste 1000 parti di... Isa, Dony, Elisa, Jaya, Laura, Amina, Silvy. Costruzione di infinite altre immagini, attraverso una de-materializzazione di massima tensione simbolica, liberate nella loro sincopata composizione e svelate della lentezza dello sguardo.
Una pluralità di percorsi, sorretti da una accresciuta consapevolezza critica, portano le idee in primo piano, con alcuni falsi movimenti mostrano quello che non c’è, oltre a cosa è accaduto, sequenze rimaste come carezze ricordate, o come testimonianze crude di luoghi e fatti anche violenti, sguardi su verità nascoste. Finestre del Tibet e Le lampadine di Damasco si animano di luci e di movimenti con scarsi elementi per suggerire le varie situazioni, qualche riferimento con l'attuale, evitando una attualizzazione troppo limitativa. Una finestra sul cosmo, dove le immagini solidarizzano legami costitutivi che accompagneranno il viaggiatore.
Una fabbrica della figurazione anche a base di elementi viventi genera da un lato un’umanità frammentata e un’ossessione di idosincrasia con i tratti caricaturali. Dall’altro una elaborazione metonimica delle fratture sociali, dove anche il corpo a frammenti non è quindi molto diverso dai pezzi di corpo o dal fare a pezzi il mondo. Un interessante contrappunto frutto di una controcultura istintiva e viscerale, abile a muoversi fra i linguaggi e media, si trova ora nella posizione ideale per indagare e interpretare il mondo osservato in cui intervene e da cui proviene, con un realismo fortemente radicale. Esistono categorie per tutto ma ogni tentativo di definirne con certezza i contorni vanifica la sua intenzione risolutiva, dove regnano: silenzio, essenzialità, vastità, luce, immobilità apparente; un ipertesto che vuole lavorare su questa idea della rappresentazione non come tessuto ma come corpo, quindi come proiezione di un organismo vivente.

Una vera contaminazione tra diversi media e diversi campi di lavoro producono una istantaneità intuitiva. Apparentemente inserito all’interno dal dichiarato intento di “previsualizzazione” sia anologico che digitale, è invece la matrice funzionale archetipica del lavoro a segnalare l’orientamento della ripresa fotografica da dettaglio caleidoscopico. La costruzione apparentemente fragile, delicatamente capace di colpire l’animo dell’osservatore con nitidezza, evita terreni già battuti.

Fragilità umana che invece di rivolgersi all’occhio, alla percezione visiva, fa riferimento alla mente, al modo in cui si pensa qualcosa, come una persona/specchio si rivolge all’individualismo e al comportamento, con alcuni affondi nella carne e nelle idee isolate,

“i tuoi passi rincorrono ciò che non si trova fuori dagli occhi, ma dentro”
(Italo Calvino).

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Fonte: http://infomostreitalia.blogspot.com

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Amalia Di Lanno

Il Divisionismo in mostra a Rovigo

2012-02-08T23:21:00.000-08:00

Dal 25 febbraio al 23 giugno 2012 in esposizione i capolavori di Previati, Segantini, Morbelli, Pellizza da Volpedo

ROVIGO - E' stata una delle più emozionanti stagioni dell'arte italiana negli ultimi secoli e ora, finalmente, una grande mostra la ripropone, con un taglio nuovo e con una scelta perfetta di opere. Il Divisionismo. La luce del moderno, che si svolgerà a Rovigo, a Palazzo Roverella dal 25 febbraio al 23 giugno 2012, sarà sicuramente tra i più importanti eventi espositivi italiani del prossimo anno.
A promuoverla sono la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo e L'Accademia dei Concordi. Il periodo che questa mostra illumina è quello tra il 1890 e l'indomani della Grande Guerra. Negli anni in cui in Francia Signac e Seraut "punteggiano" il Neo Impressionismo, anche in Italia diversi artisti si confrontano con l'uso "diviso" dei colori complementari. E lo fanno con assoluta originalità. E', come afferma il sottotitolo della mostra, la luce del moderno che essi così magistralmente creano e interpretano.
Sono sperimentazioni che consentono agli artisti che si affacciano alle soglie del Novecento di affrontare con tecnica spesso audace e coraggiosa le tematiche del nuovo secolo, dal mutato rapporto con la realtà agreste all'evoluzione della città moderna, dalle scoperte scientifiche agli incombenti conflitti sociali.E' la prima effettiva cesura rispetto agli stili del passato, prima delle avanguardie.Nel Divisionismo italiano i puntini e le barrette colorate dei francesi diventano filamenti frastagliati che invece di accostarsi spesso si sovrappongono. Ma ciò che è veramente diverso è lo spirito: qui la nuova tecnica pittorica aiuta a rappresentare, meglio di altre, l'intimità, l'allegria, lo spiritualismo, il simbolismo, l'ideologia anche politica. Ovvero i sentimenti, le passioni, le istanze che univano quella generazione di artisti. Pittura di luce, colore ma anche e soprattutto pittura di emozioni, quindi.
L'indagine che Francesca Cagianelli e Dario Matteoni proporranno a Palazzo Roverella rilegge la storia di questo momento magico dell'arte italiana. Valorizzando figure come quella di Vittore Grubicy de Dragon e il suo Divisionismo fatto di musica e di ricerca scientifica. Poi Plinio Novellini, icona del Divisionismo tra Toscana e Liguria, prototipo di quelle diverse dimensioni territoriali che sono forse la maggiore ricchezza del movimento e che questa mostra mette, per la prima volta, in giusta evidenza.Poi i grandissimi: Previati, Segantini, Morbelli, Pellizza da Volpedo.E ancora il ricordo della storica Sala Divisionista della Biennale del 1914. Per giungere alla straordinaria stagione divisionista di artisti come Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Gino Severini, Carlo Carrà e alla Secessione Romana. Ultimi, emozionanti bagliori di una vicenda artistica che va a concludersi, per sfociare nel rivoluzionario "nuovo" del Futurismo. Ed è l'avvio di un'altra grande storia tutta italiana.

Dal 25 febbraio al 23 giugno 2012
Palazzo Roverella, Via Laurenti 8/10 - ROVIGO

Il Divisionismo. La luce del moderno

A cura di Dario Matteoni e Francesca Cagianelli

Orario: feriali 9.00-19.00; sabato 9.00-20.00; festivi 9.00-20.00. Chiuso i lunedì non festivi
Info: Palazzo Roverella

Tel. 0425 460093

info@palazzoroverella.com

mostre@fondazionecariparo.it

www.palazzoroverella.com

Nelle immagini: Gaetano Previati, Nel prato, olio su tela, 1890, Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti, FirenzeCarlo Carrà, Uscita dal teatro, olio su tela, 1909, Estorick Collection of Modern Italian Art, LondraGiacomo Balla, Ritratto all'aperto, olio su tela, 1902, Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma

Fonte: http://www.connessomagazine.it

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Amalia Di Lanno

:::LUMinARIA::: fiato alla visione::: BANDO PER FOTOGRAFI

2012-02-08T10:19:00.000-08:00

"BANDE A SUD" Festival nascente di bande musicali del Salento presenta:

"LUMinARIA"fiato alla visione progetto di collettiva fotografica nell'ambito del Festival in esposizione nel primo step della manifestazione, in Aprile 2012, in un spazio allestito ad hoc nel centro storico di Trepuzzi (Lecce)

Stiamo selezionando progetti fotografici o singoli scatti di autori, fotoamatori, fotografi di ogni età e luogo che operino in Puglia o che dalla Puglia si siano fatti ispirare!"Ci sembra necessario inserire in questo nascente Festival un percorso visivo e immaginale che investirà, come primo mezzo di riflessione ed espressione, la fotografia, ma anche il segno allo stato puro con opere di grafica e disegno per approdare poi all'immagine che si muove e che racconta , del documentario.

L'intento è di mettere insieme possibili "scritture" sull'immaginario della Banda, sul suo universo e sulle sue interpretazioni, indagare da un lato il cammino, il mutamento, gli aprodi attuali di questo antico genere e dall'altro offrire una fascinazione e una visione che parta dalle singole creatività e personalità in gioco.Chi ancora non ha mai provato quel sottile e terragno sentimento di micro-esplosione di gioie e malinconie nell'accendersi di luci e cassarmoniche in una festa patronale e popolare, dovrebbe provare l'esperienza. Molti di noi ci sono nati in questa tradizione, molti ne gustano solo alcuni aspetti, alcuni si disinteressano svincolandosi da probabili provincialismi, altri ancora provano a comprendere meglio quella che è sicuramente un'esaltante esperienza antropologica.Immaginiamo allora che al centro ci sia il "Santo", poi i cerchi concentrici si allargano pian piano, vediamo l'imponente cassarmonica agghindata di luci , lo spazio di possibilità pereccellenza, una pedana con un tetto, un teatro smontabile, una scatola di musica che è anche casa che accoglie, un viaggio nel tempo, un' astronave.

Il "Santo", il "Celeste" che si porta dall'interno all'esterno del luogo di culto, il "fiato", quello che ci vuole per soffiare dentro ad un tubiccolo che poi esplode di musica oppure sussurra con voce grave qualcosa all'orecchio; lo "sguardo alle luci", luminarie d'arte del nostro territorio che non smettono mai di farci fermare dallo stupore, lo spazio temporale della "cassa armonica", maestosa dimora accogliente, pancia, voliera aperta."

Gioia Perrone (curatrice) I lavori dovranno sviscerare il tema per un risultato che abbia un respiro visionario e contemporaneo oltre che antropologico o giornalistico, in estrema libertà espressiva, creativa, tecnica. Se hai un progetto legato alla fotografia e al tema con cui vorresti partecipare e per ogni informzione aggiuntiva scrivici e inviaci i tuoi lavori, in formato jpeg

a:infoluminaria@yahoo.it

Info: cell. 393/9122997

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Amalia Di Lanno

Canto nelle tenebre

2012-02-08T03:56:00.000-08:00

17 febbraio ore 19.00 – Teatro Nuovo Parabita (Le) e 18 febbraio ore 20.00 – Auditorium Alberobello (Ba) il canto nelle tenebre suoni e parole della memoria.

Il progetto “il canto nelle tenebre”, ideato dal contrabbassista Vito M. Laforgia, nasce dall’incontro tra il gruppo musicale VENTANAS e l’attore triestino Alessandro Mizzi, per dar vita ad un reading musicale basato sulla lettura di alcuni passi tratti dal libro “In quelle tenebre” (Intervista ad un comandante di un campo di sterminio nazista) scritto dalla giornalista e storica di origini ungheresi Gitta Sereny.

vito m. laforgia contrabbasso

vittorio gallo sax

adolfo la volpe chitarra/oud

francesco de palma percussioni

alessandro mizzi voce recitante

La narrazione della tragedia dei campi di sterminio, vista dalla parte degli aguzzini, svela risvolti poco noti sulla condizione umana dei protagonisti dell’olocausto, mentre la musica crea un doppio pianio d’ascolto, dove il suono si contrappone alla parola e diventa tentativo di risposta e spunto di riflessione.
Il percorso musicale proposto prende spunto e si ispira all’intuizione del grande musicista ebreo-statunitense Jhon Zorn che, con il progetto Masada, ha creato un punto di incontro, senza precedenti, tra il jazz e la musica della tradizione ebraica con un repertorio che, partendo dalla tradizione, arriva all’attualità, attraverso un trasversale flusso migratorio di suoni.

ingresso libero - info: www.presidi.org

Fonte: http://www.pugliainesclusiva.it

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Amalia Di Lanno

MUSICA POVERA - incontro con Gianni Lenoci

2012-02-08T03:24:00.000-08:00

Su iniziativa dell'Assessorato alle Culture e Marketing Territoriale del Comune di Bari, nell'ambito della mostra "Arte Povera in Teatro 2011" allestita nel Teatro Margherita, avrà luogo, il giorno 21 febbraio alle ore 18:30, un incontro/lezione con Gianni Lenoci dal titolo “Musica Povera – dalla materia alla bellezza”.

L'iniziativa intende proporre un dialogo fra arte e musica finalizzato alla comprensione e all'approfondimento delle stesse.Il pianista, compositore e didatta Gianni Lenoci svilupperà un percorso “fra tempo e spazio” attraverso la trasformazione alchemica dei materiali “poveri” che sottendono la creazione musicale. Dal canto gregoriano sino a John Cage passando per Ludwig van Beethoven, Bela Bartok, Thelonious Monk e Steve Lacy.

La composizione, dunque, non è intesa come “composizione” ma come scultura temporale, come assemblaggio e manipolazione di “materiali poveri”, tra dimensione visuale, tattile ed aurale.

Tra costruzione e de-costruzione, la materia dialoga continuamente con l’essere umano.

Martedì 21 febbraio 2012 - ore 18:30

Ingresso libero

http://www.myspace.com/giannilenoci

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Amalia Di Lanno

DEATH & HELL

2012-02-08T03:04:00.000-08:00

Venerdì 10.2.2012 alle 19:30 si inaugura "DEATH & HELL" di METRO ART, la prima esposizione del nuovo anno presso la "SABINALBANO Modart Gallery" (vico Vasto a Chiaja n. 52/53, Napoli)

Info: 081/421716, sabinalbano@yahoo.it), in mostra sino al 29.2.2012 tutti i giorni, eccetto i festivi, dalle 10:00 alle 13:00 e dalle 16:30 alle 20:00.

Ingresso gratuito.

Un binomio forte, "Morte e Inferno", è il titolo della nuova personale di METRO ART, che apre il ciclo di mostre del 2012 negli spazi dell'elegante e minimalista gallery di Sabina Albano, sempre attenta a cogliere i trend recenti e le più originali espressioni dell'arte e della comunicazione metropolitane. Un binomio, si diceva, che è un piccolo manifesto dei contenuti e degli intenti del progetto di Metro Art, creativo partenopeo, che adotta una sintassi dell'immagine sperimentale e sui generis, per ri-raccontare a suo modo tendenze sociali e icone della tv, dello sport, del cinema, ma soprattutto della musica e, in particolare, del rock, di quel rock che, dagli anni '60 in poi, ha celebrato e innalzato a veri e propri miti una serie di artisti e, per paradosso, ne ha segnato anche il dissidio interiore e spesso la fine.Il corpus allestitivo, eterogeneo per tecniche, formati e supporti, si compone di circa 20 lavori su carta e cartone, esposti a parete, più una serie di gadget, come sottobicchieri, segnalibri et similia, ovviamente personalizzati dall'autore. Il tutto contraddistinto da una particolare scelta dei materiali e dei supporti, veri protagonisti di queste creazioni: biglietti dell'autobus, schede telefoniche, involucri di medicinali e pacchetti di sigarette, paginoni dei giornali e delle offerte dei supermarket, flyer di locali ed eventi, cannucce, nastro adesivo, pezzi di fogli di quaderno, all'insegna di una volontà di riciclo, non solo di matrice per così dire 'ecologica', ma di scomposizione, riedizione e ridefinizione delle funzioni, del contesto e, quindi, del valore dei materiali stessi. In una sorta di ottica 'dadaista', infatti, Metro Art reagisce all'overdose di parole, segni, loghi e marchi cui quotidianamente il singolo è sottoposto con una destrutturazione di questa 'babele' di simboli e parole. L'informazione, nell'accezione più ampia del termine, e il logos subiscono un processo di decostruzione e, con un linguaggio new pop (in cui è ospitato l'acquerello accanto al collage ‒ predominante ‒ al pennarello, alla penna, al gessetto, allo smalto, all'acrilico), vengono provocatoriamente riedificati grazie a una riconversione e ricontestualizzazione nell'immagine e attraverso l'immagine, sino al ricorso alla pregnanza indiscutibile dell'icona vera e propria. È così che paginoni di quotidiani e pubblicità di prodotti dei supermercati perdono la loro veste abituale mediante collage e sovrapposizioni di immagini altre in una sorta di desacralizzazione e deritualizzazione con accostamenti inediti e talvolta irriverenti e con un tratto spesso elettrico, convulso, mai del tutto disteso, a testimonianza del conflitto interiore dell'artista, e di un'opposizione alla cultura del consumismo e all'abuso e all'ipertrofia comunicativa. Foto di politici e titoli di cronaca si confondono con personaggi dello sport e dello spettacolo, ma soprattutto con miti del rock: da Morrison a Mercury, da Janis Joplin a Frank Zappa, sino a Hendrix, ai Beatles, ai Sex Pistols, ai Led Zeppelin, ai Rolling Stones e a Madonna. Leggende della musica e, nella maggior parte dei casi, celebri morti del rock e dintorni. Un ulteriore effetto di 'straniamento', poi, è dato dalla sottrazione degli spazi sul supporto (veri tagli del formato), dall'omissione o, per converso, dall'apparente caos delle inserzioni delle figure, laddove una piccola "Primavera" del Botticelli può comparire, in antitesti voluta e meditata col resto del collage, accanto a elementi ipercontemporanei. Non è casuale nemmeno la selezione dei supporti, come si è già accennato veri e propri fulcri del lavoro del creativo, quando, ad esempio, uno stralcio di pagina di quaderno a quadretti si presta ad accogliere un tratto che diviene in certo qual modo 'infantile', strizzando l'occhio a parte della produzione di Basquiat o, per il ricorso a oggetti e personaggi del quotidiano, allo stesso Warhol. Il tema del dolore e della morte, comunque, sono pressoché costanti in un angosciante spleen romantico, con suggestioni e atmosfere cupe e dense, specie col ritornare frequente del motivo della croce, realizzato con biglietti del pullman o stagnole di farmaci e pacchetti di sigarette. Nelle opere, quindi, si legge una forte valenza sociale, accanto a quella psicologica altrettanto netta, in una polisemia, per il concorrere di segni e tecniche differenti, ma anche in una semantica a strati, laddove i significati da intercettare in ogni singolo pezzo sono davvero numerosi e vari.

METRO ART, che espone alla SABINALBNO Modart Gallery per la seconda volta, la prima è stata un anno fa, proprio lo scorso febbraio, ha lungamente operato nel campo della Moda a Napoli e non solo. Tra i suoi innumerevoli progetti in quest'ambito, si ricorda, uno fra tutti, "METRONOMO", in pieno stile optical, di cui l'allestimento proposto in questa circostanza vuole essere la naturale e ideale prosecuzione. Ha poi presentato i suoi lavori in svariate personali in locali notturni e spazi off della città.

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Amalia Di Lanno

ITALIAN NEWBROW

2012-02-08T02:20:00.000-08:00

ITALIAN NEWBROW a cura di Ivan Quaroni

Testi di Ivan Quaroni e Igor Zanti

Pinacoteca Civica Palazzo Volpi, Como 10.02.2012 - 25.03.2012

Silvia Argiolas . Alice Colombo . Vanni Cuoghi . Diego CinquegranaPaolo De Biasi . Marco Demis . Emiliano Di Mauro . Diego DuttoEloisa Gobbo . Massimo Gurnari . Fulvia Mendini . Elena Rapa Michael Rotondi . Giuliano Sale . Tiziano Soro . Giuseppe Veneziano

Pinacoteca Civica Palazzo VolpiVia Diaz 84, Como

tel. 031 269869

Nella prestigiosa cornice della Pinacoteca di Palazzo Volpi a Como, dall’11 febbraio al 25 marzo 2012, Ivan Quaroni presenta Italian Newbrow, per la prima volta in un’istituzione pubblica: un nucleo di 16 artisti che con i loro lavori – dipinti, sculture, installazioni – restituiscono uno spaccato fortemente rappresentativo della giovane arte italiana. Una pluralità di voci e modi espressivi che recupera iconografie popolari di oggi - dal fumetto all’illustrazione, dal graphic design alla pubblicità, alla musica - incrociandole con l’arte di ieri. Dialogo reso più evidente in questa particolare occasione espositiva, dall’intreccio delle opere contemporanee con quelle della Quadreria storica del museo comasco. La mostra, la cui direzione organizzativa è stata affidata a Nicoletta Castellaneta, è promossa dalla Fondazione Club Lombardia, con la collaborazione dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Como e il patrocinio della Regione Lombardia. La rassegna intende raccontare i mutamenti artistici seguiti alla diffusione di massa di Internet e alla globalizzazione e mostrare come sia cambiato il contesto in cui si trovano a operare le nuove generazioni di artisti. “Italian Newbrow non è propriamente un movimento artistico – spiega Ivan Quaroni – e neanche un nuovo linguaggio condiviso, ma un’attitudine, un’inclinazione anzi, che si coglie simultaneamente da più fonti e che rappresenta una direzione suggerita dall’immaginario di massa determinato dal mondo globale e dai mutamenti tecnologici e culturali che ne derivano”.Gli artisti, tutti di età compresa fra i 25 e i 45 anni, chiamati a raccontare tale scenario sono: Silvia Argiolas, Diego Cinquegrana, Alice Colombo, Vanni Cuoghi, Paolo De Biasi, Marco Demis, Emiliano Di Mauro, Diego Dutto, Eloisa Gobbo, Massimo Gurnari, Fulvia Mendini, Elena Rapa, Michael Rotondi, Giuliano Sale, Tiziano Soro, Giuseppe Veneziano.Gli artisti di Italian Newbrow captano lo zeitgeist del mondo contemporaneo, ne colgono i differenti linguaggi e codici espressivi e li uniscono in lavori che combinano tra loro culture lontanissime, mantenendo però intatte le caratteristiche di stile dei loro luoghi di appartenenza. Un’arte che si esprime nella zona di confine tra globale e locale e che fonde ironia e irriverenza, influssi neo-gotici e suggestioni folk, citazioni punk e cultura popolare.Italian Newbrow è una modalità di pensiero che attinge simultaneamente ad una pluralità di fonti iconografiche, siano esse alte o basse, che sono radicate nella cultura e nell’immaginario pop di questo nostro mondo globale e connesso. Ivan Quaroni ha presentato per la prima volta il progetto Italian Newbrow nel 2009, durante la quarta Biennale di Praga. Il termine newbrow nasce in opposizione al termine lowbrow, considerato dagli artisti della scena Pop surrealista americana sminuente e avvilente, per porre l’accento sull’aspetto nuovo e inedito di fare arte. Accompagna la mostra un catalogo con testi critici di Ivan Quaroni e Igor Zanti.Scheda della mostraAscoltaTrascrizione foneticaTitolo Italian NewbrowA cura di Ivan QuaroniDirezione organizzativa Nicoletta CastellanetaProgetto di Fondazione Club Lombardia http://www.clublombardia.it/ Sede Pinacoteca Civica Palazzo Volpi, Como - Via Diaz, 84Date 11 febbraio – 25 marzo 2012

Conferenza stampa

Venerdì 10 febbraio, ore 11 Sala conferenze - Pinacoteca Civica Palazzo Volpi, Como

Inaugurazione Venerdì 10 febbraio, ore 18.30

Orari da martedì a sabato 9.30 - 12.30 / 14 – 17mercoledì orario continuato 9.30 - 17. Domenica 10 – 13.

Chiuso lunedì.

Ingresso € 3 (il biglietto consente di visitare anche la collezione permanente)

Catalogo Con testi di Ivan Quaroni e Igor ZantiInformazioni al pubblico Pinacoteca Civica Palazzo VolpiTel. 031.269869 – http://www.museicivici.comune.como.it/

Ufficio stampa NORA comunicazione - Eleonora Caracciolo di TorchiaroloVia A. Sforza 9 – 20136 Milano - 339 89 59 372 info@noracomunicazione.it - http://www.noracomunicazione.it/

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Amalia Di Lanno

Francesco Cuna_ collezione privata

2012-02-08T02:13:00.000-08:00

BARI-Via cardinale agostino ciasca 15 - presso "compagnia della bellezza"

Cosa ci fà una mostra d’ arte contemporanea in un salone di bellezza? Cosa hanno in comune capelli e pittura, pennelli e spazzole? Cosa accomuna un artista ad un parrucchiere?Sinceramente me lo chiedevo come voi, ma mai avrei immaginato quanto questa esperienza potesse offrirmi. Tre anni fà, agosto, un afoso pomeriggio salentino…nulla da fare se non sudare…mi ritrovai ad osservare Francesco dipingere nel suo piccolo studio, in silenzio dalla finestra la mia curiosità fu catturata e man mano che i colori si addensavano sulla tela la mia attenzione fu letteralmente rapita…Immagino...fantastico...vagheggio, e penso al mio lavoro… la testa come una tela, la cornice interna ed esterna del viso uno spazio neutro dove sperimentare forma e colore…mmmm…la mia fantasia svolazzava!Ritorno lì mentre ve lo racconto: le mani di Francesco muovono forme…coprono, riprendono…si lasciano guidare dal sentimento…il suo modo di dipingere non segue rigide guide esecutive, non esistono solo pennelli, ma anzi mi stupisce quando usa le dita, pezzi di stoffa, plastiche, legni e addirittura l‘ asciugacapelli.. improvvisando contrasti, ombre e profondità...l’ opera prende vita e racconta emozioni, vibrazioni e stati d'animo. Che esperienza!!! Nei giorni a seguire, in salone, mentre lavoravo mi tornavano in mente quelle immagini…quella libertà, nessun tabù, allora inizio ad emozionarmi…chiudo gli occhi e desidero capelli come materia plasmabile…perdo ogni inibizione, li trasformo in tessuto e nasce una testura plissettata morbida e leggera, li immagino pietra ed inizio a scolpirla creando forme solide e piene, o ancora legno da intagliare e creo sfilature e riccioli, poi cambio il mio modo di colorare e inizio a sperimentare le tecniche pittoriche di Francesco sulla mia nuova materia capelli.Così inizia questa collaborazione con il maestro, la nostra collezione privata: lui su tela ed io su donna!!!! Ora siamo pronti a condividerla con voi!!! Benvenuti alla nostra creazione...per niente privata!

Info: http://www.francescocuna.it

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Amalia Di Lanno

10/11/12 - personale di Vincenzo Mascoli

2012-02-08T02:02:00.001-08:00

"10/11/12" personale di Vincenzo Mascoli

a cura di Linda Roggio

DAL 11/2/2012 al 31/5/2012

visitabile tutti i giorni dalle 18.00 alle 22.00

Piazza Vittorio Emanuele II n.c 12

Organizzazione Ass.ne CoArt Alexander Larrarte

Grafica Stefania Carrieri

con il patrocinio di: dell'Assessore al Mediterraneo Cultura e Turismo della Regione Puglia, Anci Giovane Puglia, Provincia di Bari, Comune di Corato, Ass.Culturale CoArt.

Chi è l’uomo del nostro tempo? Un individuo forte, tenace, abile, coraggioso? L’uomo delle scoperte scientifiche in grado di dominare il creato?Oppure, un essere impaurito, sfiduciato, volubile, in balia della realtà in cui vive e, che dall’imprevedibilità della terra è sopraffatto? È questa la domanda che riecheggia in questi anni rappresentativi di un’evoluzione giunta ad un momento di rottura, di crisi profonda, intenta ad interrogarsi sulle scelte passate e quelle future. Lo stesso quesito pervade l’opera di Vincenzo Mascoli, che coglie il dramma dell’uomo contemporaneo, degli anni /10/11/12, in un’esposizione che riunisce appunto i suoi più recenti lavori. La condizione di sconforto e scetticismo dell’umanità vede l’incrollabile antropocentrismo limitato dalla natura, dall’ignoto, dalle invenzioni stesse dell’uomo. Egli troneggia sul proprio ego, ma ciò che lo circonda è un universo, che pur conoscendo sempre più, non è in grado di ordinare. Il caos irrompe nell’opera di Mascoli, il quale, con un sapiente ed enigmatico uso del collage, mescola attualità e antichità, immagini della storia dell’arte con ritagli di giornali dell’ultimo decennio. Tuttavia, il presente prolifera di notizie poco chiare, mentre le uniche certezze sono le sagome definite della memoria, da cui l’uomo attinge risposte. Gli insegnamenti del passato sono i fantasmi saggi che guidano l’uomo, ritratto ora brancolante, ora cosciente, nella sua forza fisica e nella sua espressività. I volti ricchi di personalità e le pose animate emergono cariche di carattere dalla dimensione blu e dalle nuances scarlatte, in cui quei personaggi prendono vita. Quelli più noti, politici e celebrità, affiancano criticamente rughe e sguardi di sconosciuti, a descrivere indistintamente il mosaico di una società multiforme, in cui ogni tassello ha il suo significato emblematico. Nonostante lo scoraggiamento imperante, Vincenzo Mascoli crede ancora nella controversa figura dell’uomo che, pur calato nel disordine, gli sopravvive, riuscendo anzi a conviverci, perché è dal caos stesso che egli deriva. L’interesse per il dettaglio psicosomatico è allora per l’artista l’esaltazione del genio umano, così come la descrizione della fisicità, del temperamento diventano testimonianze di immortalità. Le oscure tele di Mascoli appaiono come illuminate dalla figura umana, protagonista che brilla di luce propria rischiarando di speranza le ombre incombenti.

Corato(Bari)

Piazza Vittorio Emanuele II n.c 12dalle 18.00 alle 22.00

ingresso libero

Info. micaela.ferrara81@gmail.com

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Amalia Di Lanno

CONCORSO DI ARTIGIANATO ARTISTICO

2012-02-08T01:49:00.000-08:00

CONCORSO DI ARTIGIANATO ARTISTICO

IL SAPERE DELLE MANI III edizione

Bando 2012 per il Concorso di Artigianato artistico IL SAPERE DELLE MANI nella sua terza edizione.

REGOLAMENTO e DOMANDA DI AMMISSIONE.

C'è tempo fino al 9 marzo 2012

Sezione speciale dedicata alla CARTA (cartapesta, cartonnage, origami, ecc.)

Fonte: http://ilsaperedellemani.wordpress.com

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"Tessere in grande,Tessere tutto" di Luciano Ghersi Eventi a Roma

2012-02-08T01:05:00.000-08:00

"Tessere in grande,Tessere tutto" di Luciano Ghersi

Giovedì 9 febbraio 2012, alle ore 17 presso il St.Stephen's Cultural Center Foundation - a Roma in Viale Aventino, 17- si inaugura la mostra "Tessere in grande, Tessere tutto" che presenta oltre cinquanta opere (stoffe, arazzi, tappeti) dell'artista tessile Luciano Ghersi.

La mostra rimarrà aperta dal 10 al 17 febbraio e dal 27 febbraio al 2 marzo su appuntamento ogni giorno della settimana dalle 10 alle12 e dalle 13.3 alle-16.

Nella sua lunga carriera, Luciano Ghersi ha utilizzato diversi tipi di telaio a mano,europei, orientali e africani, e ha tessuto di tutto: lana, seta, canapa, oro, ferri vecchi, antiche pagine, filo spinato. Oltre al corpo e alla macchina, che resta sempre un telaio a mano, pure la materia prima ha la sua parte nei segni della tessitura.
Ormai è una moda, ma Ghersi ricicla i rifiuti di plastica da quasi 20 anni ed oggi è preoccupato per la prossima estinzione del polietilene.
Le opere presentate a Roma sono sostanzialmente arazzi da appendere a muro e hanno dimensioni varie, dai 12 cm a 3 metri ed oltre. Questi mini e maxi arazzi sono realizzati soprattutto con materiali di recupero: carta di libri antichi, stoffe pregiate e campionari di alta moda, imballaggi di plastica, reti da pesca, calzerotti di lana, cravatte e ferri vecchi.
Prima di entrare nella tessitura, le pagine di libro, le stoffe e le plastiche sono sezionate e ridotte in strisce, secondo un processo molto popolare nelle arti tessili tradizionali. Reti da pesca, cravatte e ferri vecchi possono invece essere tessuti direttamente.

Luciano Ghersi, che subito dopo la laurea in Filosofia ottenuta nel 1976 ha sempre fatto il tessitore a mano, ci tiene moltissimo a dichiararsi artigiano ma ha fatto varie mostre in vere gallerie. Così lo presentò Bruno Munari, nel 1981: "Guardando uno di questi tessuti appeso al muro si può ripercorrere l'operazione del tessere e capire lo stato d'animo e il pensiero del tessitore. Cosa volete di più da un tessuto?"
Ghersi infatti non fa, né ricopia disegni progettati sulla carta; si appaga dei segni tracciati dai gesti corporei del tessere con un telaio. Dice che "Ciascun telaio può offrire segni diversi, come diverse amanti possano dare diversi piaceri, se ci si accosta senza schemi e preconcetti.
Così il tessitore insieme col telaio dà vita a una 'macchina desiderante'.
E' un fatto ancestrale, risale alle origini di qualsiasi cultura... e questo può spiegare il misterioso fascino della tessitura.

Vernissage giovedì 9 febbraio 2012, ore 17-20

St.Stephen's Cultural Center Foundation Viale Aventino, 17- ingresso, angolo con Via Aventina

Mostra aperta dal 10 al 17 febbraio e dal 27 febbraio al 2 marzo - su appuntamento

Fonte: http://www.romatoday.it

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Amalia Di Lanno

East ZONE

2012-02-07T23:58:00.000-08:00

Piazzola sul Brenta (PD), 17/12/2011 - 1/04/2012

Raccontarono il mondo quando la fotografia era ancora sperimentale, furono protagonisti della nascita del fotogiornalismo e del reportage. Fecero scoprire il Giappone, e le meraviglie dell'Egitto, agli Europei, portarono la fotografia nelle terre d'oriente, partendo dal Veneto. Loro sono Antonio e Felice Beato, due fratelli greco-veneziani, e Adolfo Farsari, vicentino, operanti a cavallo tra '800 e '900.
Una mostra, dall'emblematico titolo di "East Zone", per la prima volta documenta in modo esteso la loro arte, raccontando anche lo scambio culturale che attuarono tra l'est italiano e il lontano Oriente, scambio nei due sensi dato che i tre fotografi veneti influenzarono la storia della fotografia in Giappone ma da questo e dagli altri Paesi visitati, trassero elementi che influenzarono la loro maniera di "fare fotografia".
Da segnalare come la mostra proponga accanto alle immagini dei tre protagonisti, una carrellata di foto di confronto, per dimostrare come queste terre lontane seppero calamitare, affascinare fotografi di diverse provenienze.

Ad ospitare la mostra sarà Villa Contarini, la reggia delle Ville Venete, oggi proprietà della Regione Veneto, a Piazzola sul Brenta, vicino a Padova.

Appuntamento: 17 dicembre 2011 - 1 aprile 2012Villa Contarini - Piazzola sul Brenta (Padova).Orario: 10 - 16 (mercoledì chiuso, chiuso inoltre Natale e Capodanno).

Ingresso alla Mostra: gratuito Ingresso alla Villa: interi euro 5,50, ridotti 4,50.

Info e prenotazioni: web www.villacontarini.eu email villacontarini@regione.veneto.it tel. 049.8778272-3

Mostra promossa ed organizzata dalla Regione del Veneto, da Photosophia e da Immobiliare Marco Polo. A cura di Magda di Siena.

Antonio e Felice Beato e Adolfo Farsari
Felice Beato è uno dei pionieri delle riprese fotografiche e del fotogiornalismo soprattutto del reportage di guerra. In Giappone la sua influenza è notevole, sia in termini di vero e proprio insegnamento delle tecniche di ripresa, sia per il livello della documentazione che ha prodotto. Antonio ne seguì le orme, ma le sue foto sono principalmente concepite come souvenirs, egli riprende sovente monumenti e architetture. Adolfo Farsari, "erede" della ricca attività commerciale di cui il veneziano F. Beato era stato il pioniere, avrà modo di perfezionarla e di avvalersi dei migliori coloristi giapponesi per fare delle sue fotografie dei veri e propri capolavori.

Per approfondire: www.studioesseci.net/mostra

Fonte: http://www.professionearchitetto.it/

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Amalia Di Lanno

Da 0 a 100 alla Triennale di Milano

2012-02-07T23:50:00.000-08:00

Infanzia, età adulta e vecchiaia: le fasi della vita sono sempre state tre, come dimostrano opere firmate da maestri del calibro di Tiziano e Klimt. Ma negli ultimi anni il progresso scientifico e tecnologico ha contribuito a migliorare la nostra esistenza, rendendo il significato di "età" molto più fluido e complesso. La mostra Da 0 a 100, in Triennale dal 21 febbraio all'1 aprile, esplora questo tema attraverso contributi scientifici e artistici.

Da martedì a domenica: dalle ore 10.30 alle ore 20.30; giovedì e venerdì aperto fino alle ore 23.00

Viale Alemagna, 6 (Zona Sempione) 20123 Milano (MI)
www.dazeroacentolamostra.it

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Amalia Di Lanno

MeTa-FoRmA

2012-02-07T23:35:00.000-08:00

Sabato 11 Febbraio 2012, nella Chiesa di Santa Maria delle Periclitanti, a Napoli, in salita Pontecorvo 38, si inaugura alle 11,00 una mostra d’Arte contemporanea

a cura di cura di Nicholas Tolosa e Roberto Esposito per l’Accademia dei Partenopei, intitolata:

“MeTa-FoRmA”

Il titolo ha un triplice significato, ovvero meta, forma e metamorfosi. La meta, che può essere il traguardo che ci si prefigge nella vita, un obiettivo da raggiungere con determinazione, come può esserlo la concezione nella propria mente di un lavoro pittorico, fino a giungere al suo pieno compimento e quindi vedere realizzato ciò che precedentemente era soltanto un pensiero. La forma, intesa come aspetto esteriore nell’ opera d’ arte, ovvero partire da una forma non definita graficamente per poi giungere alla forma finita o non finita a seconda del proprio sentire, ma pur sempre una conformazione estetica. La metamorfosi, ovvero trasformazione del proprio stile artistico o ancora del proprio essere interiore. In questa mostra si intendono indagare e congiungere questi tre aspetti che vanno ad intaccare sia la sfera interiore che esteriore degli strati emozionali.

Gli Artisti in mostra: Paolo Bianco, Laura Esposito, Roberto Esposito, Fiamma Morelli, Gustavo Pozzo, Margherita Premuroso, Fabrizio Santona, Mirko Tolosa, Nicholas Tolosa, Lorenzo Villa

La Mostra, resterà aperta fino al 21 Febbraio tutti i giorni dalle 10:00 alle 14:00

Info: accademiadeipartenopei@gmail.com

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Amalia Di Lanno

URBAN PEOPLE - Personale di Generoso D'Alessandro

2012-02-07T23:10:00.000-08:00

“Le città come i sogni sono costruite di desideri e di paure”.

Italo Calvino, Le città invisibili - 1972

Metropoli di carta affollate da volti anonimi, agglomerati urbani attraversati da fiumi colorati, grattacieli che espongono slogan dal forte impatto socio-culturale: sono queste le città immaginate e dipinte da Generoso D’Alessandro.Opere che interpretano le tumultuose vicende del contemporaneo, la voglia di evadere da una routine frenetica: palazzi che parlano dei nostri desideri e delle nostre paure.La città moderna, indagata dalle avanguardie storiche quali il futurismo, l’espressionismo, il dadaismo, il surrealismo, il costruttivismo, trova nuove forme nei quadri dell’artista lucerino.

Generoso D’Alessandro continua la sua ricerca artistica utilizzando ritagli di giornale che raccontano la quotidianità.Dopo le ultime mostre a Lucera e Foggia, la personale URBAN PEOPLE, curata da Aradia Art Management, è ospitata al Caffè Tra Le Righe di San Severo.Avendo ottenuto successo nei primi approcci, le poesie di Raffaele Niro continuano ad aggiungere valore alle opere di D’Alessandro. In occasione del vernissage, il poeta sanseverese si esibirà in un coinvolgente reading.

Appuntamento venerdì 10 febbraio, alle ore 21.00 al Caffè Tra Le Righe di San Severo in Via De Cesare, 13.

La mostra resterà aperta tutti i giorni, escluso il martedì, fino a domenica 26 febbraio.

Tutte le info su: www.aradiart.com

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Amalia Di Lanno

Odisseo e la valigia - Mostra di Mirko Gabellone

2012-02-07T22:32:00.000-08:00

Le Ali di Pandora”

presenta

Odisseo e la valigia

Personale diMirko Gabellone

lunedì 13 febbraio 2012 h.20.00

intervengono Rosanna Gesualdo, Michele Bovino, Giovanni Marchesec/o II Circoscrizionevia Adda Lecce

Ingresso Libero

Si apre a Lecce lunedì 13 febbraio alle ore 19,30 presso la sede della II Circoscrizione: Santa Rosa-Stadio- Salesiani la Mostra personale di Mirko Gabellone “Odisseo e la valigia” che resterà aperta fino al 20 febbraio. Alla presenza delle Autorità, del Presidente della Circoscrizione Fabio Campobasso, interverranno Rosanna Gesualdo, Michele Bovino, Giovanni Marchese.La mostra, organizzata dall'Associazione Le Ali di Pandora, propone un modo altro di rappresentare il viaggio: un disegno animato e un ciclo pittorico dal titolo Odisseo e la valigia.Spiega Mirko Gabellone: "L’arte oggi è esperienza, voglia di raccontare il proprio mondo a tal punto che diventa, molto spesso, lo specchio di se stessi. E’ contesto di riflessione e sperimentazione dove la tecnica rappresenta un valore indispensabile per aprire le porte dell’immaginazione. La tecnica è fondamentale soprattutto in quest’epoca in cui siamo avvolti dalla tecnologia e poco pronti a esserne coin/scon-volti. Il lavoro nasce quindi dall’idea di un viaggio nel mondo, nel quotidiano, da una parte, nel caso del video, alla ricerca di un senso che valga la pena, che dia lo “scatto giusto” a continuare il lungo viaggio della vita, dall’altra parte, nel caso delle pitture, alla ricerca della meraviglia, della voglia di sognare a occhi aperti e nonostante la routine quotidiana.Scrive Rosanna Gesualdo: "Questo cappello contiene un sogno, questo sogno è racchiuso nel cuore di un uomo, ed è impeto ed è passione, anelito verso l'insondabile. “Odisseo, sei tu Odisseo?” Ed è per dar risposta al quesito che l'uomo senza volto intraprese il viaggio mentre dal monitor di un televisore una civetta gracchiava come un vecchio giradischi e il vinile dal blu per il blu cantava una strofa antica come la memoria. “Disse l'anima del Mondo all'uomo senza volto: Raccontami una storia....” e la storia incominciò. E come l'antica tradizione omerica narra da secoli l'uomo intraprende il suo viaggio per mari e cieli sconosciuti alla ricerca del suo io profondo senza indossare salvagente, senza tentar la salvezza del paracadute.A chi ti disse che non navigò quel mare tu non credere perché l'artista come Odisseo è menzognero e l'avventura è un impeto dell'animo che si trasfonde nella generosità del ritorno atteso. Un taccuino, poche righe da annotare mentre l'orizzonte è lì a portata di mano, ma la mano non sfiora l'insondabile carezza, il sogno non ancora sognato che abita le caverne del sentire. In quest'ottica, in quest'agire sconosciuto, l'artista prosegue il suo viaggio tra i tanti occhi che scrutano la sua opera. Chi è il fruitore? una dama dai fianchi larghi che in bicicletta ripercorre il vissuto? La citazione filmica di Daniel Lee Lewis in The gangs of New York o piuttosto il naufrago che racconta ciò che è andato a male nell'accavallarsi dei codici? Ed è allora che gli stilemi della comunicazione di Mirko Gabellone sparano nel mucchio, per centrare l'eroismo e la generosità del viaggiatore che vive per narrare una colonna sonora delle opere compiute, o forse per intrappolare il fruitore in una sottile rete tessuta dal narcisismo che appartiene alla purezza anfitrionica dell'artista.E chi risarcirà Odisseo, come l'Artista, della cifra d'amor vergognoso versato in olocausto nello spendersi al di là del quotidiano? Su questo quesito Omero tace. Così, da secoli, il mito epico continua a scuotere i nervi di un sentire arcaico. Ci sono ricordi nella valigia della artista, segreti confessati nella semantica dei colori primi come primi restano solitari gli incontri racchiusi nello scrigno del Moleskine. Qualche vestito nella valigia e la forza dell'ardire nell'animo, così, senza ricorrere ad alcuna scialuppa di salvataggio, Gabellone va in limousine verso l'accertamento dell'arte e dell'hic et nunc ancora una volta. A rischio della vita l'Artista- Odisseo si cala nel sommerso e così l'attenzione resta alta, di più, si accende, la sua come gli occhi di chi continuerà a scrutare le gesta del viaggio.Artista, autore, narratore di vicende che non passeranno invano, Gabellone ci rimanda al sentire più antico di uno degli aneliti insiti nell'animo di ognuno di noi: “il viaggio”. Lo stupore che né consegue con le ineludibili derive e le rare gioie di colore segnate all'indirizzo di un cammino alla ricerca del sé che per l'Artista, come per l'antico Odisseo e magari anche per noi, resta l'assioma irrinunciabile del viaggio di ritorno verso se stessi.

Mirko Gabellone: 1991 – 2011 Liceo artistico Vincenzo Ciardo di Lecce, Accademia di Belle Arti di Lecce, Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, Università degli Studi di Milano, Università degli Studi di Milano-Bicocca: questi i luoghi indiscussi della sua formazione artistica e pensante e soprattutto della sua “commozione cerebrale”. Insegnate di Discipline Pittoriche e Educazione Visiva: ecco come oggi dispensa tecnica ed esperienza creativa nelle scuole in cui fa il precario da anni.

Via Adda - Lecce - Info: 0832.391862- 339.56.07.242 - 347.08.51.926 lealidipandoralibero – lealidipandora- facebook/leali.dipandora

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Amalia Di Lanno

Roberto Acciarri: Nodi Irrisolti - Personale di Fotografia

2012-02-07T09:43:00.000-08:00

Nodi Irrisolti
ventuno opere e un libro
con il Patrocinio della citta di Grottamare

Sala Kursaal - Grottammare
11-26 febbraio 2012

La Sala Kursaal di Grottammare da sabato 11 febbraio alle 18.30 ospita Nodi Irrisolti, prima personale fotografica di Roberto Acciarri; la mostra è patrocinata dal Comune di Grottammare - Assessorato alla Cultura e si avvale del contributo di Domenico Di Stefano per la parte testuale.
La mostra resterà aperta fino al 26 febbraio 2012.

Di Stefano osservando le opere di Roberto Acciarri ci offre un’intuizione, una suggestione, un viaggio raccolto in poche parole, la loro collaborazione si è accresciuta ed espansa sino a dare struttura e forma a un libro che raccoglie il risultato di questo viaggio intorno a sé, ma anche intorno all’uomo e che coinvolge chiunque osservi le opere di Acciarri, come se fosse una sfida. Roberto Acciarri ha così deciso di presentare il volume in occasione della personale, con la volontà di segnare un punto fermo in una ricerca artistica che continua ad evolvere e ad accrescersi. Il libro è quindi una parte essenziale di questo incontro percorso e si integra perfettamente nell’installazione.
Il giovane fotografo ha intrapreso un percorso intorno all’elemento naturale, cerca di trovare una via simbiotica con esso anche quando indaga sulle trasformazioni che l’uomo apporta alla materia. Al centro della sua indagine fotografica ha posto il legno, con la sua infinita ricchezza visiva e suggestiva, con i suoi tagli, le venature, i nodi. Una ricerca che coinvolge e osserva un materiale duttile e prezioso, da usare con intelligenza stando attenti a non distruggerlo. Osservarne i nodi vuol dire allora guardarne la vita. la crescita la storia e le foto di Roberto Acciarri sono allora frammenti preziosi, schegge che vanno a stimolare la fantasia e la coscienza.

«Ciascuno, incrociando lo sguardo sul “nodo irrisolto” della sua vicenda (perché nelle tasche più recondite della nostra biografia ognuno ha un "nodo irrisolto", e dai, confessiamolo...), vi leggerà quello che gli occhi del cuore dettano, vi troverà quello che nemmeno l'Autore, che merita tutto tondo un applauso di grata originalità, pensava di avere “colpito”, ognuno di noi sarà d'accordo con i contorni irregolari, con le parole e i colori oppure ritroverà il gusto di misurarsi in una critica che, se scevra da pregiudizi per “partito preso”, sarà non solo accettata ma magari meditata e adottata ed ulteriore motivo di crescita personale e collettiva». (Domenico Di Stefano)

Scheda Tecnica

Titolo: Nodi Irrisolti
Artista Roberto Acciarri

Testi Domenico Di Stefano

Dal 11 al 26 Febbraio 2012

Orari di Apertura:
Sabato 11 - 18.30-20.30 - Inaugurazione
Domenica 12 - 17.00-20.00
Venerdì 17 - 21.00-23.30
Sabato 18 - 16.00-19.30
Venerdì 24 - 21.00-23.30
Sabato 25 - 16.00-19.30
Domenica 26 - 17.00-20.00

Location: Sala Kursaal - Viale Cristoforo Colombo – Grottammare (AP)

Info
tel 0735.739240
email: info@robertoacciarri.it
web http://www.robertoacciarri.it/

ufficio stampa Dario Ciferri

OLTRE la PIETRA

2012-02-07T02:55:00.000-08:00

Giovedì 9 febbraio, alle ore 16.30, nella sala Murat di Bari, s’inaugura la mostra "Oltre la pietra", organizzata dalla Regione Puglia, grazie al Supporto operativo dello Sprint (lo Sportello regionale per l’internazionalizzazione delle imprese), coordinato dal Servizio Internazionalizzazione e, in esposizione, fino al prossimo 26 febbraio.

Il vernissage vedrà la presenza della vicepresidente e Assessore allo Sviluppo Economico Loredana Capone. La Regione Puglia, sempre più impegnata a spingere le imprese del lapideo a sperimentare nuove tipologie di lavorazioni della pietra, quindi, ad innovare la propria produzione anche attraverso collaborazioni con esperti di settore ha, infatti, deciso di avviare questo nuovo percorso che, oltre il momento espositivo, si svilupperà in un incontro con una delegazione di operatori tedeschi del settore del lapideo per favorire le relazioni commerciali anche con la Germania. La mostra racconterà la produzione ed estrazione dei materiali lapidei in terra di Puglia, attraverso campioni di marmi, elementi semilavorati scolpiti con grande tecnologia ed innovazione, ed oggetti di arredo, come tavoli, lavabi, sedute e volumi di decoro, progettati da architetti e designer, che hanno disegnato e collaborato a stretto contatto con le aziende locali, dando vita a sculture accattivanti e conferendo alla "pietra", sinonimo per eccellenza di rigidità e durezza, armonia e leggerezza da annoverare non soltanto come struttura "portante", ma anche come elemento di design ed arredo d’interno. Testi, immagini e grafici, si riveleranno esprimendo i valori della produttività regionale, le tipologie, e di quanto fin ora realizzato per questo settore di punta dello sviluppo regionale, in sinergia con il distretto del lapideo pugliese. Inoltre, ma non per ultimo, l’esposizione sarà arricchita da alcuni scatti fotografici di artisti di fama internazionale, fotografi che hanno fatto della loro capacità di riprendere gli spazi e le strutture, un punto di riferimento importante per la propria ricerca e, dunque, sono considerati prevalentemente fotografi delle architetture. Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Gianni Berengo Gardin, Luca Campigotto, Ferdinando Scianna chiamati dalla Regione Puglia a compiere un nuovo viaggio in Puglia, un viaggio tra le pietre e i monumenti. E proprio sulle pietre di Puglia si sono espressi in tanti, studiosi e architetti di fama nazionale ed internazionale. Tra tutti, Renzo Piano, che l’ha definita una pietra che vive, anzi, che prende vita improvvisamente, sia che venga usata convenzionalmente, o come pietra per pavimenti. […]Una pietra che ha dentro la luce, che ha vita. Penso, soprattutto alla pietra di Lecce, che si scopre negli edifici barocchi del centro storico: io non ho mai visto nella mia vita un fenomeno come quello del barocco leccese, che è un barocco fatto di superfici tranquille, calme, di pietra molto chiara, molto luminosa, che improvvisamente si increspano come la superficie del mare[…] Certe pietre, poi, come ad esempio la pietra leccese, il calcare della terra di Bari, la pietra d'Apricena a Foggia, la breccia corallina di Casteldelmonte, il Mazaro di Gravina raccontano storie diverse, storie di materiali, e quindi di superfici, di facilità o meno di lavorazione; ciascuna di queste pietre suggerisce la dimensione di un differente sistema costruito. Ricomporre le diverse caratteristiche dei materiali vuol dire ricondurre le costruzioni al proprio territorio, ma anche riconoscere la particolare materia di ogni monumento, la sua identità, il suo dialogo con altri edifici e nel territorio. E’ interessante, in questo senso, lo sguardo degli artisti coinvolti. Le città di Basilico, ad esempio, sono in genere spazi vuoti, siano esse quelle bombardate dell'est del Mediterraneo, quelle statunitensi o quelle di altri luoghi dell'Occidente, sono città dense di potenziale, sospeso racconto. Berengo Gardin suggerisce una narrazione che è insieme globale e quindi fuori dei generi, per cui è difficile cogliere nelle sue immagini uno stacco fra figure e vedute di paesaggio, figure e architetture, proprio perché la sua scelta è per una raffigurazione complessa, ricca di riferimenti antropologici. Scianna sviluppa un’attenzione nuova al racconto, costruisce foto, per lo più a colori, che rendono la dimensione degli eventi e non si sofferma sui singoli edifici, sulle singole strutture, vuole che esse siano sempre vive, animate, fortemente presenti. Campigotto propone un’analisi delle strutture, degli spazi esterni ed interni che appare esemplare. Artisti meravigliosi che contribuiscono, con le proprie visioni, a dare ancora più lustro ai gioielli del territorio pugliese. "Una mostra che racconta una Puglia inedita – afferma la vicepresidente della Regione Puglia Loredana Capone - che non è solo quella dei monumenti bellissimi, ma anche quella delle cave da cui si estrae un prodotto che, oggi, si presenta come elemento d’arredo e come una nuova opportunità, nello scenario internazionale, di sviluppo e occupazione. Sono aumentati in maniera straordinaria i dati dell’Export, siamo presenti negli Emirati Arabi, nel bacino del Mediterraneo, perfino in Giappone. E alla fine di questo percorso incontreremo una delegazione di operatori tedeschi del settore del lapideo per favorire le relazioni commerciali anche con la Germania. Siamo convinti che il nostro prodotto sia eccezionale e che, in questo caso, la fotografia e l’arte possano rappresentare un importante strumento di promozione di un territorio che ha deciso di investire sulla pietra per generare un nuovo percorso".

Fonte: http://www.regionenotizie.info

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Amalia Di Lanno

"RUAD ENSEMBLE" nell'evento-performance"INNER RUAD"

2012-02-07T01:44:00.000-08:00

DOMENICA12 FEBBRAIO ORE 19,30
PRESSO LA GALLERIA D’ARTE CONTEMPORANEA GLOBALART
VIA UGO FOSCOLO 29 NOICATTARO
ALL'INTERNO DELLA PERSONALE DI LUISA VALENZANO"INNER SIDE" A CURA DI ROSA DIDONNA

" RuaD Ensemble nell’ evento-performance “Inner

PRESENTA Rosa Didonna

INTERVIENE LUIGI MASTROMAURO - prof. di pittura all'acc. di belle arti di Bari

RUAD LIVE

Storie e ballate fra tradizione e psichedelia, evocazioni sonore antiche, risonanze elettriche, visioni di un rito che si ripete..

Antonella Lacasella - voce e chitarra acustica
Gigi Ferri - chitarra acustica, banjo, bouzouki, ukulele
Francesco Nitti - basso acustico
Beatrice Birardi - percussioni, glockenspiel
Mimmo Ferri - pianoforte, tastiere

Storie e ballate fra tradizione e psichedelia, evocazioni sonore antiche, risonanze elettriche, visioni di un rito che si ripete.
La Psichedelia deriva dal greco (psiché - anima) e (delos - manifestare, rivelare).
La nascita del termine è recente, negli anni ’60 e ’70, ma il suo significato è antichissimo e probabilmente risale fino sorgenti della musica.
Inevitabile il richiamo al cantautore Fabrizio De Andrè che con le sue storie e ballate raccontava di uomini particolari, se non per estrazione sociale sicuramente per vissuto e passioni, vizi, contrasti interiori e del dolore nelle loro implicazioni negative ma anche positive, in quanto sentimenti forti in grado di scuotere l’animo degli uomini e di aprire loro nuove strade e prospettive.
Quindi, in sostanza, la psichedelia è esplorazione e osservazione del proprio spazio interiore attraverso la musica. Una musica che è compenetrata da elementi di spiritualità, psicologia e misticismo.
Perciò non si tratta né di un genere, né di uno stile. Non appartiene a nessun particolare tipo di musica e nemmeno a un particolare periodo storico. Essa si può definire un’attitudine musicale in cui ci si propone di modificare la percezione abituale allo scopo di raggiungere livelli più profondi di coscienza. E questo vale per chi suona e soprattutto per chi ascolta.
Vortice di ritmiche fortemente aderenti alla performance Inner Side che
Rosa Didonna collega ad una vita movimentata come poche, vissuta intensamente e senza sosta attraverso una psichedelica di moti, di magia della vita fortemente narrate nelle opere di Luisa Valenzano: Senza peso, Travaglio, Taglio, descrivono con una sola parola la complessità di una storia, una vicenda personale che si eleva ad universale. Il suono che richiama il travaglio, l’attimo di incertezza e dolore che precede la creazione di un’opera da parte dell’artista, intenta a trascinare un pennello su una tela bianca provocando un suono che richiama il travaglio, l’attimo di incertezza e dolore che precede la creazione di un’opera. il Taglio della tunica che lascia scoperta la pancia dell’Artista, elemento centrale che svela il ruolo principale della donna. Il velo che la Divina taglia è la cecità, e permette all’Artista di dar forma a pensieri, emozioni e vite personali e universali partorendo idee che realizza attraverso il segno e il colore. Inner Side, colore è Vita. Dai moti dell’anima nasce una nuova creatura, l’opera d’arte. Dall’interno chiuso e solitario di una donna, una nuova vita incontra altre vite, uomini, donne, giovani, adulti … l’esistenza diventa gioia, grazie all’incontro con questi altri, con la loro diversità.

La mostra sarà visitabile fino al 19 Febbraio 2012. Orari 10-12 e 17-20.(Tel. 080/4782863 Cel. 347/1843201).

Galleria GLOBALART Noicàttaro (BA), via Ugo Foscolo 29.

Segrete Consonanze

2012-02-07T01:36:00.000-08:00

Auditorium di Milano largo Gustav Mahler Milano (MI)

giovedì 2 febbraio ore 18.30

Aperta nei giorni dell’attività concertistica fino al 26 febbraio

ingresso libero a cura di Roberto Mutti

Dal 2 al 26 febbraio 2012 all’ Auditorium di Milano, largo Gustav Mahler , sarà aperta al pubblico la mostra fotografica “Segrete Consonanze” di Francesca Morigi, a cura di Roberto Mutti “Segrete Consonanze” Pur rivestendo una grande importanza pari a quella di chi, suonandoli, ne sa esaltare le caratteristiche, gli strumenti musicali raramente appaiono ai nostri occhi come gli autentici soggetti che pure sono.

Chi c'è li fa scoprire come tali è Francesca Morigi ed è quasi inevitabile che sia una fotografa a rivelarci questo mondo perché anche lei usa, come prosecuzione del suo sguardo, uno strumento, la fotocamera. E’ grazie alle sue immagini che possiamo entrare in un piccolo universo delle meraviglie che ora appare in un affascinante percorso esposto all’interno dell’Auditorium di Milano cioè nel luogo ideale in cui fotografia e musica possono incontrarsi dialetticamente.
Autrice capace di osservare la realtà con sguardo penetrante per coglierne le sfumature più nascoste, Francesca Morigi evita volutamente la prevedibilità di un realismo descrittivo: così, quando osserva un violino, un oboe d’amore, un clarinetto non li considera degli oggetti, piuttosto delle occasioni che le consentono di misurarsi con l’armonia nascosta che governa il mondo. Quando si sofferma sulle venature del legno, quando esalta la brillantezza della superficie degli ottoni, quando osserva con prospettive audaci le corde tese sul ponticello che sembrano attraversare lo spazio saettando, la fotografa si richiama alla cultura artistica da cui trae ispirazione, mostra la sua grande passione per la musica ma soprattutto rivela frammenti del suo mondo interiore fatto di intuizione e sensibilità.

“Segrete Consonanze” – questo il titolo della mostra curata, come l’omonimo catalogo che la accompagna, da Roberto Mutti – è quindi un viaggio alla scoperta del rapporto tenace e sotterraneo che lega profondamente fotografia e musica. Le quaranta immagini che compaiono come citazioni in diversi punti dell’Auditorium a far da corollario alla mostra presentata nello spazio espositivo adiacente al bar, sono accompagnate dal video “Fiato Sospeso” con cui Fabrizia Mutti interpreta le fotografie di Francesca Morigi in una inedita e affascinante prospettiva narrativa.
Dopo essersi diplomata in lingue straniere, Francesca Morigi (Milano, 1971) inizia giovanissima una collaborazione con un'importante griffe di alta moda, che la porterà a vivere in città quali New York, Parigi, Londra a contatto con realtà che saranno fondamentali per la sua formazione estetica e personale. Da sempre affascinata dall’arte in tutti i suoi aspetti, trova infine nella fotografia lo strumento più adeguato ad esprimere la sua intensità espressiva.
Al lavoro commissionato nel settore pubblicitario accosta una più intima ricerca personale che l’ha portata nel 2010 a realizzare la sua prima personale Sanremo, non come si sa che sono, accompagnata dall’omonimo volume.

Inaugurazione giovedì 2 febbraio ore 18.30

Aperta nei giorni dell’attività concertistica fino al 26 febbraio
A cura di Roberto Mutti

Catalogo in vendita in mostra

PER ULTERIORI INFORMAZIONI:
ufficiostampa@fotografiamorigi.it

www.fotografiamorigi.it

Fonte: http://infomostreitalia.blogspot.com

Segnala:

Amalia Di Lanno

Studio 420 :: Gallery of Art - Temple University Rome ::

2012-02-07T01:02:00.000-08:00

INAUGURAZIONE - MARTEDI 7 FEBBRAIO 2012 ore 19

orario: da martedi a venerdi 10-19Mostra: “Studio 420”

Gli artisti partecipanti:

ENRICO BECERRA, STEFANO BOLCATO, SILVIA CODIGNOLA, FLAVIA DODI, TERESA MEROLLA, SABRINA ORTOLANI, MICHEL PELLATON, LUIS SERRANO, MARCELLO TOMA

Inaugurazione martedì 7 febbraio, e fino al 24 febbraio 2012a cura di Shara WassermanCon la mostra Studio 420, la Gallery of Art continua la ricerca sugli “edifici di artisti,” luoghi dove, in un singolo edificio, artisti hanno studi o dividono spazi lavorativi.

Questa ricerca è iniziata con la mostra Via Arimondi, continua con Studio 420, e si approfondisce nelle prossime mostre con altre situazioni romane.La mostra Studio 420 presenta una selezione di opere di nove artisti che lavorano nella sede dell’Istituto Paritario E. Tozzi, sulla Circonvallazione Gianicolense, occupando le aule del secondo piano.Già presentati al pubblico in alcune singole serate di studi aperti, questa mostra offre la prima visione di unità degli artisti . Indipendenti nella loro ricerca di stile, espressione e materiale, non formano un gruppo stilistico ed espressivo. La mostra cerca di sottolineare il legame artistico, lo scambio di idee, il forte senso di reciproca ricerca che unisce i protagonisti. Attraverso questa rassegna viene espressa la vera essenza della creatività, in quanto risultato dell’esperienza umana.

Info: http://pianocreativo420.blogspot.com/

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Amalia Di Lanno

TRASPARENZE

2012-02-07T00:16:00.000-08:00

Palazzo Barone Ferrara Banca Apulia, Corso Vittorio Emanuele n.112, Bari, Italy

Il titolo della mostra è: "TRASPARENZE", a sottolineare il filo conduttore che unisce l'ultima collezione di gioielli di Rosa LADISA, basata su nuovi supporti in plexiglass e policarbonato, e le foto di Nico NARDOMARINO, in cui i riflessi dell'acqua fanno da cornice a splendide modelle.

Il magico effetto dei gioielli, in cui le forme e i colori delle pietre e dei metalli preziosi appaiono come sospesi grazie alla trasparenza delle nuove basi, si integra perfettamente con la diafana atmosfera tratteggiata dalle opere fotografiche, dove l'eleganza e la bellezza femminile si immergono in delicati giochi d'acqua.L'inaugurazione sarà preceduta dalla presentazione a cura della Consigliera di Parità della Provincia di Bari, Avv. Stella Sanseverino.Partecipano all'evento Angarano Gioiellieri e l'associazione culturale DireFareGustare, di Mara Battista e Angela Giorgio.

Durante la serata inaugurale abbiamo il piacere di ospitare Mauro Di Leva che scatterà fotografie alle gentili ospiti che vorranno posare indossando i gioielli di Rosa Ladisa.

Alcune di queste foto verranno selezionate per far parte del nuovo book fotografico a cura di Mauro Di Leva.

La mostra resterà aperta dal 7 al 15 Febbraio, dalle 9:30 alle 13:00 e dalle 15:30 alle 20, escluso Sabato e Domenica.

Ingresso libero.

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Amalia Di Lanno

OMBRE CELESTI_Francesco Porcelli

2012-02-06T06:29:00.000-08:00

Ombre Celesti

Mostra personale di Francesco Porcelli

a cura di: Roberto E.M. Mazzarago, Enrica Attimonelli

Critica a cura di:Nicola Silvestri

NULLA DIES SINE LINEA *Il disegno è la più diretta e immediata forma di espressione, la più vicina al “concetto”.Esso presiede anche alla genesi e segue costantemente l’evoluzione delle varie forme di scrittura.Sarà per questo che la grafica di Francesco Porcelli assomiglia incredibilmente ad una pagina di prosa.Le dieci opere presenti rivelano uno sguardo impassibile sulla realtà, irresistibilmente attratto dalle linee di confine tra terra e mare, tra terra e cielo, in un’ atmosfera sospesa, arida e desertica che sembra promettere la rivelazione del noumeno, la realtà in sé, disadorna ma essenziale.Nasce da questa attesa fervida la pietà per ciò che si scorge : vaste e serpentine fasce di detriti, residui di una presenza umana ormai svanita col suo carico di disillusione, un paesaggio maculato di rovine industriali che infetta le profonde ferite inferte alla Madre Terra. Laggiù il cubo di una rimessa assediato da una luce cruda dentro il quale palpita un’ ombra scura e fresca; più oltre un sito scabro punteggiato di incongrui arbusti fossili, appare simile ai paesaggi delle carte lunari, al centro del quale si leva lo stelo di un palo solitario.L’uomo è assente, parlano di lui i fitti segnali della sua presenza : la minacciosa e sgangherata selva di antenne puntata verso il cielo che sembra alludere alla ricerca di un’ altra possibilità dell’essere, non più nella Natura.Si distinguono appena gli aulici relitti architettonici posti programmaticamente sullo sfondo a significare l’improbabilità di un ritorno; dialogano con loro, in primo piano, massi erratici composti in suggestivi gruppi, cosparsi di ciarpame da discarica, cespugli e arbusti stentati, pietrisco frantumato e rimescolato dagli elementi, prosciugato. Porcelli evita, però , la retorica pop di tanta contemporaneità , non si abbandona all’ estetica variopinta e ammiccante dell’ arte del riciclo ma affoga tutto nel severo monocromatismo dell’ acquaforte, del carboncino, della grafite.E’ un narratore che non si compiace mai né intende compiacere, preferisce registrare meticolosamente , sembra tenere un diario, a cui giorno per giorno aggiunge una linea : nulla dies sine linea, un esercizio quotidiano che oltre a rivelare l’aspirazione alla verità dichiara il progetto dell’artista tutto compreso nella tensione al progresso, verso la maturità formale.Se per introdurre la peculiarità della produzione grafica del nostro ho utilizzato la categoria della prosa, mi sarà concesso recuperare quella di poesia per commentare la serie di nove dipinti presentati contestualmente.Come sempre è avvenuto nella tradizione dell’ arte occidentale, il disegno, al servizio di tecniche artistiche più sofisticate come il mosaico o la pittura, è destinato ad andare perduto, ad assolvere in realtà quella funzione di ossatura della figurazione, di supporto plastico del colore, di struttura della composizione .L’ opera pittorica che Porcelli presenta in questa personale sembra voler documentare una transizione : dalla lucida acribia del segno grafico limpido e netto al tocco espressionista che lo contamina all’ apparire del colore, prima entro i contorni ancora visibili del disegno poi unico strumento espressivo, finalmente libero di reclamare per sé il ruolo primario di sostanza, perché in questi dipinti il colore non colora ma costruisce la forma, riflette la luce non lasciandosene intridere. La severa scelta dello schema cromatico freddo enfatizza il risultato smaltato e compatto di alcune composizioni che fanno pensare alla pittura di macchia ma Il processo una volta avviato non si arresta e presto i volumi si sfocano, dissolvendosi, dilavandosi fino ad assumere un aspetto fantasmatico : solenne / elusivo, lirico / allusivo; poetico .I temi affrontati nei dipinti sono ad un dipresso gli stessi della grafica, a tratti i medesimi che si ritrovano a dialogare tra loro, contendendosi un primato che forse semplicemente non esiste o l’ artista non è per nulla interessato ad assegnare.E’ programmatica la preferenza accordata ai pomeriggi di luce abbacinante, spazi deserti contengono mare, cielo, lembi di terra sui quali si riversa una solida massa luminosa che invece di rivelare sembra impedire, con la compattezza della radiazione, ogni possibile comprensione. E’ quella luce farneticante che il Sud ben conosce che scolorisce i fiori e ingiallisce il verde, un furore energetico che ha come ineluttabile esito la morte.Le rovine post-industriali vengono qui inquadrate con decisione, campeggiano al centro delle composizioni, alcune sembrano atteggiarsi come edifici sacri distendendo orgogliosamente le ampie navate che per un lungo periodo hanno accolto le quotidiane liturgie in onore della produzione, del progresso, oggi deserte. Emerge infine la fisionomia di un autore padrone di tecniche ma intenzionato a non vincolarsi a nessuna; il ritratto di un artista giovane, austero e riflessivo che conduce una promettente ricerca formale e che si interessa del mondo cercando di conoscerlo e forse di amarlo.

*La locuzione latina NULLA DIES SINE LINEA, tradotta letteralmente significa:” nessun giorno senza una linea” (Plinio il vecchio, Storia Naturale, 35). La frase è riferita al celebre pittore Apelle, che non lasciava passar giorno senza tratteggiare col pennello qualche linea. Nel significato comune vuole inculcare la ne-cessità dell’esercizio quotidiano per raggiungere la perfezione e per progredire nel bene.

Info: lemusegiovani@gmail.com

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Amalia Di Lanno

Il Guggenheim

2012-02-06T04:40:00.000-08:00

L'avanguardia americana 1945-1980. Dipinti, sculture, fotografie e installazioni che illustrano gli snodi principali dello sviluppo dell'arte americana. La mostra riflette anche sull'evoluzione del Guggenheim mettendo in evidenza opere decisive di Jackson Pollock e Arshile Gorky appartenenti alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, o il Barge di Robert Rauschenberg del Guggenheim Museum Bilbao.

a cura di Lauren Hinkson Il Guggenheim. L’avanguardia americana 1945–1980 illustra gli snodi principali dello sviluppo dell’arte americana in un periodo di grandi trasformazioni nella storia degli Stati Uniti: un’epoca segnata da prosperità economica, rivolgimenti politici e conflitti internazionali, oltre che da progressi sostanziali in ambito culturale. La mostra prende le mosse dagli anni immediatamente successivi alla seconda guerra mondiale, quando gli Stati Uniti si affermarono come centro globale dell’arte moderna e l’ascesa dell’Espressionismo astratto iniziò ad attrarre l’attenzione internazionale su una cerchia di artisti attivi a New York. A partire da quel momento, nell’arte americana si assiste a una straordinaria proliferazione delle pratiche estetiche più diverse: dall’irriverente entusiasmo della Pop art per l’immaginario popolare fino alle meditazioni intellettualistiche sul significato dell’immagine che caratterizzano l’Arte concettuale negli anni sessanta; dall’estetica scarnificata del Minimalismo alle sgargianti iconografie del Fotorealismo negli anni settanta. Pur producendo opere profondamente diverse tra loro, tali movimenti furono accomunati da un impegno sostanziale ad indagare la natura intrinseca, il senso e le finalità dell’arte. Nel prendere in esame quest’epoca cruciale per la storia dell’arte americana, la mostra rivela anche il ruolo svolto dal Solomon R. Guggenheim Museum nel dar forma a quegli sviluppi grazie al costante sostegno offerto agli artisti emergenti. I dipinti, le sculture, le fotografie e le installazioni in mostra, provenienti in primo luogo dalla collezione permanente del museo di New York, rappresentano gli interessi specifici dei singoli curatori, collezionisti e studiosi che hanno promosso l’arte contemporanea del loro tempo, lasciando la loro impronta sull’istituzione. Il percorso espositivo riflette inoltre l’evoluzione del Guggenheim, da vetrina dedicata alla pittura astratta europea a centro internazionale di riferimento per l’arte moderna e contemporanea. Uno sviluppo messo in particolare evidenza dalla presenza di opere decisive di Jackson Pollock e Arshile Gorky appartenenti alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, e dello spettacolare Barge [Chiatta] (1962–63) di Robert Rauschenberg, dal Guggenheim Museum Bilbao.

Informazioni e prenotazioni singoli e gruppi tel. 06 39967500 scuole tel. 06 39967200

Pierreci pierreci@pierreci.it

Catalogo Skyra Immagine: Clyfford Still, Jamais, maggio 1944. Olio su tela 165,2 x 82 cm, The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Venezia

Uffici stampa Azienda Speciale Palaexpo Barbara Notaro Dietrich

tel 06 48941212 b.notarodietrich@palaexpo.it - Piergiorgio Paris tel 06 48941206 p.paris@palaexpo.it - Dario Santarsiero tel. 06 48941205 d.santarsiero@palaexpo.it

Conferenza stampa di presentazione lunedì 6 febbraio ore 11.30

Inaugurazione 6 febbraio

Palazzo delle Esposizioni via Nazionale, 194 Roma

Orari: Martedì, mercoledì, giovedì: 10.00 - 20.00. Venerdì, sabato: 10.00 - 22.30. Domenica: 10.00 - 20.00. Lunedì: chiuso Biglietti: intero € 10, ridotto € 8,50, scuole € 4,00 per studente dal martedì al venerdì (esclusi i festivi), minimo 10 massimo 25 studenti. Per i gruppi e le scolaresche la prenotazione è obbligatoria Il biglietto è valido per tutte le mostre in corso.
Palazzo delle Esposizioni

Roma
via Nazionale, 194
06 39967500

Il Guggenheimdal 6/2/2012 al 6/5/2012

Fonte: http://www.undo.net

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Amalia Di Lanno

LA VERITA' E' NUDA; MA SOTTO LA PELLE GIACE L'ANATOMIA

2012-02-06T00:32:00.001-08:00

Onepieceart di Olimpia Orsini, Via Margutta 53b Roma

Onepieceart di Olimpia Orsini presenta:La verità è nuda; ma sotto la pelle giace l'anatomia # 1 e # 2

Testi critici di Barbara Martusciello

La mostra è in collaborazione con Takeawaygallery

Schede di Carlotta Monteverde.

Claudio Abate, Nobuyoshi Araki, Elisabetta Catalano, Mimmo Cattarinich, Giovanni Cozzi, Angelo Cricchi, Sandro Fogli, Irina Ionesco, Nino Migliori, Euro Rotelli, Jan Saudek, Pino Settanni, Alessandro Valeri, Fernanda Veron, Joel Peter Witkin.

La mostra propone opere fotografiche che mettono in scena il corpo e la sua nudità attraverso non solo la sensualità delle forme, l’erotismo che si rivela da trasparenze e controluce quanto, piuttosto - seppure tramite questa inevitabile qualità erotica -, quell’autenticità del carattere, del desiderio e di genere del corpo esibito. La frase, una citazione da Paul Valéry, scelta da Barbara Martusciello come ideale commento della collettiva, accompagna la lettura dell’esposizione che trae sostanza poetica proprio dalla ricerca di quella pelle sotto la pelle che la Fotografia sembra celare e allo stesso tempo proteggere sulla superficie delle sue stampe, così come pare siano intenti a fare gli stessi soggetti in esse raffigurati.

Prima inaugurazione _ # 1: venerdì 24 febbraio 2012, h 18

Seconda inaugurazione _ # 2: sabato 24 marzo 2012, h 18

Onepieceart di Olimpia Orsini Via Margutta 53b, 00187 RomaTel./fax: +39 06.32.65.19.09 M.1: +39 347 52 07 567; mail: onepieceart@libero.it

www.onepieceart.com/takeawaygallery@gmail.com

Orari: da martedì a venerdì 11:00 - 13:00 / 17:00 - 19:30; sabato 10:30 - 13:00.

Metro A fermate: Flaminio oppure Piazza di Spagna. Bus vari; area Taxi Piazza di Spagna, Piazza del Popolo.

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Amalia Di Lanno

"Sognai che sognavo un sogno" mostra di Claudia Zuriato

2012-02-06T00:28:00.000-08:00

La Bugno Art Gallery è lieta di ospitare la mostra, a cura di Antonio Arévalo, "sognai che sognavo un sogno" dell'artista veneziana Claudia Zuriato.Questa la sua terza mostra personale in galleria.

La prima, in concomitanza con la partecipazione alla rassegna OPEN "immaginaire féminin", alla cui opera il curatore Pierre Restany assegnò il Premio Internazionale D'Ars. Da quel settembre 2002 , la Bugno Art Gallery ha presentato tre personali che hanno testimoniato il percorso creativo di Claudia Zuriato, dall'astrattismo assoluto, al figurativo quasi mistico e surreale: pensieri, anzi "sogni", sempre tradotti sui supporti (tele, tavole, carte) con un "graffiante" segno al bulino e la capace mescolanza ai colori di fondo di patine opache e lucide, resine e vernici che lei stessa "alchemicamente" inventa di volta in volta.
Dopo l'esperienza a Parigi del 2010 (residenza e borsa di studio alla Citè Internationale des Arts) e una serie di mostre in diverse città europee, San Pietroburgo, Helsinki, Salisburgo, etc., ritorna ad esporre a Venezia, la sua città natale, e nell'occasione presenterà in galleria una serie di nuovi lavori ed un'installazione site - specific.

In questa mostra ci troviamo davanti una molteplicità di interessi che l'artista ha maturato nella consapevolezza del proprio tempo, scrive nel catalogo il curatore Antonio Arévalo, il linguaggio che lei rappresenta echeggia una nuova espressività iconica, una celebrazione continua della memoria.

Una serie d'immagini che ritraggono inedite connotazioni allegoriche e sottolineano la simbolicità evocativa, le idee di accelerazione e sospensione del tempo, seppur legate alla definizione dei soggetti e alla risoluzione formale, sono costantemente indirizzate verso un'attenzione che oltrepassa il dato reale per condurre ad una riflessione su finzione e verità nata da una profonda suggestione letteraria; di fatto s'inscrivono nella poesia della femminilità che l'artista veneziana ricerca tramite la forza iconografica del suo mondo di favole contemporanee, così come attraverso i segni incisi, che emergono dalle superfici scalfite da un bulino, sulla memoria dell'infanzia e gli aspetti dei più diffusi luoghi mentali, contribuendo così a sottolineare un non senso spesso mutuato dalle icone colorate.
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CLAUDIA ZURIATO sognai che sognavo un sogno
a cura di
Antonio Arévalo
Opening: venerdi, 10 febbraio, 2012 ore 18.00
10 febbraio > 26 febbraio 2012
Bugno Art Gallery
30124 Venezia . San Marco, 1996/D
+39 041 5231305
info@bugnoartgallery.it

www.bugnoartgallery.it

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Amalia Di Lanno

PRIMA Esposizione ed Esibizione ARTISTICO FOTOGRAFICA

2012-02-06T00:10:00.000-08:00

CASCINA ADA con il patrocinio della Provincia di Varese e del Comune di Ispra

PRESENTA:PRIMA ESPOSIZIONE ED ESIBIZIONE ARTISTICO FOTOGRAFICA 2012

Il 18 e 19 Febbraio 2012 si terrà la presentazione di Cascina Ada: un nuovo spazio di libero confronto artistico ad Ispra (Va). La struttura sarà sede di una serie di incontri, aperta ad idee giovani ed innovative nel mondo della fotografia e non solo. Di volta in volta si organizzeranno mostre, workshop ed incontri nei quali ci si potrà liberamente confrontare. In occasione di questa inaugurazione 10 artisti presenteranno un proprio progetto: 8 fotografi, 1 danzatrice ed 1 musicista.

GLI ARTISTI:Anita Brandolini presenta: “A piene Mani ” - intervento di danza aerea su tessuti - Mani che si schiudono a ricercare un’autenticità dimenticata attraverso tocchi leggeri, decisi, netti, taglienti e ancora fragili, in un lento e vivo riaprirsi allo stupore. A piene mani sfiorare superfici familiari e accorgersi di non averle mai sentite così vere fino a quel momento. Lasciar scivolare le dita lungo metri e metri di mondo fato di pelli, granelli, terre umide o arse acque in forme diverse. Mani spalancate e tese, distese, protese, contese, offese, riprese, decise a non cadere nell’anonimato di un corpo-oggeto inamidato di inibizioni. A piene mani come a voler afferrare con slancio la verità delle cose, delle case, la verità del contato con altre mani per scambi salvifici di umanità. Una riscoperta tattile di gesti semplici o semplicemente incorruttibili. Mani aggrappate a un filo di speranza e di credo nella consistenza inconfondibile e meravigliosa della natura di cui fanno parte. Mani che percorrono, scorrono e soccorrono, mani che proiettano e guidano un movimento il più possibile sciolto da pregiudizi e timori. Mani tra mani, innesti di condivisione per primavere venture. A piene mani, inalando e diffondendo solo grammi di vita”.

Matteo Bonetti trentino di nascita e milanese d’adozione, proprio l’anno scorso ho raggiunto il traguardo degli enta. Adoro il filetto al pepe verde con buon vino rosso. Mi piace leggere le persone, ascoltarle, capirle e fissare un attimo della loro vita in uno scatto.“La potenza è nulla senza la fotografa”. Sito web: www.feophotofactory.com

Fabio Interra “L'arte e la creatività connessa allo studio dell'immagine mi hanno da sempre affascinato. Ho una predisposizione artistica maturata sin da giovane quando ho cominciato a disegnare i personaggi dei cartoni animati. Successivamente sono passato alla realizzazione di quadri più elaborati e concettualmente più sviluppati, maturi, grazie anche alla partecipazione di diversi corsi per il perfezionamento delle tecniche pittoriche.Esauritosi l'estro della pittura, ho deciso di approfondire il mondo della fotografa, una delle mie passioni artistiche più forti, iscrivendomi ad una scuola serale: l'Istituto Italiano di Fotografa di Milano. La mia più grande aspirazione è quella di diventare un fotografo professionista e avere uno spazio tutto mio”. Sito web: www.fabiointerra.it

Matteo Bonetti e Fabio Interra presentano: “Contro Versi” "Parole e immagini non sono solo accostate, ma si fondono su un terreno comune, quello del corpo, dando vita a un nuovo linguaggio. “ControVersi” è un grido soffocato ma non per questo meno udibile, che parla di una verità per molti ancora scomoda da accettare. I muri fisici sono crollati da trent’anni ma quelli mentali forse non sono mai caduti: è il momento di aprire gli occhi, la mente e il cuore. "

Roberto Caielli è fotografo e stampatore fine art professionista. Nato nel 1973, laureato con lode in lettere all'Università di Pavia, si è specializzato "sul campo", con i principali maestri del settore, in fotografa digitale e stampa fotografica fine art. Le sue stampe realizzate per importanti fotografi italiani e non solo, come pure le sue fotografe frutto di una personale ricerca sul linguaggio fotografico, appaiono in numerose collezioni private e pubbliche e sono state esposte in Italia e all'estero (si ricordano le rassegne personali “Le pays des reines”, a Grimentz, Vallese, Svizzera, “Il tempo a Casa Colombo” a Valverde, Catania, “Autoritratto di lago” a Biandronno, Va insieme a Davide Niglia e Associazione Remolungo). Ha pubblicato inoltre numerosi libri fotografici e di carattere letterario. Lavora nel suo laboratorio di stampa fine art di Daverio (Va), divenuto in breve per i fotografi un luogo di confronto culturale e di riferimento per le innovative tecniche di stampa fine art in camera chiara. Sito web: www.robertocaielli.it

Luca Giaretta è un viaggiatore. La sua macchina fotografica è lo strumento per vedere ed interpretare il mondo, le persone e le culture. è lo strumento per relazionarsi, parlare tutte le lingue, fare amicizia, rompere il ghiaccio, unire, regalare sorrisi e guardare dritto in fondo al cuore. Le sue fotografie sono il mezzo per un viaggio interiore: ricerca lo sguardo, gli occhi, la naturalezza, la vita. Cerca sé stesso nei popoli che incontra. Adora l'oriente, a cui si è dedicato per anni fino a quando ha trovato il coraggio di affrontare il sogno africano. Presenta "Pupillae", un progetto che nasce dal suo primo viaggio in Etiopia, tra le remote tribù della valle dell'Omo Pupilla è la piccola “pupa” - la piccola “bambola” - la propria immagine riflessa negli occhi di chi guardiamo da vicino, il piccolo riflesso del fotografo negli occhi del soggetto: rivela un ritratto intimo e personale, eseguito da vicino, frutto della stretta interazione fotografica che stabilisce con persone estremamente diverse ed incredibilmente ricche. "Pupillae" è al contempo simbolo del rapporto con la persona fotografata e metafora della ricerca di sé stessi attraverso la conoscenza degli altri.

Giuseppe Grasso nato nel 1976 è da sempre un creativo e un fotografo che vive di passione per tutto quanto è creatività e comunicazione visiva. Passando attraverso gli studi d’arte inizia la sua carriera fotografica come assistente per poi appassionarsi alla comunicazione pubblicitaria. Dopo aver lavorato per anni in diverse agenzie pubblicitarie milanesi ricoprendo il ruolo di art director, la fotografa riappare nella sua vita aprendo le porte a una nuova visione del concetto di creatività: la fotografa artistica. Giuseppe Grasso presenta “La Malinconia”. Ci troviamo nel pieno inverno, stagione che, con il suo clima freddo e secco, meglio riflette e rispecchia questo stato d'animo. Una compagna ingombrante che quando ci assedia l’anima spegne dentro di noi ogni scintilla, impossessandosi delle nostre espressioni. Uno stato d’animo dalle mille sfumature che Giuseppe Grasso, attraverso le gesta di una figura femminile impersonale interpretata dalla bellissima modella Hedy Nerito e l'uso sapiente della cromia, racconta in 13 suggestivi scatti pregni di fascino e mistero. Sito web: www.bizarremind.com

Leone Matteo Luraghi nato a Milano il 25/06/1979 e residente nella provincia di Varese.Ha frequentato l'istituto Italiano di Fotografa e lavora come fotografo di scena e di spettacolo prediligendo il particolare,l a forma e l'espressione umana. Il suo ultimo progetto “Gli inscatolati” ha coinvolto parte della popolazione italiana e non (anche Francia e California) ritraendo persone fermate per strada e costringendola ad indossare una scatola in testa, metafora delle vita che ci circonda. In totale i ritratti sono circa 1500 e verranno tutti presentati in occasione di questa manifestazione coinvolgendo altresì il compositore varesino Fabrizio Paglionico che accompagnerà lo scorrere delle immagini presentate con un'emozionante performance improvvisata. Sito web: www.leoneluraghi.it

Davide Niglia Nato nel 1980 a Varese, ha conseguito nel 1999 la maturità presso il Liceo Artistico della stessa città. Si avvicina adolescente alla fotografa imparando da subito le basi per lo sviluppo in camera oscura, che utilizza a tutt’oggi. Suoi audiovisivi fotografici sono stati presentati alle più importanti rassegne fotografiche nazionali ed internazionali ottenendo premi ed apprezzamenti. é attualmente docente di Tecnica Fotografica e Laboratorio Fotografico presso l’ I.P.C. Giovanni Falcone di Gallarate. Una ricerca personale sul paesaggio lo ha portato a fotografare attraverso il foro stenopeico. Sue immagini fanno parte di collezioni private, tra queste l’Archivio Fotografico Italiano. Nel maggio 2011 ha esposto al MIA (Milan Image Art Fair) presso lo stand dell’Archivio Fotografico Italiano, due sue immagini della serie “Silenzi” sono state acquista dalla cantante Irene Grandi e fanno ora parte della sua collezione privata. Sito web: www.davideniglia.it

Carmen Palermo è una fotografa autodidatta. La sua ricerca fotografica è incentrata sopratutto sull'autoritratto e sul corpo femminile, temi sviluppati negli ultimi anni quasi esclusivamente attraverso la fotografa istantanea. é fondatrice, con Alan Marcheselli, del network italiano Polaroiders.it e del primo Festival della Fotografa istantanea ISO600 insieme a Manuel Colombo e Alan Marcheselli. In questa esposizione le protagoniste saranno le donne viste in brevi storie in polaroid (esposte in originale). Sito web: www.carmenpalermo.com

Fabrizio Paglionico nasce a Milano nel 1971, è pianista, musicista e psicoterapeuta. Da giovanissimo studia pianoforte classico con diversi insegnanti privati mostrando una spiccata originalità ed una vena creativa difficilmente collocabile. Frequenta poi i Civici Corsi di Jazz con il Maestro Sante Palumbo dove si specializza in pianoforte, armonia e composizione. Contemporaneamente si laurea in psicologia e si specializza in psicoterapia psicosomatica. Dal 2001 riceve privatamente per sedute di psicoterapia psicosomatica ed eroga corsi per aziende e privati su disturbi psicosomatici, change management, gestione dello stress, comunicazione.Nel corso della collaborazione con l'istituto RIZA PSICOSOMATICA realizza diverse composizioni per il rilassamento, il massaggio psicosomatico e la meditazione. In questo ambito pubblica una collana di 4 cd, denominata “Musicoterapia dei 4 elementi - musica per il rilassamento e la meditazione”. Pubblica in seguito il cd “Flos animi - musiche per l'anima da utilizzare con i rimedi floreali italiani“ per pianoforte e sintetizzatori.Collabora con pittori, terapeuti, videoartisti, fotografi, attori ed altri musicisti, alla ricerca di momenti di armonia e benessere in cui dare e ricevere emozioni. Sito web : www.fabriziopaglionico.it

GIORNI E ORARI:La manifestazione si terrà nei giorni 18 e 19 Febbraio 2012 dalle ore 14,00 alle ore 21,00. Anita Brandolini si esibirà a partire dalle ore dalle ore 17,00 di domenica 19 Febbraio.LOCATION:Cascina Ada si trova in Via Cascine ad Ispra - Va ( sarà indicata in occasione dell'evento con apposita segnaletica– la località Cascine di Ispra si trova sulla strada che collega Ispra a Brebbia).

Google Maps: http://maps.google.it/maps?q=45.826651%2C8.630609&ll=45.82649%2C8.631072&spn=0.001463%2C0.00372&num=1&t=w&vpsrc=6&z=19&iwloc=near

INFO E CONTATTI:

Leone Matteo LuraghiPhone: (+39) 345.854.169.0

Mail: leone.luraghi@gmail.com

Web: www.leoneluraghi.it

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Amalia Di Lanno

Giulia Corradetti - Artificial Nature

2012-02-05T23:40:00.000-08:00

A cura di Mirella Di Peco e Nazzareno Trevisani.
Ufficio stampa: Caterina Pellitta

La mostra inaugurerà contemporaneamente sul sito http://www.venderequadri.it/, (sezione "Tutti gli Eventi": cliccare prima su" Exhibitions" poi su "Current") dove sarà possibile scaricare il catalogo. Soggetti originali, organismi variopinti, una flora rigogliosa tra l’esotico ed il fantastico popolano le Artificial Nature di Giulia Corradetti: una realtà futuribile, dove il biologico e l’artificiale coesistono in armonia.

L’artista combina un inedito vocabolario di forme che interagiscono rispettando le leggi di un ecosistema sul confine sempre più labile tra reale e virtuale, espressione pur sempre di un ordine cosmico. L’esuberanza cromatica e compositiva evoca l’immaginario surrealista ma la messa in scena di una realtà parallela è tanto estranea ad implicazioni psicanalitiche quanto vicina alla meditazione buddista sulla sacralità di ogni essere vivente. Giulia Corradetti lavora fotografando dettagli di fiori e piante e li rielabora in digitale con un’attenzione al dettaglio caratteristica della pittura; è una scelta tecnica che le consente di esplorare la realtà con i medium distintivi dell’epoca attuale. Nelle Artificial Bubble forme organiche di varia foggia sembrano galleggiare sospese in una bolla liquida: lievi increspature iridescenti ne esaltano la consistenza tattile. Le Artificial Plant presentano una gamma cromatica brillante in un crescendo di sfumature che culmina nel monocromo del vaso. Le lumache sono le sole esponenti della fauna a noi nota e con divertita complicità intraprendono il loro cammino tra forme e colori. Attraversiamo così una galassia di momenti ludici come nell’immaginario dei bambini, che con freschezza sentimentale colgono l’essenza delle cose e crescono nell’esperienza del gioco. L’installazione Artificial Nature riporta le immagini bidimensionali del progetto ad una misura ambientale e costituisce una loro dilatazione linguistica, capace di riattivare gli spazi della galleria.

L’installazione è composta di quattro cubi sovrapposti in forma di totem, struttura archetipica che simboleggia il legame dell’uomo con la natura e le divinità. Due cubi sono i generatori immaginari di una corrente-energia che alimenta due boccioli di semi affinché essi possano fiorire, altri due presentano monitor con texture di elementi naturali, dato il rischio che l’esperienza del mondo diventi solo virtuale. Negli spazi della galleria Artsinergy siamo tridimensionalmente coinvolti nel progetto di un Artificial Nature, una natura da ammirare nella sua bellezza con rinnovato stupore, da esplorare con curiosità e da vivere nel rispetto della biodiversità.

Fonte: http://www.equilibriarte.net/

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Amalia Di Lanno

Novità in libreria: “Voci dal Lager” di Mario Avagliano - Marco Palmieri - Ed. Einaudi

2012-02-05T02:17:00.001-08:00

Autori

Mario Avagliano, giornalista e storico, è membro dell'Istituto Romano per la Storia d'Italia dal Fascismo alla Resistenza (Irsifar), della Società Italiana per gli Studi di Storia Contemporanea (Sissco) e del comitato scientifico dell’Istituto “Galante Oliva”, e direttore del Centro Studi della Resistenza dell'Anpi di Roma-Lazio. Collabora alle pagine culturali de Il Messaggero e de Il Mattino. Con Einaudi ha pubblicato: Generazione ribelle. Diari e lettere 1943-1945 (2006); Gli internati militari italiani. Diari e lettere dai lager nazisti 1943-1945 (2009); Gli ebrei sotto la persecuzione in Italia. Diari e lettere 1938-1945 (2011).

Marco Palmieri, giornalista e storico, è membro dell'Istituto Romano per la Storia d'Italia dal Fascismo alla Resistenza (Irsifar) e della Società Italiana per gli Studi di Storia Contemporanea (Sissco) e collabora col Centro Studi della Resistenza dell'Anpi di Roma. Con Einaudi ha pubblicato: Gli internati militari italiani. Diari e lettere dai lager nazisti 1943-1945 (2009); Gli ebrei sotto la persecuzione in Italia. Diari e lettere 1938-1945 (2011).

“L’incubo ricorrente di Primo Levi mentre si trovava ad Auschwitz, era quello di tornare in Italia e raccontare la terribile realtà del lager a parenti e amici senza essere creduto. «È un godimento intenso, fisico, inesprimibile, essere nella mia casa, fra persone amiche, e avere tante cose da raccontare: ma non posso non accorgermi che i miei ascoltatori non mi seguono. Anzi, essi sono del tutto indifferenti: parlano … come se io non ci fossi. Mia sorella mi guarda, si alza e se ne va senza far parola. Allora nasce in me una pena desolata…: è dolore allo stato puro».

http://www.storiaxxisecolo.it/avagliano/Vocidallager/CorSera%2017gen2012.pdf ( Articolo di ALDO CAZZULLO )

Press-office Daniela Lombardi

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SOCRATE, IL MERITO TORNA IN TV

2012-02-04T00:05:00.000-08:00

Su Rai Uno, martedì 7 febbraio, in prima serata (21.10), un programma interamente dedicato a chi, grazie alle proprie capacità si è affermato nella vita

L’idea ambiziosa è dell’autore Cesare Lanza che attraverso Socrate ha proposto di portare in tv il tema della meritocrazia.
Un’ambizione che coinvolge tutti, a partire dall’orchestra che eseguirà tutti i brani dal vivo, sotto la direzione del Maestro Leonardo De Amicis.
A condurre la serata il giornalista Tiberio Timperi con la partecipazione della modella e showgirl Sofia Bruscoli.
Il programma ideato da Cesare Lanza, scritto con Antonio Eustor, Silvia Zavattini, Elisabetta Simeoni, Luca Parenti, prodotto internamente in Rai con la regia di Maurizio Ventriglia, approfondirà da diverse prospettive tutto quello che ruota attorno al merito, anche grazie alle storie di persone che, grazie a scelte personali e professionali coraggiose, hanno cambiato la propria vita.

Interverranno sul tema del merito il ministro Corrado Passera, la manager Letizia Moratti, il direttore del Corriere della Sera Ferruccio De Bortoli e lo scrittore Massimo Fini.

Peculiarità della trasmissione saranno, infatti, i momenti dedicati al merito nascosto dei Ghostwriter, al carosello, con i grandi registi che ne decretarono il successo, alle testimonianze dei cosiddetti “cervelli in fuga” e di altri giovani che, nonostante le difficoltà, in Italia sono riusciti ad imporsi.

Un parterre di ospiti prestigiosi impreziosirà la serata: il grande attore Giancarlo Giannini leggerà brani significativi legati sia al merito sia al perdono; uno dei passaggi più importanti del programma sarà costituito, infatti, dal merito del perdono, momento al quale prenderanno parte il giornalista Vittorio Feltri, l’onorevole Giovanni Bachelet e il direttore della Stampa Mario Calabresi.

Al Bano, Ornella Vanoni e Loredana Errore ripercorreranno le tappe più significative della loro carriera, mentre Catherine Spaak, Gigliola Cinquetti e Gianni Bisiach commenteranno le mitiche pubblicità del Carosello.

In studio saranno, inoltre, presenti 5 saggi, tutti studiosi della mente, che proveranno a spiegare i meccanismi che portano le persone a compiere delle scelte piuttosto che altre: lo psichiatra Domenico Mazzullo, lo psicologo della strada Stefano Pieri, Alberta Sestito, presidente del Mensa, il neurologo Rosario Sorrentino e lo psicoterapeuta Federico Bianchi di Castelbianco.

Socrate andrà in onda martedì 7 febbraio su Rai Uno alle 21.10.

Press-office Daniela Lombardi

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Ai Magazzini della Lupa di Tuscania “Giuditta e Oloferne” di Mariella Gentile

2012-02-04T00:00:00.000-08:00

Appuntamento ai Magazzini della Lupa sabato 11 febbraio alle ore 17.00 con il vernissage della mostra di arte contemporanea “Giuditta e Oloferne” di Mariella Gentile. L'infinito sospeso sotto i nostri passi, direzioni suggerite dal destino verso un equilibrio impossibile da cercare con una forza interiore misteriosa. In questi strani equilibri sospesi il ritorno al passato supera la storia nella rappresentazione dell’ eterno presente, senza variazioni temporali, nel quale Oriente ed Occidente si fondono e si confondono nell’unica illusione di un’umanità impegnata alla ricerca di se stessa. L’equilibrio è il filo sospeso nella sostanza del sogno, la parte buia da percorrere prima dell’approdo. Ognuno cerca scampo come può : c’è chi si libera del proprio peso e indossa l’effimero che tralascia il senso, e chi trascinando sé stesso sfida razionalità ed emozioni, desideroso di rimanere aperto alla vita. Ma il filo è un mistero che non si lega, non sorregge, non guida, è un percorso ad occhi chiusi, in punta di piedi, ondivago come respiro ; e nel grembo della nostra immaginazione si accendono i colori, essenza di visioni oniriche, sogni impossibili da decifrare . Camminare, passo dopo passo, scandisce il succedersi del tempo, un itinerario esistenziale, il filo si distende oltre il presente, nel ricordo del passato e in quello che ci aspetta in futuro. La ricerca di accesso ad uno spazio vitale, fonte originaria di senso, resistente all’invadenza dei luoghi comuni. Nessuna fuga, Il mondo non è eliminato, è ancora lì, l’equilibrista si fa strada appesa ad un filo nell’aria : lo spettatore è per lui e lui è per lo spettatore. L’artista guarda alla vita, ricerca, senza mai arrivare alla consumazione del senso, le cui metamorfosi espressive si manifestano nelle molteplici tematiche della sua opera. La mostra resterà aperta fino al 26 febbraio, il venerdì e il sabato dalle ore 15.30 alle ore 19.00, la domenica dalle ore 11.00 alle ore 13.00. Ingresso libero. Per info e contatti: magazzinidellalupa@libero.it , tel. 0761443239

Vincenza Fava

Arte: è morto Gianfranco Pardi, grande artista fuori dal coro

2012-02-03T05:22:00.000-08:00

Milano, 3 febbraio 2012 - Ieri pomeriggio, nella sua abitazione milanese, è morto Gianfranco Pardi, esponente di punta della scena artistica italiana e internazionale negli ultimi 50 anni. Era nato a Milano nel 1933.

Colto, irrequieto, curioso, mai banale. Sempre alla ricerca di nuove tecniche e nuovi linguaggi per rappresentare la sua passione visionaria. Se la ripetitività fino alla noia per molti artisti è un valore. Non per Gianfranco Pardi, artista fuori dal coro per eccellenza, migrante perenne ma profondamente coerente a uno stile personale, chiaro e inequivocabile, che caratterizza tutta la sua opera, dai “Giardini Pensili” di fine anni Sessanta, ai lavori più recenti.

La sua ricerca artistica si concentra, verso la fine degli anni ‘60, su alcuni luoghi fondamentali della concezione dello spazio: le “Architetture”, opere che esprimono chiaramente la volontà di fondare lo spazio attraverso metodologie costruttive. Ma la sua arte fissa le sue regole anche in un processo che mira a recuperare le potenzialità della pittura, riacquistandone la memoria storica rimanendo nello spazio virtuale del quadro.

Nel 1986 partecipa alla Biennale di Venezia con una sala personale; nello stesso anno è presente alla Triennale di Milano e alla Quadriennale di Roma. Nel 1998 Palazzo Reale di Milano ospita una sua personale. Nel 1999 è in Germania con tre importanti esposizioni in istituzioni pubbliche. Storico il sodalizio con la Galleria Giorgio Marconi di Milano e più recentemente con la Fumagalli di Bergamo. Intensa anche l’attività di Pardi scultore. I suoi lavori si trovano in numerosi spazi pubblici e privati in Italia e all’estero.

Paola Manfredi

MARIO VESPASIANI ON AIR

2012-02-03T04:41:00.000-08:00

intervista

WEB: http://www.mariovespasiani.com/
TV: http://www.youtube.com/my_videos?feature=mhee
MAGAZINE: http://mariovespasiani.blogspot.com/
FB: http://it-it.facebook.com/profile.php?id=100000248054774

info@mariovespasiani.com

“Drest” di Saverio Manzi in uscita presso la Casa Editrice Neftasia - Dall'amore per il cinema ad un libro per il grande schermo

2012-02-03T00:59:00.002-08:00

La forza di questo lavoro è l’idea originale: nel cinema degli anni ’30, quando domina il bianco e nero, un attore di pelle leggermente scura diventa un divo facendosi passare per bianco. Ma quando è il momento di fare un film a colori, partono i sospetti, volti a screditare il divo; sospetti mossi da una rabbia innata, che rigetta il fatto che l’oggetto dei sogni di tutta una nazione sia un uomo di pelle nera.

Tutto questo dà origine a varie sottotrame che dipingono un affresco di tutto l’ambiente hollywoodiano del primo sonoro e del suo modo di pensare, inquadrando soprattutto la questione degli attori neri, artisti che, indipendentemente dalla loro bravura, nel cinema venivano relegati a parti di personaggi ottusi e buffi, spesso oggetto di comica umiliazione.

Il testo viene sviluppato secondo una struttura scorrevole, ed è composto da brevi capitoli che entrano pian piano nella storia e nel vero e proprio mistero attorno all’attore su cui tutto è incentrato.

Sinossi

A Hollywood negli anni ’30 la gente vive di cinema e di divi. Un attore soprattutto, di nome Danny Drest, molto riservato nella vita privata, incanta per intensità e bellezza. Quando l’invenzione del colore viene consolidata tutti si aspettano che questo divo giri a colori, ma tra lo stupore generale il nuovo film con Drest esce ancora in bianco e nero. Un uomo indaga e scopre che in realtà Drest non gira a colori perché è di pelle leggermente nera, e farsi passare per bianco, in un cinema che relega gli attori neri a parti di sfondo spesso ridicolizzanti, è stato l’unico modo per poter ottenere ruoli esclusivamente in funzione del suo talento. La nazione tutta è sgomenta da questa rivelazione; l’uomo più bello e desiderato, la più grande star, è un nero, un (secondo la concezione dell’epoca) animale. A questo punto Drest sparisce nel nulla, ma nuovi sviluppi lo riporteranno alla ribalta, e saprà dare una lezione di umanità a tutti.

…, all’epoca del cinema muto, Daniel Crociescu, un bambino di New York, la sfangò e non so come riuscì, con l’aiuto della madre, a farsi cambiare legalmente il lugubre nome slavo che da sei anni si portava appresso. A casa sua tutti lo conoscevano come Crociescu, ma chi se ne importa, lui e la madre volevano cambiare reputazione, vita e ambiente, volevano cambiare tutto. Daniel voleva affinare il cognome in Cross, o Crocy, ma purtroppo non fu possibile. Non trovando di meglio, ripescò fra gli antenati della madre il cognome, polacco, ma buono e diffuso, Demski.

Una volta arrivato a Hollywood, nella prima metà degli anni trenta, Daniel Demski si dovette adattare ad attività umili. I corsi e i provini erano una cosa ultima ed estrema per lui, un faticoso coprifuoco da effettuare di nascosto e a tarda sera, come una rituale ed ultima attività prima di immergersi nel consueto sonno notturno. Il cinema sonoro era una macchina appena avviata che inconsapevolmente aveva raggiunto ritmi e dimensioni vertiginose, e l’aveva fatto nemmeno accorgendosi di essere grande, maestosa ed estenuante, e in mezzo ad esso il povero, umanissimo ristoro dalle fatiche, sempre bastonato e ridotto ………….

(da” Drest” di Saverio Manzi)

Press-office Daniela Lombardi

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Mostra Officina Italia 2, Milano

2012-02-03T00:59:00.001-08:00

La mostra si pone nel solco delle Officine organizzate dalla stessa équipe, a partire proprio da una precedente Officina Italia del 1997, cui hanno fatto seguito Officina Europa nel 1999, OfficinaAmerica nel 2002, Officina Asia nel 2004, tutte realizzate con ampio concorso della Regione Emilia-Romagna, integrato da contributi delle amministrazioni locali ospitanti i vari settori del progetto, il quale infatti si è sempre caratterizzato per una natura policentrica, irraggiandosi dal capoluogo, Bologna, verso altre città dell’Est della regione.

A oltre un decennio dal primo scandaglio, pare del tutto opportuno condurre un nuovo checkup sull’inesausta creatività dei nostri giovani: da qui il titolo della mostra, accanto a quello di Officina 2.Volendo caratterizzare l’attuale situazione, si potrebbe fare ricorso alla nozione introdotta da Gilles Deleuze e Félix Guattari di plateau, ovvero di un bilanciamento tra opposti: il rigorismo dell’arte concettuale, col triangolo foto-scrittura-oggetto, accenna a stemperarsi in soluzioni più stimolanti e sensuose, che però si guardano dall’approdare a facili pittoricismi, senza peraltro disdegnare recuperi di motivi decorativi molto adatti per usi di arredo urbano. Questo medesimo bilanciamento si registra tra soluzioni a due e a tre dimensioni: molte opere presenti in questa rassegna, infatti, muovono da progetti o tracciati esposti a parete, da cui però prendono lo slancio per andare a occupare lo spazio attiguo, occupazione che tuttavia avviene in modi leggeri e reversibili. Altri invece affrontano decisamente lo spazio aperto deponendovi come isole consistenti e cariche di stimoli. Insomma, tutte le dimensioni spaziali, dall’alto, dal basso, dalle pareti all’open space, sono inquietate, pungolate con reattività pronta e incalzante, costituendo uno spettacolo sempre mobile e imprevedibile.La squadra curatoriale ha individuato 33 presenze, alcune già ampiamente note e avviate verso un successo crescente, altre meno conosciute ma altrettanto aggressive e incalzanti.Il catalogo, edito da Mazzotta, prevede due pagine a colori per ogni partecipante, oltre ai saggi dei curatori e ai consueti apparati bio-bibliografici.

I curatori sono particolarmente lieti di usufruire di questa attuale sede offerta da uno degli spazi in cui l’Accademia di Belle arti di Brera conduce la sua prestigiosa attività didattica e di ricerca, spazi riservati soprattutto ai Bienni specialistici con annessi laboratori.

Le opere presentate in questa occasione potranno servire da stimolo per lezioni, dibattiti, incontri tra i partecipanti alla mostra e l’intero corpo docente e discente dell’Accademia.La mostra ha avuto luogo nelle sedi di:- Bologna, Sala Museale del Baraccano nel Quartiere Santo Stefano e Forlì-Cesena nella Fabbrica di Gambettola, dal 1 giugno al 3 luglio 2011- Alzano Lombardo (Bergamo), ALT Arte Contemporanea – Spazio Fausto Radici, Arte Lavoro Territorio, dall’8 ottobre al 26 novembre 2011Dopo Milano la rassegna sarà presentata a Padova presso la Sala ex Macello.

Ex Chiesa di San CarpoforoPiazza Formentini 12 – Milano20 gennaio – 12 febbraio 2012

Inaugurazione: giovedì 19 gennaio, ore 18.00

Vernice stampa: martedì 17 gennaio, ore 12.00

Orario: lunedì – venerdì, 9.30 – 19.00sabato 9.00 – 12.00

domenica chiuso

Ingresso libero
Informazioni:Fondazione Mazzotta

Foro Buonaparte 50, Milano

Tel: 02 878380

Fax: 02 8693046

informazioni@mazzotta.it

Fonte: http://www.tafter.it

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Amalia Di Lanno

Anthony James | Consciousness & Portraits Of Sacrifice

2012-02-03T00:43:00.001-08:00

BRAND NEW GALLERY
presenta
ANTHONY JAMES
Consciousness And Portraits Of Sacrifice
12 gennaio - 23 febbraio 2012
Opening: 12 gennaio 19.00-21.00

Brand New Gallery è lieta di presentare Consciousness And Portraits Of Sacrifice, prima personale italiana dell’artista anglo-americano Anthony James.
In una sintesi di eleganza formale e concettuale, le opere di Anthony James fondono precisione tecnica, ripetitività e spettacolarità, mettendo a nudo l'influenza mitica e persistente di un minimalismo velatamente surreale nell'arte e nella cultura contemporanea.
Lo spazio milanese ospita due installazioni dell'artista della serie Birch Cube, che si configurano come due light box trasparenti, cubi luminosi che custodiscono intricate foreste vergini di legno di betulla, moltiplicate all'infinito grazie agli specchi sapientemente posizionati a disorientare lo sguardo, che viene assorbito in un'immagine suggestiva capace di ricollocare lo spettatore in uno spazio innaturalmente distante e riflettente. Il legno rimane così intrappolato in questo gioco illusionistico, tremendamente immobile e avulso dalla mano dell'uomo; le opere di Anthony James diventano vetrine minimaliste simili ad un tempio, reliquiari di grandi dimensioni.
Se in passato l'artista aveva già tumulato i resti carbonizzati della sua Ferrari 355 Spider, per i suoi progetti futuri si rivolge ad oggetti di feticismo bellico, come il mitragliatore AK-47 o l'aereo da guerra russo MIG-15 che egli cerca di immortalare in un intrico distrofico di specchi e luci riflettenti. Anche nelle opere in mostra della serie Today Was A Good Day è palese l'interesse dell'artista per il tema della guerra: si tratta infatti di tre “shotgun paintings”, lastre d'acciaio lucidate a specchio che l'artista crivella dal retro a colpi di fucile.
Nella rappresentazione delle opere di James si afferma inevitabile una sensazione di violenza lasciva e stilizzata che abbellisce le vestigia della morte, protetta in un abisso di spazio solitario, e finisce per rappresentare la contemporanea conservazione del progresso nel XXI secolo.

Anthony James nasce nel 1974 in Inghilterra e consegue il diploma presso il Central St. Martins College of Art and Design di Londra nel 1998. Le sue opere sono state esposte presso importanti musei e fiere internazionali e il suo lavoro è incluso in importanti collezioni pubbliche e private, tra cui il GM Building ed il Seagram Building a New York. Attualmente vive e lavora a Los Angeles.

Fonte: http://www.brandnew-gallery.com

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Amalia Di Lanno

Mostra Le fabbriche dei sogni, Milano

2012-02-03T00:35:00.000-08:00

In occasione del cinquantesimo anniversario del Salone del Mobile, Triennale Design Museum di Milano rende omaggio al Made in Italy con la mostra Le fabbriche dei sogni dedicata agli uomini, alle aziende e ai progetti che hanno contribuito a creare il sistema del design italiano dal dopoguerra a oggi e a decretare il successo del Salone del Mobile nel mondo.

Attraverso una carrellata di oggetti iconici verranno illustrate la peculiare attività e la natura profonda delle “Fabbriche del Design Italiano” con lo scopo di attirare anche i designer stranieri che scelgono di lavorare in Italia poiché ne riconoscono l’eccellenza nella produzione.
I visitatori potranno ammirare oggetti e arredi divenuti cult, come la Poltrona Sacco, progettata da Piero Gatti, Cesare Paolini e Franco Teodoro per Zanotta, oppure la cucina E5, ideata da Marco Zanuso per Elam.

Il progetto di allestimento, curato da Alberto Alessi e Martí Guixé è stato concepito come un’avventura di Alice nel Paese delle Meraviglie: la creazione di un’atmosfera giocosa e molto suggestiva fa sì che gli oggetti di design instaurino un dialogo con i progettisti creando l’occasione per scoprire alcuni fra i più celebri oggetti del design italiano.
La mostra, inaugurata il 5 aprile 2011, sarà aperta al pubblico fino al 26 febbraio 2012.

Per maggiori informazioni visitate il sito del Triennale Design Museum.

Fonte: http://www.cercamilano.com

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Amalia Di Lanno

Tiziano in mostra al Palazzo Reale di Milano

2012-02-03T00:27:00.001-08:00

Aprirà il 16 febbraio 2012 a Milano la mostra dedicata a Tiziano: le stupende sale del palazzo Reale di Milano ospiteranno la mostra dal titolo “Tiziano e la nascita del paesaggio moderno”.

La mostra di Tiziano a Milano per il 2012 resterà aperta fino al 20 maggio 2012. Più di tre mesi quindi per ammirare alcuni dei più importanti capolavori del maestro e di altri pittori italiani ed europei che aiuteranno il visitatore a scoprire ed approfondire le tecniche di riproduzione del paesaggio moderno nella pittura del cinquecento.

Se infatti, Tiziano rappresenta perfettamente il cinquecento nella pittura veneta, non si può non considerare il suo contributo dato alla paesaggistica, intesa proprio come riproduzione del paesaggio. E’ a lui infatti che deve essere tributata la nuova idea di ambiente naturale che in un lungo percorso è andato evolvendosi fino ad acquisire il termine stesso di “paesaggio”.

La mostra di Tiziano a Milano del 2012 comprende circa cinquanta opere appartenenti non solo a Tiziano ma anche ad altri grandi maestri, tra cui Giorgione, Tintoretto, Veronese, Bassano. E’ infatti nel cinquecento che la riproduzione del paesaggio conosce un vero e proprio boom, e si eleva, da semplice “sfondo” all’interno del quadro a soggetto a se’ stante ricco di una propria dignità.
E le tele in esposizione nella mostra di Tiziano a Milano nel 2012 non sono altro che un esempio di tutto ciò: tramonti poetici, sfondi fantastici, vegetazioni lussureggianti, fenomeni atmosferici incombenti e panorami talvolta inventati assumono un ruolo di primo piano e catturano l’attenzione dell’osservatore.

Le opere d’arte in esposizione nella mostra di Tiziano a Milano 2012 sono il meglio in questo senso, e sono state selezionate da Mauro Lucco, uno dei più importanti studiosi della pittura veneta cinquecentesca. Le tele provengono da numerosi paesi, sia da musei europei (Londra, Budapest, Dresda, Venezia, Firenze) che da musei statunitensi, per un totale di 37 istituzioni.

La mostra di Milano che ci conduce alla scoperta del paesaggio cinquecentesco è aperta da due tele straordinarie: “La 'Crocifissione” di Giovanni Bellini e “La prova del fuoco” di Giorgione che introducono uno dei più conosciuti tra i dipinti giovanili di Tiziano, “La Sacra conversazione”.
Sala per sala, tela per tela, La mostra dedicata a Tiziano in apertura a Milano questo febbraio 2012 accompagna il visitatore in un cammino che lo aiuta a ripercorrere le tappe fondamentali della costruzione del paesaggio, in un epoca in cui a Venezia iniziavano a giungere le prime opere di artisti del nord Europa con i loro paesaggi espressivi e insoliti, e Jacopo Sannazzaro componeva e pubblicava l’Arcadia, opera letteraria in cui la natura veniva per la prima volta descritta e apprezzata quasi come soggetto stesso della narrazione.

La mostra dedicata a Tiziano in programma a Milano sarà aperta dal: 16 febbraio al 20 maggio 2012 presso le sale del Palazzo Reale di Milano in piazza del Duomo. Con l’occasione, potete anche approfittare d i una visita al Museo della Reggia, che è ad ingresso gratuito.
Per tutte le informazioni sulla mostra di Tiziano a Milano potete visitare il sito web: mostratiziano.it

Mostra Tiziano e la nascita del paesaggio moderno 16/02/12 -20/05/12

Palazzo Reale- Museo della ReggiaPiazza Duomo, 12

Biglietto d'ingresso Intero: 9 euro Ridotto: 7.50 euro

Museo della Reggia: Gratuito

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Amalia Di Lanno

Norbert Schwontkowski

2012-02-02T03:37:00.000-08:00

I dipinti di Schwontkowski operano con l'immediatezza e l'essenzialita' dei disegni dei bambini unite alla capacita' caricaturale e alla potenza di un'immagine magica e ironica.

A Milano la mostra di Norbert Schwontkowski, uno dei più importanti pittori tedeschi contemporanei. Nato a Brema nel 1949, dalla fine degli anni Settanta ha esposto in gallerie private ed istituzioni pubbliche in tutta Europa. Le sue opere sono presenti in musei importanti, quali il Guggenheim di New York e il Museum of Fine Arts di Boston.I dipinti di Schwontkowski operano con l'immediatezza e l'essenzialità dei disegni dei bambini, la capacità caricaturale e la potenza di un'immagine magica e ironica al contempo. Lo spazio, i limiti fisici dell'immagine pittorica sembrano deposti e che queste pitture possano espandersi nella nostra contemplazione come porte aperte a nuove dimensioni. Da un lato i soggetti rappresentati e dall'altro l'utilizzo di colori marroni, neri, grigi e gialli chiari prolungano l'attenzione, non limitando più il nostro sguardo alla condizione temporale, annullando quelle coordinate spaziali dell'oggetto che lo rendono fisicamente vincolato. L'attrazione metafisica di queste immagini però non è mai citazione aulica, ma presenta un approccio ironico e disincantato all'oggetto o ai soggetti rappresentati. Sembrerebbero chiederci di essere presi seriamente in considerazione e al contempo si mostrano in un modo che suggerisce il sorriso.Schwontkowski mescola personalmente i pigmenti e le vernici per le sue opere, aggiungendo diversi materiali come rame, oro e polvere di marmo in modo da creare diverse trame e finiture sulle sue tele. La tavolozza di colori che utilizza, dalla terra pallida ai neri e grigi, crea un'atmosfera sommessa e smorzata, mentre le superfici sono accuratamente lavorate e gesti minimi dimostrano il suo legame con la storia della pittura. I suoi dipinti, popolati da piccoli oggetti ed esili figure umane, creano un mondo lontano immerso in una dimensione immobile e senza tempo. La sua gamma di colori delicati e scuri, gli oggetti immobili, le personalità eccentriche e surreali fanno pensare a Morandi, al quale egli unisce, come uno strano scherzo del destino, l'umorismo nero e grottesco di Hieronymus Bosch.Norbert Schwontkowski si fa strada tra i sentieri del modernismo e del postmodernismo. Non ha bisogno di dichiarazioni programmatiche, dipinge semplicemente come se i tabù del modernismo non fossero mai esistiti. Ricco di associazioni, il suo lavoro fa riferimento a una vasta gamma di tradizioni pittoriche, includendo ma anche andando oltre a quelle dell' arte romantica e giapponese. In tutte le sue mostre lo spettatore può percepire il significato di avere a propria disposizione tutta la gamma delle tecniche artistiche.I dipinti di Schwontkowski sono surreali e criptici, sembrano voler contemporaneamente raccontare una storia e rimanere misteriosi. Come l'artista ha rivelato in una recente intervista al Brooklyn Rail: "La maggior parte dei miei quadri provengono da un sogno, che non è mai immobile. È più come la sensazione di quando si viaggia su un treno senza destinazione, o come quando al mattino presto appena svegli si è ancora tra il sogno e il pensiero di quello che si dovrà fare durante il giorno, come quali camicia e pantaloni si indosseranno, chi si vedrà per il pranzo e così via. Essenzialmente, si tratta di un momento in cui non si ha pieno controllo dei propri pensieri o di quello che è effettivamente visibile. Gli occhi sono aperti e si pensa di poter vedere ciò che si ha di fronte, ma in realtà c'è un qualcosa da questo angolo della visione che in qualche modo si fonde diventando qualcosa che non è possibile identificare. Penso che questo sia il modo in cui funziona la poesia: consente alle cose di riunirsi, fiorire e diventare qualcosa d'altro, qualcosa di fresco e vivo."

Inaugurazione sabato 18 febbraio ore 18

Galleria Monica De CardenasChesa Albertini - Via Maistra 41 Zuoz - St.Moritz

Orario: martedì - sabato 15 - 19

Ingresso libero

Fonte: http://www.undo.net

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Amalia Di Lanno

LUIGI GHIRRI – Project Prints

2012-02-02T03:16:00.000-08:00

Nell’ambito del progetto Le scatole viventi / The Living Boxes, a cura di Andrea Bellini, il Castello di Rivoli, in collaborazione con il Fondo di Luigi Ghirri, è lieto di presentare la mostra LUIGI GHIRRI – Project Prints.

Un’avventura del pensiero e dello sguardo, a cura di Elena Re.Attraverso un’ampia selezione di project prints – le prime stampe a contatto che Ghirri aveva realizzato per visualizzare il proprio lavoro – la mostra offre un percorso, di fatto inedito, sui principali progetti di ricerca fotografica sviluppati dall’artista dal 1980 al 1992, anno della sua prematura scomparsa. Parallelamente – attraverso una raccolta dimaquettes di opere da lui realizzate negli anni Settanta, cui si uniscono numerosi scritti, oggetti e documenti originali conservati nel suo archivio – la mostra approfondisce ulteriormente la questione nodale del progettonell’opera di Luigi Ghirri, diventando nel complesso un singolare momento di riflessione sul pensiero, sulla poetica e sulla visione progettuale dell’autore. Una visione che ha aperto un nuovo scenario, che è entrata a far parte di un dibattito culturale di ampio respiro e che costituisce tutt’oggi un punto di riferimento essenziale per gli artisti della nuova generazione.
Un’avventura del pensiero e dello sguardo. Il sottotitolo della mostra è un’espressione formulata da Ghirri stesso per definire la fotografia, una riflessione che egli introduce nel suo scritto L’opera aperta, 1984. Un testo fondamentale per comprendere la sua poetica, oggetto di una sua conferenza tenuta alla Sorbonne di Parigi. Il dattiloscritto originale è fra i documenti esposti in mostra.
La fotografia […] penso che sia un formidabile linguaggio visivo per poter incrementare questo desiderio di infinito che è in ognuno di noi. Come ho detto prima, una grande avventura del mondo del pensiero e dello sguardo, un grande giocattolo magico che riesce a coniugare miracolosamente la nostra adulta consapevolezza ed il fiabesco mondo dell’infanzia […]. Borges racconta di un pittore che volendo dipingere il mondo, comincia a fare quadri con laghi, monti, barche, animali, volti, oggetti. Alla fine della vita, mettendo insieme tutti questi quadri e disegni si accorge che questo immenso mosaico costituiva il suo volto. L’idea di partenza del mio progetto-opera fotografica può paragonarsi a questo racconto. L’intenzione cioè di trovare una cifra, una struttura per ogni singola immagine, ma che nell’insieme ne determini un’altra. Un sottile filo che leghi autobiografia ed esterno. (Luigi Ghirri, L’opera aperta, 1984)

Per entrare nel dettaglio e analizzare più approfonditamente il significato dei project prints e dunque il tema del progetto nell’opera di Luigi Ghirri, bisogna innanzitutto dire che, cresciuto in un clima concettuale, fin dai primi anni Settanta Ghirri aveva maturato alcune fondamentali considerazioni intorno al ruolo della fotografia nell’ambito dell’arte contemporanea. In generale, l’interesse si era spostato dall’abilità necessaria all’artista per creare manualmente l’opera verso la coincidenza tra l’opera e la realtà registrata dalla macchina fotografica, in un processo che aveva spesso fatto riferimento al ready-made di Marcel Duchamp e alla scrittura automatica dei Surrealisti. Sicché, forte di un simile confronto, Ghirri stesso era arrivato a concentrarsi essenzialmente sui contenuti del proprio lavoro, sviluppandone la parte progettuale e ponendo al centro della sua ricerca “il guardare”, ossia la capacità al contempo razionale ed emotiva di decifrare i dati raccolti attraverso la percezione, trasformandoli in pensiero visivo. Proprio in questo periodo, Ghirri inizia quindi a lavorare in modo sistematico su più progetti e a strutturare le sue prime serie, realizzando spesso delle maquettes che permettevano di visualizzare l’opera e ragionare su di essa. Ma proseguendo il suo lavoro nel decennio successivo e approfondendo la sua ricerca espressiva sul tema del paesaggio, a partire dai primi anni Ottanta Ghirri abbandona progressivamente la macchina fotografica di piccolo formato e inizia a produrre negativi di formato più grande, non certo per amore della tecnica ma quasi per “entrare” con maggiore intensità nel soggetto analizzato. La centralità del pensiero e il senso del progetto continuano di certo ad essere anche in questi anni i presupposti irrinunciabili del suo lavoro. A tal punto che questi stessi negativi si rivelano in realtà come un ulteriore strumento progettuale a sua disposizione. Da tali matrici si possono infatti realizzare delle ottime stampe a contatto, delle piccole fotografie che Ghirri può a questo punto ritagliare, archiviare, mettere in fila, per vedere ogni immagine, per progettare le serie, per organizzare il proprio sguardo, lasciandole anche sciolte per poterle di nuovo aggregare in infinite combinazioni. Queste piccole fotografie attraverso cui Luigi Ghirri dai primi anni Ottanta al 1992 elabora la propria visione e sviluppa un pensiero intorno alla propria opera sono dunque i project prints, un nucleo assai corposo di stampe in miniatura che nasce come strumento di progetto.

In occasione della mostra al Castello di Rivoli è pubblicato un catalogo, edito da JRPRingier, a cura di Elena Re. Il volume include 200 immagini a colori relative a tutte le opere, gli oggetti e i documenti in mostra, un testo critico della curatrice, interviste ad Andrea Bellini, Paola Ghirri e Massimo Minini. Il catalogo comprende inoltre una raccolta di brani tratti dagli scritti di Luigi Ghirri, in cui l’autore stesso sottolinea e ribadisce la centralità del pensiero che precede l’opera.

Luigi Ghirri (Scandiano, Reggio Emilia, 1943 – Roncocesi, Reggio Emilia, 1992) ha prodotto per più di vent’anni, dal 1970 al 1992. Autore fra i più importanti e influenti nello scenario della fotografia contemporanea, inizia il suo lavoro nell’ambito dell’arte concettuale e le sue ricerche presto lo conducono a essere noto internazionalmente. Nel 1975 è tra le “Discoveries” del Photography Year di Time-Life e partecipa alla mostra Art as Photography – Photography as Art di Kassel. Nel 1982 è segnalato alla Photokina di Colonia come uno degli artisti più significativi della storia della fotografia del XX secolo. Le sue opere sono conservate presso varie istituzioni nel mondo, tra cui: Stedelijk Museum (Amsterdam), Musée-Château (Annecy), Musée de la Photographie Réattu (Arles), Polaroid Collection (Cambridge, Massachusetts), Musée Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône), Museum of Fine Arts (Houston), Museo di Fotografia Contemporanea (Cinisello Balsamo, Milano), Archivio dello Spazio – Amministrazione Provinciale (Milano), Galleria Civica (Modena), Canadian Centre for Architecture – Centre Canadien d’Architecture (Montréal), Museum of Modern Art (New York), Cabinets des estampes – Bibliothèque Nationale de France (Paris), Centre Pompidou (Paris), Fond National d’Art Contemporain (Paris), Centro Studi e Archivio della Comunicazione (Parma), Biblioteca Panizzi – Fototeca (Reggio Emilia), Palazzo Braschi – Archivio Fotografico Comunale (Roma), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Torino), Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT (Torino), Fotomuseum (Winterthur).

Nel 2010 un’ampia selezione di suoi lavori è stata esposta al Nouveau Musée National de Monaco nella collettiva La carte d’après nature, a cura di Thomas Demand, che nel 2011 viene proposta a New York alla Matthew Marks Gallery. Bice Curiger lo ha presentato nella mostraILLUMInazioni alla 54. Biennale di Venezia.
La realizzazione del progetto Le scatole viventi è resa possibile grazie al sostegno di Pernod Ricard Italia spa e al contributo speciale della Fondazione CRT.

LA TEMPERATURA MENTALE DELLA FOTOGRAFIA Narrazioni in sequenza nella Manica LungaThomas Demand, Jan Dibbets, Paolo Pellion, Thomas Ruff, Paolo Mussat Sartor, Ettore Sottsass, Thomas Struth
Luigi Ghirri, Projects Prints. Un’avventura del pensiero e dello sguardo
periodo: 4 febbraio – 11 marzo 2012
Castello di Rivoli, venerdì 3 febbraio 2012inaugurazione Teatro del Castello, ore 18.00commemorazione di Luigi Ghirri nel ventennale della scomparsa
Manica Lunga, ore 19.30visita esclusiva alle mostre con Marco Belpoliti e Mario Cresci

La fotografia ha già oltre 170 anni di storia, circa 20 in più del nostro Paese. A partire dal 1839, anno di presentazione del primo dagherrotipo, la diffusione di questo strumento di duplicazione della realtà è andata crescendo costantemente, fino a entrare a far parte della nostra vita quotidiana, del nostro stesso immaginario. Oggi, con la diffusione delle nuove tecnologie, tutti produciamo costantemente immagini, basti pensare ai milioni di scatti che facciamo ogni giorno con i nostri telefoni portatili. Ma come si è trasformata la fotografia negli ultimi decenni? E - domanda non meno importante - esiste una scuola italiana di fotografia? Il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea cercherà di rispondere a queste domande con una mostra organizzata nell’ambito de Le scatole viventi / The Living Boxes, a cura di Andrea Bellini. Il progetto espositivo si basa sull’idea di allestire nella Manica Lunga (uno spazio largo 6 e lungo oltre 140 metri) una sorta di narrazione in sequenza di differenti approcci alla fotografia. Questa narrazione si apre con due personalità torinesi, Paolo Pellion e Paolo Mussat Sartor, legate sia alla storia dell’Arte Povera, di cui sono da oltre quarant’anni i fotografi più apprezzati, sia alla storia del Castello di Rivoli. In particolare Pellion è la memoria storica del museo, è l’occhio che ne documenta da decenni le attività, le mostre, i percorsi. Mussat Sartor affianca invece all’attività di fotografo della scena artistica una ricerca più personale, intima, riuscendo a donare alle sue opere un preciso accento interiore. La mostra prosegue con una rassegna di celebri fotografi di cui il museo possiede in collezione alcune fondamentali opere. Le grandi immagini di Thomas Demand, Jan Dibbets, Thomas Ruff e Thomas Struth, saranno messe in relazione con quelle, più piccole nelle dimensioni ma non meno importanti, di Luigi Ghirri con l’intento di dimostrare come e in che modo quest’ultimo abbia letteralmente anticipato, a partire dagli anni Settanta, moltissimi aspetti della ricerca fotografica contemporanea. Il percorso si conclude con una mostra personale dedicata proprio a Ghirri, dal titolo Projects Prints. Un’avventura del pensiero e dello sguardo, a cura di Elena Re (cfr. il comunicato allegato) e organizzata dal Castello di Rivoli in collaborazione con il Fondo di Luigi Ghirri. Appare evidente, dal dispiegarsi del “discorso” espositivo, un dato fondamentale: l’Italia, a differenza della Germania, non ha avuto una vera e propria scuola di fotografia, ma coerentemente con la propria tradizione, ha visto operare in questo ambito personalità singole, straordinariamente autonome ed originali. Il giorno dell’inaugurazione, venerdì 3 febbraio alle ore 18.00, si terrà nel Teatro del Castello un incontro per commemorare - a vent’anni esatti dalla sua morte (Luigi Ghirri è scomparso il 14 febbraio 1992) - questo importante fotografo italiano. Ricorderanno l’artista le persone a lui più care e più vicine alla sua opera, tra cui la figlia Adele, il fotografo Mario Cresci, il saggista e scrittore Marco Belpoliti, lo storico stampatore e collaboratore del maestro Arrigo Ghi, il condirettore del Castello di Rivoli Andrea Bellini ed Elena Re, curatrice della mostra sul maestro emiliano. Alle 19.00 Marco Belpoliti e Mario Cresci condurranno il pubblico negli spazi espositivi, attraverso questo affascinante viaggio all’interno della fotografia contemporanea.

La realizzazione del progetto Le scatole viventi è resa possibile grazie al sostegno di Pernod Ricard Italia spa e al contributo speciale della Fondazione CRT.
Museo d'Arte Contemporanea Castello di Rivoli Piazza Mafalda di Savoia 10098 Rivoli (Torino) tel. 011.9565.222 www.castellodirivoli.ite-mail: info@castellodirivoli.org
Orario d'apertura da martedì a venerdì: 10.00 - 17.00 sabato e domenica: 10.00 - 19.0024 e 31 dicembre: 10.00 - 17.00 lunedì chiuso, aperto il lunedì di Pasqua, chiuso 1° gennaio,1° maggio e 25 dicembre
La Biglietteria chiude 30 minuti prima della chiusura del Museo.
Ingresso Biglietto d'ingresso: 6,50 EU Ridotto per ragazzi 11-14 anni, pensionati, insegnanti, studenti, disabili, militari, associazioni culturali ed enti convenzionati. Gratuito per i minori di 11 anni.

I visitatori muniti del biglietto della Reggia della Venaria Reale o del Museo Nazionale del Cinema potranno, esibendolo alla cassa del Castello di Rivoli accedere al Museo d'Arte Contemporanea con un biglietto al costo di 2,50 euro. I visitatori del Castello di Rivoli conservando il proprio biglietto potranno entrare con un biglietto a tariffa ridotta alla Reggia della Venaria Reale e/o al Museo Nazionale del Cinema.

Fonte: http://www.newspettacolo.com/

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Amalia Di Lanno

Kataklò – Un Puzzle di colori danzanti

2012-02-02T01:53:00.000-08:00

Kataklò - Un Puzzle di colori danzanti

Il cartellone dei balletti della Camerata musicale barese per il 2012 si è aperto ieri sera, primo febbraio, al teatro Petruzzelli con lo spettacolo Puzzle, ultima produzione del Kataklò Athletic Dance Theatre, presentata a Bari in anteprima assoluta.

Uno spettacolo di danza e non solo, un vero Puzzle ben composto dove ogni ‘pezzo’… suono, colore, corpo si è espresso e incastrato in piena armonia con lo spazio scenico.
Anche in tale occasione l’ispirazione dei Kataklò non ha perso di vista l’obiettivo della multidisciplinarietà e del cambiamento, fase determinante del processo di creazione che la compagnia percorre sotto la guida esperta ed appassionata di Giulia Staccioli.

Sul palco del Petruzzelli grande dinamismo e grande forza fisica dei danzatori, veri atleti e attori plastici di una scena vivace che piacevolmente ha incantato lo spettatore. Ampia varietà espressiva, teatro, danza, acrobazia … un equilibrio ben calibrato nelle sue parti sceniche. Luci, colori, suoni, corpi, un tutto rappresentato in una particolare sospensione che, attraverso la diversità di scena, è riuscito a trasmettere unicità.

Colori danzanti contemporanei ma anche raffinata classicità, un puzzle quello dei Katakllò dove l’arte ha preso letteralmente voce attraverso il movimento e, con eleganza e poesia, ha raggiunto il pubblico.

di Amalia Di Lanno

"RUAD ENSEMBLE" nell'evento-performance"INNER RUAD"

2012-02-01T22:36:00.000-08:00

ALLA GLOBALART VIA UGO FOSCOLO 29 NOICATTARO PERSONALE DI LUISA VALENZANO "INNER SIDE" A CURA DI ROSA DIDONNA" RuaD Ensemble nell’ evento-performance “Inner RuaD”
DOMENICA 12 FEBBRAIO ORE 17,30
DOMENICA12 FEBBRAIO ORE 17,30 ALLA GLOBALART VIA UGO FOSCOLO 29 NOICATTARO in galleria PERSONALE DI LUISA

PRESENTA :Rosa Didonna
artista in mostra: LUISA VALENZANO
intervento critico :LUIGI MASTROMAURO - prof. di pittura all'Acc. di Belle Arti di Bari

RUAD LIVE

Storie e ballate fra tradizione e psichedelia, evocazioni sonore antiche, risonanze elettriche, visioni di un rito che si ripete..

Antonella Lacasella - voce e chitarra acustica
Gigi Ferri - chitarra acustica, banjo, bouzouki, ukulele
Francesco Nitti - basso acustico
Beatrice Birardi - percussioni, glockenspiel
Mimmo Ferri - pianoforte, tastiere

https://www.facebook.com/ruad.band

Galleria d’arte contemporanea GLOBALART
di Rosa Didonna Via Ugo Foscolo 29 70016 Noicattaro (Bari)
080 4782863 / 347 1843201 http://www.globalartweb.org/ info@globalartweb.org

QB - QUANTOBASTA mostra personale di Claudia Giannuli

2012-02-01T09:02:00.000-08:00

Fabrica Fluxus Art Gallery
È lieta di presentare
QB - QUANTOBASTA
Mostra personale di Claudia Giannuli
A cura di
Roberta Fiorito – Nico Murri – Francesco Paolo Del Re
Opening: sabato 11 febbraio ore 19.00
In mostra dal 11 febbraio al 11 Marzo
@
Fabrica Fluxus Art Gallery
Via Celentano 39, Bari

La galleria d’arte contemporanea Fabrica Fluxus è lieta di continuare la sua stagione espositiva e inaugurare il 2012 con la talentuosa scultrice Claudia Giannuli. Gli spazi si fanno intimi e “familiari” prestandosi ad ospitare un corpus di opere tutte nuove: 11 lavori chiusi in teca, in cornice, ora in campane di vetro di mediterranea e sacra memoria oltre ad una video installazione curata da Nico Murri.
“Frammenti che congelano istanti di una narrazione che, procedendo per singoli episodi, parlano della crudele banalità del quotidiano, di frustrazioni e fallimenti, di torbidi sentimenti, senza mai cadere nel patetico ma spesso con ironia, disillusione e anche un pizzico di cinismo. Sculture, quindi, o meglio: microcosmi, osservati come da un cannocchiale rovesciato, a cui ci si avvicina con delicatezza e in religioso silenzio, e con la fragilità della ceramica e dei vetri cristallini, con la minuzia, quasi maniacale, con cui ogni particolare è curato, ti sussurrano sotto voce e poi lentamente si insinuano e si sedimentano. Queste scatole della memoria ci parlano attraverso “figurine” fortemente semplificate, cifra stilistica che caratterizza il lavoro della Giannuli, essenziali quasi come se il tempo che è passato abbia attuato una sorta di inevitabile stilizzazione che ha lasciato e fatto ricadere solo l’essenza delle “cose”. E le “cose” possono essere tante e affastellate come sul tavolo di “ Tick Tick Tick ” o sotto la gonna de "La vecchia", oppure semplicemente un paio di forbici sul pavimento, o una goccia di sangue che stilla da un cuore tenuto a guisa di trofeo. Gesti ed espressioni che in qualsiasi caso funzionano come delle micce che innescano epifanie e rimandi. Catalizzatori di memorie e ricordi che sono dell’autrice ma che parlano un linguaggio universale, riferiscono ad un immaginario collettivo.
Analizzando i lavori di Claudia, figlia di questa età contemporanea cresciuta a pane e internet, salta all’occhio come i numerosi input iconografici, la modalità di composizione e realizzazione dei lavori, attingano a piene mani tanto dalla cultura “alta” quanto da quella “popolare” e dalla cultura di massa senza soluzione di continuità. Recupera un immaginario tradizionale e sacro mescolato a stilemi neo pop derivati dai cartoon e dai manga giapponesi. C’è poi una forte componente “ludica”, non affatto trascurabile. Se già iconograficamente il riferimento al gioco “delle bambole”, dalle classiche casette a Barbie ai più moderni videogiochi, è lampante, non è da sottovalutare il valore simbolico e metaforico che questa scelta assume. Nel tentativo di risistemare e mettere ordine nella moltitudine di sensazioni e memorie, stereotipi e cliché, l’operazione di “miniaturizzazione” del mondo diventa il mezzo attraverso il quale Claudia riesce a prenderne il controllo, ad impossessarsi di paure e inquietudini rendendole così addomesticate per poterle, poi, liberamente ricomporre.
Il gioco diventa, quindi, un tramite attraverso il quale l’artista dà voce a condizioni emotive e sociali burlandosi dello stereotipo e del cliché con l’ironia di chi si sente, in fondo, chiamato in causa. Il tutto, però, è ben lontano dall’essere assimilabile ad un diario di confessioni autobiografiche o a sfoghi passionali; è un racconto feroce, quello che la Giannuli mette in scena, trattato, certo, con delicatezza, avvolto da delicati toni fiabeschi e onirici che riferiscono ad una sensibilità quasi neo-naive e neofolk, ma giocoso fino in fondo e per questo inevitabilmente crudele.”

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BIOGRAFIA
Claudia Giannuli nasce il 12 luglio del 1979 a Bari dove vive e lavora. L’argilla è la sua materia da sempre. Negli ultimi anni la contamina con l’utilizzo di resina, legno, plastica, creando ambientazioni che che ricordano mini-set teatrali minuziosamente costruiti in scala, piccole architetture mnemoniche, a metà strada tra realtà e finzione.

Principali mostre collettive

2012
“La verità è luce”, Centro Open Space, Catanzaro
“Haeretici”, Castello Svevo, Barletta

2011
“Buon compleanno, Italia!”, Istituto Italiano di Cultura di Stoccarda, Germania
“BLOOOM – the creative industries art show”, Colonia, Germania
“Si ignorano i motivi del gesto”, Palazzo Conti, Locorotondo
“Biennale di Venezia padiglione Puglia”, Monastero di Santa Scolastica, Bari
“Il colore in giardino”, Giardino botanico Lama degli Ulivi, Monopoli
“They hate us for our freedom”, C.S.O.A., Bari

2010
“BLOOOM – the creative industries art show”, Colonia, Germania
“Le Dernier Restaurant”, Orto botanico, Bari
“Next-Door Monsters”, Fabrica Fluxus, Bari

2009
“Festival della bassa risoluzione”, Bari

Mostre personali

2012
“QB - quantobasta”, Fabrica Fluxus, Bari
2010
“Parzialmente scremato”, spazio Nodo, Bari

Fabrica Fluxus Art Gallery
Via Celentano 39, Bari

Orari: Lunedì 17.30/20.30
dal Martedì al Sabato 11.30/13.30 – 17.30/20.30
info: fabricafluxus@gmail.com - cell. 340 7225237

Segnala:
Amalia Di Lanno

TOGO

2012-02-01T00:35:00.000-08:00

TOGO

4 - 16 febbraio 2012

Galleria: Galleria "Arianna Sartori"
Indirizzo: Mantova - via Ippolito Nievo, 10 - tel. 0376.324260
Titolo mostra: TOGO
Date: dal 4 al 16 febbraio 2012
Inaugurazione: Sabato 4 febbraio, ore 17.00. Sarà presente l’Artista
Orario di apertura: lunedì-sabato 10.00-12.30 / 16.00-19.30, chiuso festivi.

Sabato 4 febbraio, la Galleria “Arianna Sartori Arte & object design” di Mantova, in via Ippolito Nievo 10, inaugura la mostra personale del maestro TOGO.
La personale, curata da Arianna Sartori, sarà inaugurata Sabato 4 febbraio alle ore 17.00 alla presenza dell’artista.

Togo, ovvero della forza del colore
“Piccole scansioni di vita raccontate per flash. Flash di ricordi, immagini scandite da sapienti tocchi di colore che elaborano campiture emozionali. Così la pennellata di Togo sintetizza emozioni altrimenti irrappresentabili senza cadere nell’olografia. L’obliquità del segno taglia l’orizzonte facendolo pulsare di vita con aritmie che negano la regola dell’orizzonte piatto.(…)
(…) L’opera di Togo sembra una lunga - a volte accelerata, altre volte decantata - corsa verso lo smarrimento. Smarrimento nel colore, nel semantema che la traccia decisa del pennello lascia scavando la tela oltre la superficie, smarrimento nel quadro, un tuffo nel magma della sua tavolozza.(…)
(…) Luciano Caramel definisce Togo artista insieme “della sensualità antica, e tutta terrestre e accanto, sperimentatore… pittore d’altri tempi e pittore d’oggi”. Come non condividere questa sensazione di terra mangiata a manate, di cieli divorati a morsi nel tentativo di indovinare il futuro? E, insieme, come ignorare la spinta costantemente in avanti di Togo? Come non restare affascinati dalla sua instancabile capacità di mettersi in gioco, di misurarsi con tecniche e tensioni sempre nuove spostando la soglia sempre un po’ oltre? Là dove le sinuosità cromatiche allertano anche lo sguardo più distratto. Là dove il colore assume una forma maieutica su cui misuriamo il nostro bisogno di immortalità.
Si è detto di sinuosità. Sinuosità di linee che sulla tela sembrano prodursi per parto spontaneo del colore che produce segno. Eppure Togo non ama la circolarità. Più precisamente, come Savinio, Togo non ama il cerchio, come lui preferisce l’ “ordine quadro” che l’artista greco definisce il “sistema eccelso della grazia intelligente”. In Togo è difficile trovare delle presenza circolari, mentre a profusione dominano forme quadre in tutte le distorsioni possibili: una realtà puntuta e nientaffatto paffuta, un senso spesso doloroso del cuneo che entra e squarcia, del segmento che si ritaglia uno spazio nell’infinito attraverso rombi e triangoli che irregolarmente tagliano lo spazio e sezionano le nostre aspettative che sono sempre – non dimentichiamolo – regolari, o meglio, come ha avuto modo di dire Umberto Eco a proposito della musica dodecafonica – armoniche. È stata necessaria l’azione dirompente delle avanguardie dei primi del novecento (in teatro come in musica e nell’arte) affinché la nostra sensibilità fosse frustata (e riattivata) dalla imprevedibilità del segno non conforme alla regola, dalla cacofonia del gesto, dalla irregolarità del colore che si stende scomposto e vivo, anarchico - questa è la sensazione di primo acchito - eppure regolare come una formula matematica, come un’espressione di secondo grado le cui incognite sono tutte nella tasca dell’artista. Una tasca che custodisce insieme una riserva aurea di ironia proiettata nell’opera artistica in forma di “dissimulazione”.
Impossibile non essere attraversati dall’ironia di Togo, da quella “maniera sottile d’insinuarsi nel segreto delle cose” giocando con la loro insondabilità e producendo versioni illimitate di una realtà sottomessa a cambiamenti profondi, che sferzano la pelle fino a penetrarne i vari strati mostrando così, inaspettatamente, l’indicibile. Ironia giocosa nell’opera grafica, palpitante in quella pittorica, in entrambe accentuata da una consapevolezza quasi dolorosa del tempo che scorre in piccoli granelli centellinati dal nostro caparbio attaccamento all’eternità. Un’eternità che, in Togo, gioca a rimpiattino con il sogno, con la memoria, con un mondo non idilliaco ma affascinante, pregno di umori e suoni e colori e brezze e dolori ed echi e odori e vita che solo un artista riesce a racchiudere in un segno, in una pennellata, in un angolo piccolo e silenzioso del nostro cuore.(…)
(…) Togo utilizza tutte le lingue utili all’armonia musicale del semantema iconico che rendono efficace il suo sentire il mondo, la sua lettura e la sua proiezione sulla tela. Attraverso la sua opera Alice-spettatore entra nello specchio che è porta di un mondo parallelo, un mondo in cui l’orizzonte non è fatto dell’unione tra cielo e mare ma è il punto di fusione tra pennello e tela, tra colore e canapa, tra olio di lino e setole: alchimia del durante. Una sorta di sindrome di Sthendal a cui, indirettamente, anche Paolo Volponi sembra pensare quando parla dell’opera di Togo. E, indubbiamente, osservare una sua opera produce una certa vertigine, crea un momento in cui non sai quanto sei dentro e quanto ci metterai per tirarti fuori dal quadro. Non è una questione di figurazione naturalistica o meno. Il problema della figurazione - l’abbiamo detto - è quanto mai irrilevante nell’opera di Togo. Nei suoi quadri il colore è una porta aperta alle contaminazioni emotive, una chiave per entrare nell’imponderabile personale, un varco nell’infinito. E tra gli oggetti indefiniti e indefinibili della sua pittura, l’acqua è un elemento permanente, come una soluzione unica e infallibile, che ha in sé la potenza dell’energia vitale, panacea a mali altrimenti insolubili: l’acqua scorre, si rigenera e rigenera, come un liquido amniotico incorruttibile si fa pancia instancabile, senza contorni definiti, senza fine.
E in questo spazio allargato, in questo regno del possibile creato e ricreato magicamente in ogni opera, ognuno di noi trova la sua personale mitologia richiamata da quel “terremoto segnico” individuato da Lucio Barbera entro il quale scopriamo metafore e deformazioni che ci appartengono, che ci fanno creatori, se non artisti, di rimandi emozionali. Dovremmo ringraziare il cielo per ogni artista che il cielo manda sulla terra, per quel legame inscindibile che ci consente di creare tra il nostro pensiero e la nostra memoria, tra il nostro dio e i nostri peccati tra il nostro schiacciante quotidiano e il nostro mitico bisogno di ricordare. E di sognare”.
Angela Manganaro

Togo, (Enzo Migneco) nasce nel 1937 a Milano ma vive gli anni della sua giovinezza a Messina, città di origine della famiglia. La fine degli anni ’50 lo vede partecipare a Mostre e Rassegne nella città dello Stretto, dove tiene anche la sua prima personale.
Nel 1962 si trasferisce a Milano e nel 1967 espone alla Galleria 32 presentato in catalogo da Raffaele De Grada. Nel capoluogo lombardo seguiranno personali alla Galleria Diarcon, Palmieri, Annunciata, Palazzo Sormani, Aleph, Bonaparte, Università Bocconi, Studio d’Arte Grafica, Il Torchio, Centro dell’Incisione presentate via via da Enzo Fabiani, Paolo Volponi, Alberto Cavicchi, Paolo Bellini, Giorgio Seveso, Luciano Caramel, Vincenzo Consolo, Tommaso Trini, Sergio Spadaro, Gianni Pre, Ivan Croce e Francesco Poli.
Nel 1982 espone a Palazzo dei Diamanti di Ferrara, a Wroclaw in Polonia e ad Helsinki in Finlandia. Fonda con Leopoldo Paratore le Edizioni dello Scarabeo che pubblicano una monografia delle sue incisioni a cura di Alberto Cavicchi. Nel 1989 la città di Messina gli dedica un’antologica curata da Lucio Barbera e nel catalogo, delle Edizioni Mazzotta, appaiono i testi critici dello stesso Barbera, di Paolo Bellini e Luciano Caramel. Nel 1991 è invitato da Renzo Bertoni alla rassegna ”Sicilia mito e realtà” al Museo Pepoli di Trapani. Nel 1996 l’Ente Mostra di Pittura “Città di Marsala” allestisce una sua personale presentata da Giuseppe Quatriglio. Negli stessi locali del Convento del Carmine tiene, l’anno successivo, un Corso di Incisione Calcografica.
Aldo Gerbino lo invita a Roma, al Vittoriale, per la mostra “L’isola dipinta” e, nello stesso anno Lucio Barbera a “La Sicilia è un arcipelago”, mostra ospitata all’Acquario di Roma poi a New York, Palermo e Messina. Nel 1999 espone 20 tele al Parlamento Europeo di Bruxelles; vince il premio di pittura Santhià e nel 2000 gli viene assegnato, a Roma, il Premio “Antonello da Messina” per le Arti Figurative.
Gli viene affidata l’organizzazione della VIII Triennale dell’Incisione assieme a Enrico della Torre e Walter Valentini
Nel 2007 espone a Villa Genovesi, S. Alessio, presentato in catalogo da Giovanna Giordano e nel novembre dello stesso anno è, con Alvaro, al Museo della Permanente di Milano. La testimonianza in catalogo è di Angela Manganaro. Dal 1999 al 2004 è titolare della Cattedra di Incisione presso l’Accademia di Belle Arti “Aldo Galli” di Como. Dallo stesso anno e fino al 2005 ha un contratto, in esclusiva,con i gruppi editoriali Torcular e Telemarket.
Pubblica, con la Est Ticino, una cartella di incisioni curata da Terenzio Baronchelli, con un testo critico di Giorgio Seveso e per le Edizioni Avatar, assieme a Michele Cannaò e Tano Santoro è presente nella raccolta “Per Amore” con testo di Angela Manganaro e tre poesie di Juan Gelman, Franco Loi e Guido Oldani. Partecipa alla Via Crucis da “Il Chiodo Fisso” di Guido Oldani, mostra itinerante a cura di Michele Cannaò.
E’ presente nel progetto di Vittorio Ferri “Domino” assieme a Sonja Aeschlimann, Alvaro, Michele Cannaò, Ignazio Moncada, Sara Montani, Susan Post, Augusto Sciacca, Alberto Venditti.
Allestisce, nei mesi di luglio e agosto 2009, una personale a Taormina alla Fondazione Mazzullo, presentato in catalogo da Lucio Barbera.
E’ invitato alla Biennale di Lodi. Espone alcuni dipinti nelle sale del Museo Leone da Perego di Legnano per la Cooperativa Est Ticino. Partecipa alla Rassegna organizzata dal Museo del Fango presso la fondazione Mazzullo di Taormina, mostra che testimonia la solidarietà a favore dei paesi del messinese distrutti dall’ultima alluvione.
E’ presente, con una serie di opere, alla mostra dell’Incisione Italiana Contemporanea, a cura di Vladimiro Elvieri, al Museo Civico Ala Ponzone di Cremona, opere che andranno al Museo della Slesia di Katovice (PL).
Nel mese di giugno del 2010 espone a Milano presso la Galleria San Carlo presentato in catalogo da Franceso Poli; in ottobre partecipa alla rassegna curata da Giovanni Bonanno, presso l’Albergo delle Povere a Palermo, “ Il Sacro in Arte”. L’Università di Messina organizza, nel 2011, una sua mostra antologica curata da Teresa Pugliatti e Luigi Ferlazzo Natoli; l’allestimento e di Marco Dentici.
E’ invitato alla rassegna “Grafica Oggi”, a cura di Floriano De Santi e Chiara Gatti, a Torino.
Dipinge, per il Comune di Messina, il manifesto della “Vara”.
Togo è stato invitato alla 54. Biennale di Venezia - Padiglione Italia a Torino nel Palazzo delle Esposizioni - Sala Nervi, a cura di Vittorio Sgarbi, dal 17 dicembre 2011 al 30 gennaio 2012
Per l’Associazione “Roberto Boccafogli”, con Sara Montani, è docente e responsabile della “Stamperia Boccafogli”, finalizzata alla promozione della didattica dell’incisione nel mondo della formazione.
ARIANNA SARTORI
ARTE & OBJECT DESIGN
Via Ippolito Nievo, 10 - 46100 MANTOVA - tel 0376.324260 - info@sartoriarianna.191.it

The liquid stage

2012-01-31T23:32:00.000-08:00

Storie di uomini e acqua. 38 scatti che riflettono sul rapporto fra l'essere umano e l'acqua
A cura di Gianmarco Maraviglia

Artisti: Francesco Alesi, Luigi Baldelli, Simone Cerio, Alessandro Gandolfi, Gianmarco Maraviglia, Sergio Ramazzotti, Davide Scagliola, Bruno Zanzottera.

Quando parliamo di un uomo in acqua, diciamo che "non è nel suo elemento naturale". Eppure, spesso inconsapevolmente, viviamo in un mondo liquido. Anzi, siamo quel liquido: l'acqua, che ricopre il 71% della superficie del pianeta Terra, forma anche i 7/10 del corpo di quell'uomo, di tutti gli esseri umani. La maggior parte delle confessioni religiose narra un mito fondatore o ri-fondatore (come il Diluvio Universale) basato sull'acqua, e per milioni di accoliti di tutte le fedi, l'acqua - di un fonte battesimale, del Gange, dell'alveo di un lago sacro in terre animiste o delle vasche di abluzione sul retro di una moschea - è l'elemento base dei riti di purificazione e di ricongiungimento col divino. Il mare, anche se ogni giorno è più povero di vita, è fonte di sostentamento per centinaia di milioni di persone.

Il rapporto fra l'essere umano e l'acqua è indissolubile: ne nascono storie delicate, poetiche e drammatiche, che in certi casi hanno in sé la grandezza di un'epica. L'acqua, dolce o salata, corrente o stagnante, pura o avvelenata, contenuta in una piscina, un'acquasantiera o nel letto di un fiume, l'acqua che sostiene la chiglia di un peschereccio e quella divenuta strato di ghiaccio durante un lungo inverno boreale, è la ferriera dove bambini lavorano per smantellare vecchie navi e il bacile nel quale ci si bagna per perpetuare un rituale vecchio di due millenni. È, come nella Libia della rivoluzione, un campo di battaglia e una via di salvezza, è l'orizzonte sul quale i giovani di Gaza cercano un surrogato di libertà, è una palestra, un parco giochi, è un mare che fu nostrum ma oggi è un muro, per valicare il quale migliaia di giovani sono disposti ad affrontare la morte in un'impossibile traversata verso nord. L'acqua diventa allora un palcoscenico liquido, sul quale vanno in scena, in infinite repliche sempre uguali e sempre diverse, la commedia e il dramma dell'umanità.

Con questo viaggio nel mondo in 38 scatti, con questa mostra, e con l’inizio di quest’anno 2012, inizia una collaborazione tra SPAZIOFARINI6 e ParalleloZero, agenzia di fotogiornalismo. La galleria infatti presenterà mostre dei fotografi di reportage di ParalleloZero, e Gianmarco Maravigia, direttore dell’agenzia, terrà corsi di fotogiornalismo per il pubblico di SpazioFarini6.

Inaugurazione: giovedì 12 gennaio 2011 ore 18.30 - 21.00

Spaziofarini6
Via Farini 6, Milano
orario: da lunedì a giovedì 16.00-19.00 o su appuntamento
Ingresso libero

Fonte: http://www.equilibriarte.net

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Amalia Di Lanno

LELLO TORCHIA/VANITAS

2012-01-31T04:39:00.001-08:00

LELLO TORCHIA
“VANITAS”

A cura di Giovanni Policastro

THE WHITE GALLERY
via Felice Casati, 26 20149 Milano

Opening: giovedì 2 febbraio 2012 ore 19,06.

Da giovedì 2 febbraio al 28 febbraio 2012.
Aperta dal martedì al venerdì dalle 15,30 alle 19,30.
Negli altri orari e festivi su appuntamento.

Lello Torchia (Napoli 1971), fin dalle prime esperienze espositive degli anni ’90, si distingue con dei lavori che esprimono una sensazione di galleggiamento e leggerezza. L’eleganza ed il misurato equilibrio formale delle sue opere basate su scarni elementi che conservano lo spirito e la ieraticità fuori dal tempo delle opere classiche, lasciano spazio a una percezione astratta del pensiero e a un senso di indefinito che porta lo spettatore ad un coinvolgimento emotivo che diventa processo di partecipazione psicologica intima e personale.
E’ del 1999 la prima mostra di rilievo, presso il parco del Museo di Capodimonte, a Napoli. Pochi mesi più tardi, nel 2000 una mostra personale a Salerno, nel monumentale Tempio di Pomona. Con le mostre del 2001, a Verona (Galleria ScalaArte) ed a Salerno (Studio 34), si afferma uno stile asciutto, in cui la rinuncia e la sottrazione divengono forza e pregnanza.
Nel 2003 vince il Mail Art Prize a Pècs, al quale seguono diverse mostre in Europa, tra cui Vestigia tenère (Art and History meetings, Brno) e Charta III (MdL, Bordeaux), l’anno dopo tre mostre personali In colore (Franco Riccardo Artivisive, Napoli), Tempo (Galleria Arteincontri, Vignola) e Lello Torchia (Casina Pompeiana, Napoli). Ancora rilevanti mostre all’estero, tra le altre, 20 Monochromes (Collection Goor-Beerens, Bruges, 2005).
Intanto la figurazione assume contorni labilissimi, a prevalere sono l’assenza e il vuoto. La sintesi che ne deriva diventa emblema tangibile della fugacità dell’esistenza umana.
Il 2006 segna l’inizio del soggiorno milanese che si chiude nel 2009 con la mostra Il disegno sfogliato (Biblioteca civica, Brescia) e con la prima personale presso The White Gallery. Nel 2011 la mostra Bianco e Nero (Ex Studio, Lugano).

Fonte:

http://www.mymi.it/

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Amalia Di Lanno

"Aguìn, disegni" - L'immaginario mondo pubblicitario di Aguinaldo Perrone

2012-01-31T03:22:00.001-08:00

80 opere originali di Aguinaldo Perrone, tra disegni, pitture su legno e omini pubblicitari di legno per raccontare l'ironia comunicativa della réclame dei Cartellonisti. Introduce lo studioso di Futurismo e collezionista di materiale pubblicitario di quell'epoca Prof. Carmelo Calò Carducci alle ore 12.00 del primo febbraio
Contact: www.aguin.it

Mercoledì 1 febbraio 2012 alle ore 12.00 presso la Sala del Colonnato della Provincia di Bari si inaugura la mostra “Aguin, disegni. L'immaginario mondo pubblicitario di Aguinaldo Perrone”.

Interverranno il presidente della Provincia di Bari, Francesco Schittulli, l’ Assessore alla Cultura, Nuccio Altieri, ed il prof. Carmelo Calò Carducci.

In esposizione circa 80 opere originali, tra disegni, pitture e omini pubblicitari di legno per raccontare l'ironia comunicativa della réclame del periodo cartellonista, con particolare riferimento al Futurismo. La mostra sarà aperta fino al 10 febbraio.

Aguinaldo Perrone, barese, da più di vent'anni, coltiva la passione per le arti grafiche cartelloniste, dalle quali trae ispirazione la sua intera produzione artistica. I suoi disegni sono una libera interpretazione di marchi noti e meno noti, veri o inventati, che coinvolgono l'osservatore nel percorso creativo dell'artista, conducendolo in un viaggio senza tempo verso un tipo di réclame lontana dai cliché dei moderni messaggi pubblicitari.

Fonte: http://puglialive.net

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Amalia Di Lanno

Edward Steichen

2012-01-31T02:05:00.000-08:00

Il fotografo delle star omaggiato alla Galleria Sozzani Ha immortalato i volti delle più grandi star del ´900: è Edward Steichen, il fotografo passato alla storia come uno dei personaggi più influenti nel suo ambiente. La Galleria Carla Sozzani lo omaggia con una grande mostra fino al 12 febbraio 2012. Nato in Lussemburgo nel 1879, Steichen ha vissuto sempre negli Stati Uniti. Dal 1923 è stato responsabile della sezione fotografia nelle riviste Vogue e Vanity Fair. Sotto il suo flash sono passati registi, atleti, attrici, poeti, cantanti, ballerini e politici. Basti pensare a Walt Disney, Pirandello, Matisse, Greta Garbo, Fred Astaire, Winston Churchill e Gloria Swanson.

LOCATION

Galleria Carla Sozzani

INGRESSO

Libero

DATA

Dal 20/11/2011 al 12/02/2012

ORARIO

Lunedì: dalle ore 15.30 alle ore 19.30; martedì, venerdì, sabato e domenica: dalle ore 10.30 alle 19.30; mercoledì e giovedì: dalle ore 10.30 alle ore 21

INDIRIZZO

Corso Como, 10 (Zona Garibaldi)

CITTÀ

Milano (MI)

Fonte: http://www.reflexlist.com

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Amalia Di Lanno